Aldegrever, Heinrich, grabador, pintor y orfebre alemán (Paderborn, 1502-Soest, 1558)
Discípulo de Durero, se especializó en grabados de pequeño formato, con motivos ornamentales, temas religiosos y retratos.
Pintor, grabador y orfebre activo en un entorno Westfalia. Nacido en Paderborn. Su verdadero nombre era Trippenmecker, que significa en el dialecto de Westfalia un almadreñero fabricante. No se sabe dónde se enseña Aldegrever. Probablemente trabajó en un taller de uno de los orfebres Soest. Sus primeras obras muestran una ?fuerte influencia de Westfalia. Aldegrever hizo un viaje a los Países Bajos, donde se convirtió en familiarizarse con las obras de Joos van Cleve, Barendt van Orley, Lucas van Leyden y Jacob Cornelisz.
Alrededor de 1525 se trasladó a Soest, donde un año más tarde pintó las alas de la predela y María altar de la iglesia de San Pedro. Su firma y simbólico obstruir demostrar que se sigue utilizando el nombre de su padre.
Sus primeros grabados apareció en 1527. Que se firmaron con un monograma "AG", que se asemeja de cerca de Albrecht Durero. En 1531, en torno a la influencia de fervor religioso, se convirtió en un Luterana. Debido a la falta de comisiones de la iglesia se dedicó la mayor parte de su tiempo a la pintura y el retrato grabado. Aldegrever de unos 290 grabados y xilografías, principalmente de sus propios diseños, son delicados y los minutos, aunque un poco duro en el estilo y el derecho a un lugar en la primera categoría de la llamada "Little máster": Beham Barthel, su hermano Hans Beham Sebald, Pencz y Georg, con quien a menudo se compara. Como ellos, fue también un experto diseñador de adornos. De la estrecha semejanza de su estilo a la de Albrecht Durero que ha sido también a veces llamado el "Albert de Westfalia". Hizo un gran número de impresiones de adorno.
Aldegrever, que apoyó activamente la Reforma, retratos ejecutados de Martín Lutero y Felipe Melanchton. A pesar de que optó por la Iglesia Luterana, había amigos entre los anabaptistas. Fue encargado por el obispo de Münster en 1535-36 a grabar retratos de líderes anabaptista Jan van Leyden y Berndt Knipperdolling, a pesar de que ya en prisión, y de ellos sólo caricaturas distribuido. En el ciclo de poder de la muerte, hecho visible bajo la influencia de Hans Holbein, que critica los vicios de la Iglesