De Baalbek a Bacler de Alba, Luis Alberto

Baalbek

Ciudad situada en el Valle de la Beqaa, al Este de Líbano, a la orilla de los ríos Litani y Asi, a 1.XVII0 metros de altitud. Su nombre significa "ciudad de Baal", la divinidad semita principal de la ciudad. La protección de esta divinidad hizo que griegos y romanos la pusieran el apodo de la "Ciudad del Sol".

Historia

Por algunos restos encontrados en las excavaciones arqueológicas, se atribuye su fundación a los fenicios. Pero la primera información escrita que se refería a la ciudad databa del 332 a. de J.C., cuando fue conquistada por las tropas de Alejandro de Macedonia. Con la desmembración de su Imperio tras su muerte, la ciudad se incluyó entre las posesiones de la Dinastía Ptolemaica. La identificación de su divinidad principal, Baal, con el dios del Sol, hizo que fuese rebautizada con el nombre de Heliópolis. En el 206 a. de J.C., la ciudad fue conquistada por las tropas del soberano seleúcida Antioco el Grande, que la tuvieron en su poder hasta la llegada de los romanos en el 64 a. de J.C., con motivo de la tercera guerra de Roma contra Mitriades VI, rey del Pronto. La entonces llamada fue integrada en la provincia romana de Siria. Los romanos dedicaron el templo de Baal a Júpiter, bajo la advocación de Júpiter, y la fama del santuario se extendió por todo el Imperio. Augusto asentó en el 16 a. de J.C. en su territorio a los veteranos de la legión VIII Augusta. Fue precisamente con este Emperador cuando alcanzó la categoría de colonia con el nombre de Colonia Julia Augusta Félix Heliopolitana. Teodosio convirtió el templo en un lugar de culto cristiano. Los árabes la ocuparon en el 637 a. de J.C. Baalbek fue saqueada en 1400 por las tropas del gran mongol Tamerlán. Los árabes pusieron a la cabeza de la población a un gobernador que dependía de la provincia de Siria, situación que pervivió hasta principios del s. XX. En 1759 sufrió un terremoto que destrozó las ruinas que quedaban a la vista. Tras la I Guerra Mundial, los franceses la unieron a su protectorado en las costas de Palestina, y pasó a estar bajo administración libanesa cuando el Líbano alcanzó su independencia. Las tropas Sirias la convirtieron en una fortaleza durante la Guerra Civil libanesa. Actualmente tiene 50.000 habitantes.

Arqueología

Las excavaciones en busca de materiales para las colecciones particulares comenzaron en el s. XVI, pero las excavaciones sistemáticas no comenzaron hasta 1898, cuando una expedición alemana excavó durante cinco años la zona de los templos. Los franceses prosiguieron con la labor tras la Primera Guerra Mundial. Actualmente es el Servicio de Antigüedades de Líbano quien realiza los trabajos. En la acrópolis de la ciudad destacaba el Templo de Júpiter Heliopolitano, al cual se accedía mediante unos propileos; el templo en sí era peristilo y se encontraba rodeado por cincuenta y cuatro columnas de estilo corintio (véase en Órdenes arquitectónicos). Actualmente todavía se pueden ver seis de ellas en pie. Estaba situado sobre un podio que le elevaba nueve metros sobre el nivel del suelo. Las dimensiones eran de 86 x 50 m. De la cella principal apenas quedan restos. Delante del templo había un altar para la realización de los sacrificios.

Antonino Pío le añadió un patio rectangular y un gran pórtico hexagonal En la acrópolis también se encuentra el templo de otra divinidad importante en la ciudad, el de Baco. Este también es de estilo corintio, pero con unas medidas menores. Su cella, con una dimensión de 35 x 20 m, es la mejor conservada de todo el Imperio Romano. El templo era peristilo, con ocho columnas en los lados menores y quince en los grandes. Finalmente, fuera de la acrópolis, se encuentra el templo de la tercera divinidad de la triada de Baalbek, Venus. Éste, construido a finales del s. II, tiene la particularidad de poseer una cella de forma circular. La importancia en el mundo romano de esta ciudad fue tan grande que el Templo de Júpiter apareció en monedas de algunos emperadores, como Septimio Severo, Galieno y Gordiano III.

Baan, Juan de, pintor holandés (1633 – 1702)

Sobresalió en los retratos, e hizo los de varios príncipes de Europa, como los de Nassau y de Orange, y el Duque de York, que luego fue rey de Inglaterra; estuvo a punto de ser asesinado por haber pintado los de Cornelio y Juan Witt, que eran aborrecidos en los Países Bajos.

Baba, Corneliu, pintor rumano (Cracovia, 1906 – Bucarest, 1997)

Baba fue un muy destacado pintor de retratos y, también, de escenas de género. Su primera formación artística la recibió de su padre, el pintor académico Gheorge Baba. En su obra tuvo la influencia del art noveau, el impresionismo, el neoimpresionismo, el expresionismo y de Goya, Rembrandt y El Greco. Su concepción del arte le hizo recibir críticas y advertencias ya que se encontraba en un país comunista en el que el arte que se impulsaba era el realismo socialista. De todas maneras, recibió condecoraciones por su trabajo e incluso (lo que era muy raro en ese tiempo) se le permitió salir del país para exponer.

Babarovic, Natalia, pintora chilena (Santiago de Chile, 1966- )

Es una representante destacada de una generación de artistas de su país que desde la década de 1990 ha creado un estilo propio basado en la percepción subjetiva de la mirada, a través de la recuperación de la temática paisajística y la utilización de técnicas tradicionales. 

Natalia Babarovic realizó estudios en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Chile, centro donde recibió clases de Gonzalo Díaz y Adolfo Couve, siendo este último pintor quien más influyó en su arte, especialmente en lo que atañe a las técnicas de representación. En 1990 se licenció en artes plásticas con una mención en pintura, y en 1992 realizó su primera obra de relevancia, apoyado por el Fondo Regional para las Artes: un mural en la ciudad de Rancagua, en el que comienza a definir lo que será su pintura. Al año siguiente (1993) exhibió en la Galería Gabriela Mistral otra de sus obras capitales, El cautiverio feliz. En 1994 recibió el grado de Magister en Artes Visuales por la Escuela de Postgrado, y este mismo año ganó una beca del Fondo para el Desarrollo de la Cultura y las Artes (Fondart) con la que pudo continuar su actividad artística. En 1995 fue una de las artistas premiadas con el Premio Gunther en el transcurso de la III Bienal de Arte celebrada en el Museo Nacional de Bellas Artes de Santiago. 

Ya con cierta notoriedad en su país, en 1998 fue elegida como una de las participantes en el proyecto Puertas Abiertas a Chile, una iniciativa cultural organizada por la Embajada chilena en Francia con el fin de propiciar el intercambio de ideas artísticas entre pintores de ambas nacionalidades; en el marco de esta experiencia, Babarovic expuso en algunas de las más prestigiosas galerías de París.

Perteneciente a la que algunos autores han denominado "Generación Emergente de los Noventa", junto a figuras como Francisco Valdés, Victoria Polanco, Carolina Bassi, Voluspa Jarpa y Pablo Langlois, la obra de Natalia Babarovic se caracteriza por una vuelta al paisaje como motivo canalizador de la sensibilidad artística, si bien introdujo una óptica personal que va más allá del realismo academicista, aunque no por ello deja de ser deudora de éste. Así, la posición subjetiva frente a uno de sus paisajes es la de un viajero que reconstruye visualmente una intrascendente sucesión de imágenes; los campos labrados, una hilera de postes telegráficos, una laguna, etc., son percepciones fugaces, instantáneas, como fotogramas de un instante en el que el movimiento juega un papel fundamental y las coordenadas de espacio y tiempo adquieren una dimensión diferente. Siguiendo esta línea de expresión, cobran sentido recursos como la mezcla de planos o la descomposición conceptual del objeto; el emborronamiento o la extensión de la mancha de color, de lo que constituye un magnífico ejemplo Camino de Huentelauquén. Babarovic plantea así la eterna relación entre el artista y su postura ante la representación del objeto, el lenguaje de la plástica, en su caso más relacionada con la impresión que con el resultado de la contemplación u observación detenida, en la línea intimista influjo de su maestro Adolfo Couve. En El sitio de Rancagua, obra capital en su carrera, se acercó a la tradición del muralismo americano, pero haciendo mayor hincapié en la condensación de una idea histórica que en la propia épica del acontecimiento.

Babbit, Arthur , dibujante estadounidense (Omaha, Nebraska, 1907 – Los Ángeles, California, 1992)

Animador estadounidense que trabajó para The Walt Disney Company. En los años 30 se especializó en la realización de cortometrajes del personaje Goofy, al que dio su personalidad definitiva en cortos como On Ice (1935) y Moving Day (1936). Su película de 1936 The Country Mouse obtuvo un Oscar al mejor cortometraje de animación. Participó también en los primeros largometrajes de Disney: Blancanieves y los siete enanitos (1937), en la que fue el responsable de la animación de la madrastra de Blancanieves; Pinocho (1940)—fue el creador gráfico del personaje Geppetto—; Fantasía (1940), película de la que animó varias secuencias, como la danza de los hongos; y Dumbo (1941).

En 1941 fue despedido por Walt Disney a causa de su actividad sindical. El despido de Babbitt fue una de las causas de la huelga de los estudios Disney en 1941. Posteriormente volvió a ser admitido, e intervino en algunas películas hasta 1948, en que decidió incorporarse a los estudios UPA, fundados años atrás por otros trabajadores también despedidos por Disney. Intervino en el primer corto en el que hizo su aparición el personaje de Mr. Magoo (Ragtime Bear, 1949)

Fue enterrado en el cementerio Forest Lawn Memorial Park de Los Ángeles.

Babilonios

Antiguos habitantes de la ciudad de Babilonia y de la región homónima. Constituían la rama meridional de las poblaciones semíticas de Mesopotamia; tenían, como los sumerios, una escritura cuneiforme, y su lengua, muy parecida a la asiria, era una derivación del acadio. Menos guerreros que los asirios, se dedicaron a las ciencias astronómicas, las matemáticas y las artes.

Arte

La arquitectura babilónica no se diferencia en mucho de la del resto de Mesopotamia. Debido a la falta de edificios, palacios y templos (zigurats) con ladrillos de arcilla. Las excavaciones realizadas por los arqueólogos alemanes en Babilonia han pusto en descubierto el plano de la ciudad tal como fue en los tiempos de Nabucodonosor: las grandes murallas y las puertas custodiadas por animales fantásticos son ejemplo del gusto arquitectónico babilónico. Una particularidad de su arte son los relieves sobre ladrillo esmaltado, colocados a lo largo de los muros de las calles y de las paredes de los edificios. Estos relieves murales difieren de los asirios porque no persiguen ninguna finalidad narrativa, sino que tienen un valor puramente ornamental. Sobre ladrillos policromados de colores vivísimos, se destacan figuras de dragones, leones y animales fantásticos.

Durante el período de decadencia en Asiria, después de la muerte de Asurbanipal, Babilonia volvió a ser un reino independiente, fundado por los caldeos, un pueblo semita que conquistó el país adyacente, fundó el Imperio Neobabilónico, luego ayudó a los medos a combatir al Imperio asirio y, tras la caída de Nínive, sometió la mayor parte del antiguo territorio asirio. A partir del 604 antes de Cristo, los babilonios conocieron otra época de bienestar con el gobierno del animoso guerrero y gran arquitecto Nabucodonosor II. Adornó Babilonia con magníficas construcciones. El templo que mandó levantar en Bel-Marduk alcanzó celebridad. Según la costumbre babilónica, junto al complejo del templo se elevaba una alta torre dividida en varias terrazas. La de Babilonia poseía siete terrazas consagradas al Sol, a la Luna y a los demás cinco planetas conocidos en la época. Causaban gran impresión por sus cubiertas de tejas multicolores. La más bella era la terraza dorada del Sol. La terraza argentada de la Luna brillaba en la cima. Las ruinas de esta torre aún existen en nuestros días y han impresionado profundamente la imaginación de los árabes que habitan en sus alrededores. Los árabes veían en ellas los vestigios de la "torre de Babel", construida por los primeros hombres, pero una inscripción descubierta recientemente prueba que fue el rey Nabucodonosor quien ordenó levantar esta torre hasta el cielo. Allí se dice que la torre del templo era anterior a él, pero que sólo se componía de dos terrazas. Nabucodonosor era no solamente un gran rey, sino también un hombre piadoso. Las oraciones dirigidas a Marduk, dueño supremo del mundo, y a su hijo, son tan puras y de tono tan elevado, que la literatura mundial tiene pocas obras comparables.

Nabucodonosor se hizo construir un lujoso palacio v, atendiendo,i los deseos de su esposa, lo rodeó con un jardín colgante en forma de terrazas, los famosos "jardines colgantes de Babilonia", que, como las pirámides egipcias, se cuentan entre las siete maravillas del mundo. Cuando la Biblia y los escritores antiguos hablan de la magnificencia de Babilonia, hacen alusión, sobre todo, a la Babilonia de Nabucodonosor, que les causó una impresión imborrable. Los muros, templos, palacios, y casas particulares que fueron exhumados en nuestros días, datan, en gran parte, de aquella época.

Baburen, Dirck van, pintor holandés (Wijk bij Duurstede, hacia 1595 – Utretch, 1624)

Un pintor barroco holandés, uno de los líderes de la escuela pictórica de Utrecht, que estuvo influenciada por el dramático estilo tenebrista del pintor italiano Caravaggio. También fue conocido como Teodoer van Baburen y Theodor Baburen.

Con toda probabilidad, Dirck van Baburen nació en Wijk bij Duurstede a 1595, pero su familia pronto se trasladó a Utrecht. Su padre, Jasper van Baburen había estado al servicio de la Vizcondesa de Utrecht, Geertruijd van Bronckhorst van Battenburg.

La primera referencia del artista se encuentra en los registros de 1611 de Utrecht del Gremio de San Lucas como un discípulo de Paulus Moreelse (1571 – 1638), un retratista y pintor de escenas históricas.

En algún momento entre 1612 y 1615 viajó a Roma. En 1615 realizó un San Sebastián mártir (actualmente perdido) para la Iglesia del Servicio en Parma; es posible que la imagen fuese pintada en Roma, donde van Baburen pasó varios años. 

        En Roma colaboró con David de Haen (¿? – 1622) originario de Rotterdam, y con Nicolas Régnier. Baburen también llamó la atención de los coleccionistas de arte y los mecenas Vincenzo Giustiniani (1564 – 1637) y el cardenal Scipione Borghese (1576 - 1633) y, posiblemente, bajo sus influencias recibió la comisión junto a su compañero de Haen para realizar las decoraciones de la capilla de la Piedad en el monasterio de San Pietro in Montorio, donde Baburen pintó el retablo de El Entierro alrededor de 1617.

En 1619, Van De Haen y Baburen comparten un apartamento en la parroquia de San Andrea della Fratte, parroquia donde vive Bartolomeo Manfredi (1582 – 1622), cuyo estilo está estrechamente relacionado con ellos, y con quien Baburen entabló una estrecha amistad.

En la "Ciudad Eterna", Baburen fue uno de los primeros miembros del grupo Bentvueghels ("Pájaros de una pluma"), un grupo de artistas de habla holandesa activos en Roma en el s. XVII. En este grupo el apodo de Baburen era "Biervlieg" ("Mosca cervecera", o "el que bebe demasiado").

Una carta sobre arte dirigida por Teodoro Amayden a Giustiniani en 1620, incluye una clasificación de los artistas en orden de importancia; en ella aparece el nombre de "Teodoro", probablemente refiriéndose a Van Baburen, en la undécima posición entre los más grandes.

A finales de 1620, Baburen regresó a Utrecht, y vivió con su madre y hermana en la Jansdam. Recibió encargos y pintó algunas escenas de género.

Entre 1622-3 compartió estudio con Hendrick ter Brugghen (1588 – 1629). Ambos pintores, junto con Gerard van Honthorst (1592 – 1656), ayudaron a establecer el estilo y la temática de las innovaciones caravaggistas ahora conocida como la Escuela de Utrecht.

Aún estaba soltero cuando murió repentinamente en 1624, sin cumplir los 30 años, probablemente víctima de la peste. El 28 de febrero de 1624 fue enterrado en Buurkerk, una iglesia medieval de Utrecht, que hoy alberga el Museo van Speelklok tot Pierement.

Alrededor de 1629, Constantijn Huygens (1596 – 1687) señaló a Baburen como uno de los pintores holandeses importantes activos en las primeras décadas del s. XVII.

Su reputación disminuyó rápidamente después de su muerte, y no fue hasta el s. XX que su trabajo volvió a salir a la luz.

  El arte de Baburen se caracteriza por una cierta tosquedad en la concepción, ritmos irregulares en la composición y una baja calidad atmosférica, pero su manera de pintar se puede decir que se amplia y fortifica. Su estilo está ligado al de Hendrick Ter Brugghen, pero tiene una menor personalidad.

La carrera de Dirck van Baburen fue corta, y sólo unas pocas de sus pinturas son conocidas hoy en día. La mayoría de las que pintó en Roma de temas religiosos, incluida la de San Pietro in Montorio, Entierro, están en deuda con las versiones del mismo tema que Caravaggio presentes en los Museos Vaticanos. Baburen también pintó una Captura de Cristo (Galería Borghese, Roma) para Scipione Borghese y Cristo lavando los pies de los Apóstoles (Gemäldegalerie, Berlín) para Vincenzo Giustiniani. La influencia de Caravaggio también se puede ver en sus dos versiones de Cristo coronado con espinas, sobre la base de una pintura pérdida del maestro italiano.

Las obras de Utrecht realizadas entre 1621-4, los últimos años de la carrera de Baburen, se fusionan las características visuales aprendidas de Caravaggio y Manfredi en el género mitológico y de la pintura histórica. Prometeo siendo encadenado por Vulcano (Rijksmuseum, Ámsterdam), por ejemplo, adapta la figura de Caravaggio de San Pablo de La conversión de San Pablo (Basílica de Santa Maria del Popolo, Roma) a la posición caída de Prometeo, que fue castigado por robar el fuego de los dioses y dárselo a los mortales.

Él fue uno de los primeros artistas en popularizar géneros con temas como músicos y jugadores de cartas. Una de sus obras más conocidas es La procuradora (Museo de Bellas Artes, Boston), que representa a un hombre que ofrece una moneda para los servicios de una tocadora mientras una prostituta vieja, la procuradora de la dama, inspecciona su dinero. Este cuadro (o una copia) era propiedad de la suegra de Johannes Vermeer (1632 – 1675) y aparece reproducido en dos de las obras del artista: El concierto (robado en 1990 del Museo Isabella Stewart Gardner, Boston) y Mujer sentada en un virginal (National Gallery, Londres).

Obras suyas son: Cristo con la corona de espinas(1623) Museo Catharijneconvent, Utrecht. Berger Daifilo dando una bebida a la princesa Granida, óleo sobre lienzo, 166 x 209 cm., entre 1608 y 1624, Museos Reales de Bellas Artes de Bélgica, Bruselas. Berger Daifilo dando una bebida a la princesa Granida, óleo sobre lienzo, 68.5 x 60.5 cm., entre 1609 y 1624, Galería Christie's, Londres. Compañía de músicos, óleo sobre lienzo, atribuido a Dirck van Baburen, 49 x 65 cm., entre 1610 y 1624, Galería Sotheby's, Nueva York. San sebastián atendido por Santa Irene y su criado, 1615, óleo sobre lienzo, atribuido a Dirck van Baburen, 169 x 128 cm., Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid. El entierro, sobre 1617, Monasterio de San Pietro in Montorio, Roma. El entierro, idéntica a la anterior composición, óleo sobre lienzo, 220 x 140 cm., circa 1620, Museo Central de Utrecht. El entierro de Cristo, óleo sobre lienzo, atribuido a Dirck van Baburen y David De Haen, 222 x 142 cm., documentada en 1617 Museo Central de Utrecht. Hombre con una jarra, un cuchillo y un trozo de pan, óleo sobre lienzo, atribuido a Dirck van Baburen, 72 x 59,5 cm., entre 1620 y 1624, Lempertz, Colonia. Captura de Cristo, antes de 1621, Galería Borghese, Roma. Cristo expulsando a los mercaderes del Templo óleo sobre lienzo, firmado, 161 x 199,5 cm., con fecha de 1621, Galería Christie's, Londres. Cristo lavando los pies de los Apóstoles, antes de 1621, Gemäldegalerie, Berlín. Joven tocando un pequeño silbato pintura sobre lienzo, firmado, 65 x 52,5 cm., con fecha de 1621, Museo Central, Utrecht. La muerte Uriah en la batalla, antes de 1621 colección privada. Cantante acompañado con el laúd, óleo sobre lienzo, firmado, 71,2 x 59 cm., con fecha de 1622, Museo Central, Utrecht. Cristo entre los doctores, 1622, Galería Nacional de Noruega, Oslo. El filósofo Demócrito riendo, óleo sobre lienzo, taller Dirck van Baburen y Ter Brugghen, 1622, 71,5 x 56,5 cm., Galería Arcade, Londres. La procuradora, pintura sobre lienzo, 100,2 x 105,3 cm., 1622, Museo de Bellas Artes, Boston, Massachusetts. Pareja tocando música y procuradora, una copia de la anterior pintura sobre tela, posterior a Bavuren, 100 x 90 cm., Rijksmuseum, Ámsterdam. Los jugadores de backgammon, sobre 1622, Residenzgalerie, Bamberga. Compañía perdida, 1623, Gemäldegalerie, Maguncia. Prometeo siendo encadenado por Vulcano, óleo sobre lienzo, 202 x 184 cm., 1623, Rijksmuseum, Ámsterdam. Coronación de espinas, óleo sobre lienzo, 106 x 136 cm., 1622-3, Museo Catharijneconvent, Utrecht. Coronación de espinas, 1623, Museo Nelson-Atkins, Kansas City, Missouri. Jóvenes licenciosos, 1623, Gemäldegalerie, Maguncia. Pere y Cimon o Caridad romana, sobre 1623, 127 x 151 cm., Galería de Arte York, York. Una copia se encuentra en el Museo de la Cartuja, Douai. San Sebastián atendido por Irene, sobre 1623, Kunsthalle, Hamburgo. Santa Irene y su siervo curando las heridas de San Sebastián, óleo sobre lienzo, (copia de la anterior), 111 x 150 cm., entre 1600 y 1624, Galería Sotheby's, Londres. El flautista, óleo sobre lienzo, firmado, 71 x 54,5 cm., alrededor de 1624, Nagel Auktionen, Stuttgart. Mucius Scevola ante Porsenna o Aquiles preparándose para vengar la muerte de Patroclo, en ocasiones también conocido como La muerte de Urías en la batalla, óleo sobre lienzo, 204 x 287 cm., 1624, Galería de Pinturas de los Maestros Clásicos, Cassel. Hombre con una flauta en sus manos, dibujo, atribuido a Dirck van Baburen, 23,3 x 20,1 cm., Galería Uffizi, Florencia. El entierro, óleo sobre lienzo, 220 x 149 cm., Museos Reales de Bellas Artes de Bélgica, Bruselas. Retrato de un cantante, Museo de Bellas Artes de Nantes. Soldados jugando al trictrac, 101 x 124 cm., Museo Spaans Gouvernement, Maastricht. Una ofrenda a la diosa romana Ceres, óleo sobre lienzo, atribuido a Dirck van Baburen y Baltasar van der Ast, 137 x 197 cm., entre 1621 y 1623, Galaría Christie's, Nueva York. Un filósofo, óleo sobre lienzo, atribuido a Dirk van Baburen, 127 x 95,5 cm., Museo de Bellas Artes de Rouen. Viejo escribiendo taller de Dirck van Baburen, óleo sobre lienzo, 83,8 x 67 cm., alrededor de 1622/1623, Galería Sotheby's, Nueva York.

Baby-face

Los Baby faces (cara de niño) son uno de los elementos característicos del arte olmeca. Son pequeñas esculturas de cerámica, generalmente de 25 a 35 cm, brillantes, de color blanco o con engobe de color crema, con cara de niño y la cabeza grande, deforme, con una forma denominada peripoidal por su parecido (lejano) con una pera. También tienen los ojos almendrados, muy estrechos, las extremidades cortas y gruesas, y todas son diferentes. Los personajes están desnudos y recuerdan a bebés sentados o gateando.

Una conocida escultura olmeca llamada Señor de Las Limas ha sido erróneamente llamada baby face, aunque se trata de un hombre sentado con un niño jaguar en los brazos. Una creencia dice que los Baby faces son niños nacidos de la unión de una mujer con un jaguar.

El baby-face, o “cara de niño”, es la segunda imagen básica del arte olmeca. Igual de antiguo que el zoomorfo reptil; el baby-face, desde el punto de vista del escultor, es más difícil de lograr porque la tradición requiere que lo hagamos de un modelo vivo, pues estos individuos son sagrados en nuestra religión y es importante captar realísticamente todas sus peculiaridades congénitas: grandes cabezas, ojos almendrados, mandíbulas, largo torso y extremidades cortas y gruesas. Aunque todos se parezcan entre sí, muestran sutiles diferencias físicas. De tamaño portátil, tallamos sus rostros en forma de máscaras, además de individuos de pie o sentados de cuerpo entero. Los que están de pie generalmente sólo portan taparrabos y se caracterizan, además de por sus facciones únicas, por su forma de tener las rodillas parcialmente flexionadas. Los sentados se hallan, por lo común, ricamente ataviados con sus vestimentas rituales. Como monumentos, los baby-face se tallan en forma de cabezas colosales e individuos sentados ritualmente ataviados.

Baby faces se han encontrado en sitios olmecas de un amplio territorio, desde el centro de México hasta el sudeste de Veracruz.

Baca-Flor Falcón, Carlos, pintor peruano (Islay, Arequipa, 1867 – París, 1941).

Pasó su infancia en Chile, donde hizo en sus primeros estudios. En Chile falleció su padre. Ingresó a la Academia de Bellas Artes de Santiago (1882)

Ganó el Premio “Roma”, que no aceptó por no nacionalizarse chileno. Al saber de esto el presidente Andrés A. Cáceres el gobierno peruano acordó darle una beca para que estudie en Europa.

        Llegó a Lima en 1887 donde permaneció dos años. El 6 de febrero de 1890 partió a Europa, nunca más regresó al Perú.

        En París perfecciona su pintura, conoce a otros pintores notables. Recibió el encargo de J. P. Morgan, el magnate norteamericano para pintar su retrato. Este trabajo lo hace conocido como el “pintor de los millonarios”.

        En París ganó el Primer Premio en el Salón Anual de Artistas Franceses en 1907.

        Falleció en Neuilly-sur-Seine el 20 de febrero de 1941. Su obras fueron compradas por el gobierno peruano y sirvieron para formar el Museo de Arte de Lima. La escuela superior de arte de Arequipa lleva su nombre. (Juan José Pacheco Ibarra)

Baccarat

        La Société Baccarat es una empresa que elabora artículos de cristal de gran calidad. Está localizada en Baccarat, Francia. En el Museo Baccarat en la Place des États-Unis en París se muestran algunos de sus diseños históricos y más finos. La compañía es reconocida actualmente como una de las más importantes en la industria del diseño en cristal por su calidad y textura.

        En 1764 el rey Luis XV de Francia concedió al cardenal Louis-Joseph de Laval-Montmorency (1761-1802) permiso para fundar un taller de vidrio en el pueblo de Baccarat, en la provincia de Lorena, al este de Francia. Los primeros productos consistieron principalmente en vidrios para ventanas, espejos y copas, hasta 1816, cuando el primer horno para cristal fue instalado. En esta época, la compañía empleaba a más de tres mil personas.

        Baccarat recibió su primer encargo real en 1823. Este evento fue el primero de una larga lista de encargos para la realeza y jefes de estado de todo el mundo. En 1855, Baccarat recibió su primera medalla de oro en la Exposición Universal de París

        Hacia 1860, la compañía comenzó a firmar sus productos con una marca registrada. La marca estaba grabada en la base del artículo. En el periodo comprendido entre 1846 y 1849 Baccarat marcó algunos de sus artículos de cristal más finos con la letra B y el año en que la pieza fue creada. Un pisapapeles fechado en 1853 fue encontrado bajo la piedra fundacional de una iglesia de Baccarat dañada por una bomba en la Segunda Guerra Mundial.

        La producción de cristal se expandió en este periodo, y la compañía consiguió reputación mundial por su cristalería de gran calidad, candelabros y frascos de perfume, entre otros.

        La era Imperial terminó en 1867, con la derrota de Napoleón III, esto implicó que tendencias externas a Francia comenzaron a tener fuerte influencia en los trabajos de Baccarat, particularmente aquellas procedentes de Japón. En este periodo se nota un fuerte crecimiento de la empresa en el continente asiático.

        Durante este periodo, una de las áreas de mayor producción para la empresa eran los frascos de perfume, y en 1907 la producción era de unos cuatro mil frascos diarios.

        En 1936, la compañía comenzó a grabar sus trabajos con ácido y con la técnica del granallado.

        Baccarat fundó una subsidiaria en Estados Unidos en 1948. Y para el año 2007 existían tiendas de la compañía en una decena de ciudades estadounidenses.

        En el año 1964 el Museo Louvre realizó una retrospectiva de los trabajos de la firma, para celebrar el aniversario 200 del inicio de los trabajos en cristal.

        De 1966 a 1996 el escultor Robert Rigot fue consejero artístico de la empresa.

        En 1993 Baccarat comenzó a diseñar joyería y en 1997 la compañía expandió sus operaciones hacia la industria del perfume.

Bacchi, Cesare, pintor italiano (1881-1971)

Fue un pintor realista que trabajó sobre diversos temas pero que se caracterizó por sus retratos y sus sutiles desnudos.

Bacciarelli, Marcelino, pintor italiano (Roma, 1731 – Varsovia, 1818)

Estudió en Roma con Marco Benefial. En 1750 fue llamado a Dresde, Sajonia, donde fue contratado por el Elector de Sajonia y rey de Polonia, Federico Augusto; tras la muerte de éste, marchó a Viena y luego a Varsovia. Allí conoció y trabajó junto al pintor italiano en Dresde, Viena y Varsovia, Bernardo Bellotto. Durante los primeros años de Bacciarelli en Varsovia, el joven Alexander Kucharsky comenzó a formarse como pintor en su taller. Otro alumno destacado de Bacciarelli fue Kazimierz Wojniakowski. Dirigió la nueva institución de la Academia de Artes de Varsovia. Pintó un conjunto de reyes polacos, desde Boleslao I el Bravo en adelante. El retrato de Estanislao II (Stanisław August Poniatowski) fue grabado por A. de Marcenay de Ghuy, Küstner y A. Fogg. Bacciarelli pintó escenas de la Historia de Polonia. Se encuentra enterrado en la catedral de San Juan de Varsovia, ciudad en la que falleció.

Una serie de pinturas suyas se realizaron para el rey Estanislao II y se encuentran en el Castillo Real en Varsovia. Entre ellas se encuentran: Fuerza, Razón, Fe y Justicia, en la Vieja Cámara de Audiencias. El florecimiento de las artes, las ciencias, la agricultura y el comercio en el techo de la Vieja Cámara de Audiencias. Rebeca y Eliacer en el Dormitorio del Rey. Ester y Asuero en el Dormitorio del Rey.

Baccio da Montelupo, escultor y arquitecto italiano (Montelupo florentino, 1469 – 1533)

Nacido Bartolomeo di Giovanni d'Astore dei Sinibaldi, fue un escultor italiano del renacimiento. Fue padre de otro gran escultor, Raffaello da Montelupo. Tanto el padre como el hijo fueron biografiados por Vasari en su famoso libro Le vite de' più eccellenti pittori, scultori e architettori (Las vidas de los más excelentes pintores, escultores y arquitectos).

Nació en el seno de una modesta familia de Montelupo Fiorentino. A los dieciocho años se trasladó a Florencia, donde se dedicó al estudio de la escultura, asistiendo a la scuola de Bertoldo di Giovanni, fundada en los jardines de Lorenzo de Médici, y que era frecuentada por otros jóvenes escultores, como Miguel Ángel, Giovanni Francesco Rustici y Jacopo Sansovino.

Recibió su primer encargo importante de los frailes de la Basílica de San Domenico de Bolonia: un «Compianto» (escena de la Lamentación de Cristo muerto), consistente en una serie de estatuas de terracota (c. 1495). Después volvió a Florencia, donde hizo varios crucifijos de madera: en la Basílica de San Lorenzo y en San Marco, ambas en Florencia, la Abadía de las SS. Flora y Lucilla, en las cercanías de Arezzo, en la iglesia de San Martín, en la localidad de Lastra a Signa, cerca de Florencia.

En Bolonia hizo doce bustos de los Apóstoles en terracota (hoy día en la Catedral de Ferrara).

En 1506 le fueron encargadas varias estatuas para la Abadía benedictina de San Godenzo, de las cuales sólo ha sobrevivido la de San Sebastián.

  El momento culminante de su carrera llegó tras el concurso convocado en 1514 por el gremio de comerciantes de la seda de Florencia, para una estatua de bronce destinada a ocupar uno de los nichos libres de la fachada de Orsanmichele. Vasari comentó:

Se dice que cuando había hecho la figura en arcilla, todos los que vieron los detalles de la armadura y las figuras que la adornaban quedaron maravillados de su belleza. Quienes vieron como la fundió comentaron que Baccio había hecho esta operación con mucha maestría. Todo el trabajo que invirtió le dio fama, no sólo bueno, sino de excelente en su oficio, y hoy más que nunca esta figura se considera una obra muy bella.

Este bronce de Baccio, que representa a San Juan Evangelista está colocado en el exterior de Orsanmichele, junto a las obras de los maestros italianos del s. precedente: Donatello, Lorenzo Ghiberti y Nanni di Banco.

En 1515 hizo un edículo de mármol rodeando un fresco de la Virgen en la iglesia de Sant'Agostino en Colle di Val d'Elsa. Hacia el final de la década, trabajó principalmente en el área de Lucca, haciendo una Piedad para la iglesia de Segromigno (1518). Después hizo monumentos funerarios, incluyendo la tumba del obispo Silvestro Gigli (San Michele al Foro, con su hijo Raffaello da Montelupo; Monumento di San Silao (ahora en el Museo di Villa Guinigi, Lucca) y el Monumento a Giano Grillo (Santa María dei Servi, Bolonia).

Bachelier, Anne, pintora francesa (Louvigné du Désert, 1949 – )

Es una pintora de estilo figurativo, imaginativo, metafísico. Sus creaciones, de muy rico color, están llenas de fantasías y de sentimientos. Las imágenes producidas por Bachelier tienen potencia, alta calidad, y la capacidad de transportar a universos paralelos.

En un mundo donde los cubos de la violencia se cristalizan como espadas lanzadas a velocidad luz, los cuarzos azucarados de la sensibilidad onírica son factibles desde el corazón de un artista. El mundo es duro, una realidad asfixiante, pero siempre hay quien hace posible la belleza y sus múltiples trascendencias.

Estudió el oficio de artista en l`Ecole des Beaux Arts, La Seyne-Sur-Mer. Luego aprendió en un taller de grabado (Valencia, 1974-1975). Su trayectoria expositora es enorme, ha expuesto en numerosas exposiciones internacionales en las que sus pinturas han sido definidas como el arte de la encantadora Scheherazade.

Bachelier es una tejedora de sueños, un hacedora de universos, sólo posibles en la masa esférica de la mente. Es una artista que plasma lo racional con lo sublime, el poema cromático con la técnica del perfeccionismo técnico, pura simbiosis entre las inteligencias plásticas que conforman el hacer humano. 

Cuando ves las obras de Anne Bachelier, la cabeza zigzaguea como uno de esos juguetes antiguos que, tras darles cuerda, no paran de agitarse porque tienen vida propia, una dinámica Big Bang que se expande como un universo infinito de formas estilizadas y ambientaciones de ensueño; son imágenes de pura fantasía, quasars elevados al cubo, con exquisita maestría de pincel y croma hasta llegar a un perfeccionismo sin límites. Se trata de verdaderas obras de arte, de enciclopedias iconográficas comparables a los más grandes maestros del trazo, como Goya, Moreau, Magritte, por citar algunos. La magia que brota de su pincel gesta una plástica intocada por el tiempo que recuerda a las porcelanas humanas de Limoges con cierto flou veneciano.

Los seres de Bachelier se forman en base a una sutil arquitectura morfológica de extrema delgadez, con largas extremidades en punta y dermis blanquecina, cabelleras rojizas que ondulan sobre rostros encerados, desdibujados, enmascarados, de apariencia frágil y rompible; son imágenes en cuyo seno sobrevuelan pajarracos que picotean de un lugar a otro, depositando semillas que renacen en el interior de las cabezas como un génesis de ideas que fluyen en el devenir de los tiempos y se transforman en etéreas crisálidas; son retenciones alejadas del mundo real en cuyos espacios gravitan esferas, óvalos en suspenso, parejos a pequeños receptáculos donde se encierran sentimientos prohibidos. 

En las pinturas de Bachelier, abundan los elementos deformes, transformables, que parecen desvanecerse en las nieblas de la tierra oscura; sus bellas damas, que seducen con su tierna y fría palidez y sus ropajes ingrávidos, acompañan los cortejos hacia destinos inalcanzables. Todo parece quieto, pero todo se mueve lentamente como una nube de polvo en la cabeza. Es una evolución in crescendo, un macro cuento de refinada sensibilidad y pose que narra las distintas historias de un cosmos imaginario, de absoluta delicadeza onírica, un mundo enmascarado como un gigantesco carnaval que nunca termina y en cuya metamorfosis se desnuda en cuerpo y alma. Son escenas etéreas, pasajes provenientes de lugares extraños, que llegan hasta nosotros como poemas entelados por la dinámica de los vientos y las tormentas.

Bachelier, Jean-Jacques, pintor francés (1724 – 1805)

Fundó en 1763 una escuela gratuita de dibujo para los trabajadores, en la que empleó 60.000 francos, y fue director de la fábrica de Sèvres. Se le debe el descubrimiento de una especie de encáustico para las estatuas de mármol; existen en el Louvre varios cuadros suyos que representan La caza del oso y La caza del león.

Admitido en el Real academia de pintura y escultura de en 1752, fundó una escuela de arte utilizando sus propios medios en París en 1765 para los artesanos en el histórico autun collège d'(Rue de l'école de médecine), que sobrevivió hasta el s. XIX.

Bacher, Otto Henry, pintor estadounidense (Cleveland, 1856 – Bronxville, NY, 1909).

Fue un artista americano, conocido principalmente por sus grabados e ilustraciones. También pintó óleos en una variedad de géneros.

Nació en una familia de ascendencia alemana. Después de asistir a las escuelas públicas, fue a trabajar como pintor decorativo en mansiones y en barcos. En 1874, pudo comenzar sus estudios formales de arte con De Scott Evans, que se especializó en naturalezas muertas. Poco después, se convirtió en uno de los primeros miembros del "Club de Arte", fundado por Archibald Willard. También pasó un breve período en la Academia de Bellas Artes de Pennsylvania.

A su regreso, conoció a un pintor recién llegado a Ohio desde Massachusetts, Willis Seaver Adams, y se hicieron socios. Cuando Adams ayudó a crear la Academia de Bellas Artes de Cleveland, hizo que Bacher fuera nombrado miembro del consejo de administración. Por esta época, también comenzó a estudiar grabado con Sion Wenban (1848-1897), un artista de Cincinnati.

En 1878, acompañó a Adams a Europa para estudiar en la Academia de Bellas Artes de Munich y, más tarde, con una introducción de Wenban, estudió con el artista nacido en Cincinnati Frank Duveneck, a quien acompañaría a Florencia y Venecia, donde establecieron un estudio. Una vez instalados, llevó su equipo de grabado y se convirtió en el maestro de Duveneck. Produjeron algunos de los primeros ejemplos de monotipos modernos.

Mientras estaba allí, se hizo amigo de James McNeill Whistler y compartieron técnicas de grabado. Continuaron visitándose mutuamente hasta la muerte de Whistler. En 1908 publicó sus memorias, Whistler en Venecia, originalmente una serie en The Century Magazine. Bacher era muy respetado por sus grabados, muchos de ellos representando escenas de sus primeros años en Cleveland. Expuso por toda Europa Occidental y, en 1881, fue elegido miembro de la Real Sociedad de Grabadores-Pintores.

Regresó a casa en 1883 y abrió un estudio. Poco después, se unió a Joseph DeCamp para dar una clase de verano de dibujo en Richfield, Ohio. También comenzó a pintar más óleos, pero no tuvo éxito en la venta de ellos u otros artículos de su período anterior. Como resultado, una vez más se fue a Europa, esta vez a París, donde tomó algunas clases en la Académie Julian. Estuvo allí por poco tiempo antes de continuar a Venecia, donde compartió apartamento y estudio con Robert Frederick Blum y Charles Ulrich.

En 1888, Bacher estaba de vuelta en los Estados Unidos y se había establecido en la ciudad de Nueva York después de casarse con una ex-estudiante de arte de Cleveland, Mary Holland. Tuvieron cuatro hijos.

Era un ilustrador muy solicitado, tanto para libros y revistas, como para Scribner y McClure. En 1901, se convirtió en uno de los miembros fundadores de la Sociedad de Ilustradores. Ganó una medalla de plata por sus grabados en la Exposición de St. Louis de 1904 y fue elegido asociado de la Academia Nacional de Diseño en 1906.

Pasó los últimos años de su vida en Bronxville y murió allí en 1909, de una enfermedad no revelada.

Baciccia o Baciccio (Giovanni Battista Gaulli, llamado il), pintor italiano (Génova 1639 – Roma 1709)

Gaulli nació en Génova, donde sus padres murieron durante la plaga de 1657. Inicialmente fue aprendiz con Luciano Borzoni. A mediados del siglo XVII, la Génova de Gaulli era un centro cultural italiano cosmopolita abierto tanto a empresas comerciales como artísticas de los países del Norte de Europa, incluyendo países con poblaciones no católicas tales como Inglaterra o las provincias holandesas. Pintores como Pedro Pablo Rubens y Anton van Dyck permanecieron en Génova durante algunos años. Las primeras influencias de Gaulli habrían venido de una mezcla ecléctica de estos pintores extranjeros y otros artistas locales incluyendo a Valerio Castello, Giovanni Benedetto Castiglione, y Bernardo Strozzi, cuya cálida paleta adoptó Gaulli. En los años sesenta del siglo XVII, experimentó con una paleta más fría y lineal, en la línea del clasicismo boloñés.

Pronto, sin embargo, se trasladó a Roma. En 1662, fue aceptado en la academia de pintores de San Lucas, donde más tarde desempeñaría varios cargos. Al año siguiente, recibió su primer encargo público para un retablo, en la iglesia de San Rocco, Roma. Recibió muchos encargos privados para obras mitológicas y religiosas.

Desde 1669, sin embargo, después de una visita a Parma, donde pudo ver el fresco de Correggio para la catedral de Parma, la pintura de Gaulli adquirió un aspecto más pictórico, menos lineal, y la composición, organizada di sotto in su («desde abajo mirando hacia arriba»), influiría su posterior obra maestra. En el momento álgido de su carrera, Gaulli fue uno de los retratistas más estimados de Roma. No se le conoce bien por otros medios distintos de la pintura, pero han sobrevivido muchos dibujos suyos en diferentes medios. Todos son estudios de pinturas.

Gaulli murió en Roma, poco después del 26 de marzo de 1709, probablemente el 2 de abril.

En la primera mitad del siglo XVII, se había ejecutado la extensa decoración interior de dos de las iglesias «madre» (San Andrés della Valle y la Chiesa Nuova), de dos principales órdenes de la contrarreforma, los Teatinos y los Oratonianos. No había ocurrido lo mismo con las dos grandes iglesias jesuitas en Roma, que, aun siendo ricas en mármol y piedra, permanecían artísticamente vírgenes a mediados del siglo XVII. Este vacío habría resultado particularmente evidente en la iglesia del Gesù por el techo de escayola de la nave. Los fondos y la inercia paralizaron su decoración.

En 1661, la elección de un nuevo general de la orden jesuita, Gian Paolo Oliva, hizo que avanzase la decoración. Un recién admitido en la orden, el francés Jacques Courtois (escrito también como Giacomo Borgognone) se había convertido en un pintor respetado y fue el candidato principal a la decoración. Oliva y el líder de la principal familia mecenas, el duque de Parma, Ranuccio II Farnesio cuyo tío Alejandro Farnesio había dotado la construcción de la nueva iglesia, comenzó a negociar si Borgognone debía decorar o no la cúpula. Oliva quería que el encargo fuera a parar a su compañero jesuita, pero se sugirieron otros nombres prominentes, como Maratta, Ferri, y Giacinto Brandi. Al final, gracias al persuasivo apoyo de Bernini y muy posiblemente su fuerte guía después, Oliva obtuvo el prestigioso encargo para un Gaulli de sólo 22 años. Esta elección podría haber sido hasta cierto punto controvertida, puesto que las figuras desnudas de Gaulli que recientemente había pintado al fresco en las pechinas de Sant'Agnese in Agone habían ofendido a algunos, y, como había ocurrido con los frescos del altar de la Capilla Sixtina, obra de Miguel Ángel, habían requerido que se pintara encima para ponerles ropa.1​

Gaulli decoró toda la cúpula, incluyendo la linterna y las pechinas, la bóveda central, las ventanas y los techos del transepto. El contrato original estipuló que la cúpula se hiciera en dos años, y el resto al cabo de diez años. Si lograba la aprobación, le pagarían 14 000 scudi más los gastos. El fresco de la bóveda principal de Gaulli fue desvelado en la Nochebuena de 1679. Después de esto, siguió pintando al fresco las bóvedas de la tribuna y otras zonas de la iglesia hasta 1685.2​

El programa de Gaulli para la nave se cree que estuvo muy supervisado por Oliva y Bernini; aunque no está claro cuánto contribuyeron ellos tres y si todos compartían la misma filosofía. Durante esta época, Bernini supuestamente propugnó algunas enseñanzas quietistas del sacerdote español Miguel de Molinos, quien más tarde fue condenado como hereje y en no pequeña medida gracias a los esfuerzos jesuitas. Molinos proponía que Dios era accesible internamente a través de la experiencia individual, mientras que los jesuitas veían a la iglesia y el clero como un intermediario esencial para acceder a la salvación de Cristo. Por tanto Oliva habría pedido a Gaulli probablemente que conmemorara a los jesuitas frecuentemente martirizados como la fuerza de choque en sociedades heréticas y paganas, llevando el encargo de la Contrarreforma papal. Al final, justo al tiempo que Bernini aprobó la mezcla de fresco y yeso en esta nueva concepción plástica, Gaulli mezcla estas ideas de una manera que al final eran aceptables para su patrón.

La obra maestra de la nave de Gaulli, la Veneración del Sagrado nombre de Jesús (también conocida como Veneración, Adoración, o Triunfo del Santo Nombre de Jesús), es una alegoría de la obra de los jesuitas que envuelve a los devotos (o a los espectadores) que están abajo en un remolino de devoción. Figuras que se arremolinan en el oscuro borde (de la entrada) distal de la base del marco de la composición el cielo abierto, siempre ascendiendo hacia una visión celestial de infinita profundidad.3​ La luz del nombre de Jesús - IHS - y el símbolo de la orden jesuita es recogida por patronos y santos sobre las nubes; mientras que en la oscuridad inferior, el brillo dispersa a los herejes, como golpeados por la onda expansiva del Juicio Final.4​ El gran efecto teatral aquí inspirado y desarrollado bajo su mentor, suscitó críticas que etiquetaron a Gaulli como un «Bernini de la pintura» o un «portavoz de las ideas de Bernini».

Los frescos de Gaulli eran una hazaña de la pintura ilusionista, representando el techo de la iglesia abierto sobre el espectador (y el panorama es visto con verdadera perspectiva di sotto in su, similar a la Asunción de la Virgen de Correggio en el techo de la catedral de Parma o a la gran alegoría que pintó Cortona en el palacio Barberini. El techo de Gaulli es una obra maestra de la quadratura (ilusionismo arquitectónico) que combina figuras y arquitectura en estuco con otras pintadas. El alumno de Bernini, Antonio Raggi proporcionó las figuras de estuco, y desde el suelo de la nave, es difícil distinguir los ángeles pintados de los realizados con estuco. La composición de figuras desbordan los bordes del marco lo que sólo aumenta la ilusión de los fieles alzándose milagrosamente hacia la luz que queda por encima.

Una serie de techos semejantes fueron pintados en las naves de iglesias romanas durante las últimas tres décadas del siglo XVII, incluyendo la colosal alegoría de Andrea Pozzo en la otra iglesia jesuita de roma, San Ignacio, así como la obra de Domenico Maria Canuti y Enrico Haffner Apoteosis en Santissimi Domenico e Sisto. En el siglo XVIII, Tiepolo y otros continuaron la quadratura en el estilo rococó. Pero conforme el movimiento del alto barroco evolucionó hacia el más juguetón rococó, la popularidad de este estilo disminuyó. en sus últimas obras, Gaulli también tomó esa dirección. Así, en contraste con la grandeza de su composición en Il Gesù, vemos a Gaulli adoptando gradualmente colores menos intensos, y composiciones más delicadas después de 1685 —todas con el sello distintivo del Rococó—.

Gaulli acumuló un gran número de alumnos. Es descrito como «de rápido encolerizarse; pero también rápidamente se recobraba, cuando la razón quedaba satisfecha... generoso, de mente liberal y caritativo, especialmente con los pobres».

Backer, Adriaen, pintor holandés (Amsterdan hacia 1635-1684)

Fue un pintor barroco francés especializado en retratos. Sobrino y quizá discípulo de Jacob Adriaensz. Backer (1608-1651), consta un viaje a Italia donde se le documenta en 1666. Un año más tarde se encontraba de regreso en Ámsterdam, donde contrajo matrimonio con Elsje Colyn el 27 de agosto de 1669, cuando dijo tener 33 años. En 1675 recibió como discípulo al pintor polaco Christoffel Lubieniecki (1659-1729). Fue enterrado el 23 de mayo de 1684 en su ciudad natal.

Pintor de retratos y de retratos de grupo al gusto holandés (Regentes del hospicio de Ámsterdam, Berlín, Gemäldegalerie; Retrato de grupo de los inspectores del Collegium Medicum en Ámsterdam, Ámsterdam, Rijksmuseum;​ Lección de anatomía del profesor Frederik Ruysch, Amsterdam Museum3), cultivó también el retrato alegórico y la pintura religiosa, destacando en este género el Juicio Final pintado para la sala del consejo del Ayuntamiento de Ámsterdam (actualmente Palacio Real) o la Erección de la Cruz del Museo Amstelkring.

Backer, Harriet, pintora noruega (Holmestrand, 1845 - Oslo, 1932)

Es una pintora impresionista, caracterizada por sus pinturas de interiores y por los paisajes en los que emplea colores claros y animados. Ha sido integrante del Grupo Lysaker, que se propone practicar un arte de carácter nacional.

Alcalzó renombre por sus pinturas de interiores y paisajes de colores vivos y animada claridad. Es una de las pintoras más reconocidas de Noruega y fue una de las mujeres pioneras en el arte en toda Europa.

Nació en la localidad de Holmestrand, pero a los 12 años se mudó con su familia a Cristianía (hoy Oslo). Ahí, ingresó a la Escuela de Pintura Johan Fredrik Eckersberg, donde estudiaría con Knud Bergslien como maestro.

Salió de Noruega para estudiar en Múnich; ahí cultivó una amistad con su compatriota Eilif Peterssen, quien le realizó un retrato. Realizó varios viajes por Europa en compañía de su hermana la pianista Agathe Backer-Grøndahl. Vivió en París durante 10 años junto a su amiga Kitty Kielland; en esa ciudad recibió la influencia del impresionismo, si bien su obra ha sido catalogada generalmente como realista. En la capital francesa tuvo como maestros a destacados artistas, como Léon Bonnat y Jean-Léon Gérôme. De regreso a Noruega se integró al Círculo de Lysaker, un grupo artístico-político de corte nacionalista que fomentaba la cultura tradicional y la independencia de Noruega.

Ganó una medalla de plata en la Exposición Universal de 1889, en 1908 recibió la Medalla al Mérito del Rey.

Algunas de sus pinturas más reconocidas son Soledad (1878-1880), Interior azul (1883), A la luz de la lámpara (1890) y Bautismo en la iglesia de Tanum (1892). Sus obras se hallan en varios de los museos noruegos más importantes, como la Nasjonalgalleriet de Oslo y el Museo de Arte de Bergen. Otras más son propiedad del municipio de Bærum.

Backer, Henk, dibujante de comics holandés (Rotterdam, 1898 – Eemnes, 1976)

Hendrik Herman “Henk” Baker recibe su formación artística en la Academie voor Beelbende Kunsten (ABK), cuya sede se encuentra en Rotterdam. Empieza a trabajar como ilustrador en 1922, a sueldo del diario Rotterdamsch Nieuwsblad. Por estas fechas elabora una historia ilustrada que titula Nieuwe Oosterche Sprookjes y que los especialistas consideran el primer cómic holandés. Backer ha de competir duramente con las historietas procedentes de Estados Unidos e Inglaterra para imponer un tipo de tebeo autóctono.

Hacia 1922, Voorwaarts, el periódico oficial del Partido Social-Demócrata, le encarga la serie Hansje Teddybeer en Mimi Poezekat, cuyo guión lo escribe Jet Van Strien. Tebeos como Adolphus (1930) irán consolidando su estilo narrativo, lleno de ingenuidad y encanto. Pionero del cómic en Holanda, Backer es casi desconocido fuera de las fronteras de este país, a pesar de su importancia en el desarrollo de la historieta europea.

Obras suyas son: 1922: Nieuwe Oosterche Sproojkes; Hansje Teddybeer en Mimi Poezekat. 1923: Tripje en Liezebertha. 1930: Adolphus.

Backer, Jacob Adriaensz, pintor holandés (Harlingen 1608 - Amsterdam, 1651)

Discípulo de Lambert Jacobsz en Leeuwarden, en 1633 se trasladó a Ámsterdam, donde entró en el taller de Rembrandt.1​ Realizó cuadros de tema histórico y escenas de caza, aunque fue más conocido por sus retratos, entre los que destaca Joven de gris (1634, Mauritshuis, La Haya).2​ Su estilo era bantante parecido al de Rembrandt, hecho que en ocasiones ha originado problemas de atribución en algunas obras.3​

En sus cuadros religiosos y mitológicos mostró un estilo más original, en el que se denota la influencia de Rubens y la escuela de Utrecht. Realizó dibujos de desnudos, que anuncian la obra de François Boucher. Backer influyó en la obra de varios artistas, como Jacob van Loo y Abraham van den Tempel.1​

Su sobrino Adriaen Backer fue también pintor. No debe confundirse con Jacob de Backer, pintor flamenco del siglo xvi.

Backer, Santiago, o "Santiago de Palermo". Pintor holandés (1630-1660)

Se le llamaba Santiago de Palermo, porque pasó su breve vida pintando para un mercader de Palermo, que explotó su talento y aceleró su muerte por el exceso de trabajo.

Bacle, César Hipólito, litógrafo y naturalista francés (Ginebra 1797– Buenos Aires, 1838)

En su juventud adquirió conocimientos de dibujo, topografía, cartografía y ciencias naturales. Realizó viajes por el interior de África en 1817 y 1818. Probablemente llegó al Río de la Plata hacia el 1828, fecha en que anunció por los periódicos la iniciación de su establecimiento litográfico.Salieron de sus prensas la Vista de la ciudad de Salta dibujada por José Arenales y los retratos de Belgrano y de Dorrego. Editó los cuadernos de los Principios del Dibujo, primeros materiales didácticos conocidos en Argentina. Preparó el Proyecto de los Fastos de la República Argentina, iconografía sobre personalidades ilustres. En el orden docente abrió con su esposa en 1831, el Colegio de Señoritas que antes dirigió Madame Curel, bajo el nombre de Ateneo Argentino al que concurrieron las hijas de las mejores familias de Buenos Aires. En 1832 se radicó por un año en la isla de Santa Catalina por problemas políticos con Rosas. Regresó en Buenos Aires en 1833, retomó la dirección de la Litografía del Estado, y comenzó nuevamente la publicación de la colección de Trajes y Costumbres, en 1833, cuya última entrega salió en 1835. Bacle editó el Diario de Anuncios y publicaciones oficiales de Buenos Aires, con varias litografías, primer periódico ilustrado en la Argentina. El fracaso material de sus trabajos lo decidió a alejarse de Argentina y ofreció sus servicios a los gobiernos de Bolivia y Chile. Situación que molestó mucho a Rosas, y se agregó a la denuncia que se hizo de su vinculación política con Rivadavia, por lo que el 4 de marzo de 1837 fue detenido y llevado al Cuartel del Retiro.    Intervino el cónsul de Francia en su defensa, pero Rosas, con particular encono mantuvo preso a Bacle por seis meses, y su salud precaria empeoró día a día. A fin de 1837, después de repetidas instancias, y cuando el preso casi había perdido la razón se lo dejó en libertad sin explicación alguna. Con la salud destrozada, falleció a los pocos días. Su esposa e hijos, en la miseria, se embarcaron para Europa el 2 de marzo de ese año. Su prisión y muerte fueron una de las causas aducidas para justificar la intervención francesa. 

        El mayor de sus dos hijos, Etienne Auguste Isaac Charles Bacle, nacido en Ginebra el 21 de febrero de 1817, murió el 16 de diciembre de 1873 en Constantinopla donde se desempeñaba como asesor del Sultán.

Bacler de Alba, Luis Alberto, pintor e ingeniero geógrafo francés (1762 – 1824)

Agregado al Estado Mayor de Napoleón, hizo la primera campaña de Italia, y continuó siempre al lado de Napoleón, que le nombró director de su gabinete topográfico, y le adelantó en su carrera, hasta hacerle general. En 1815 se retiró a Sèvres, y pasó el resto de su vida entre el lápiz y los pinceles. Sus obras más notables son: Carta militar de Italia; Batalla de Arcole; Batalla de Austerlitz.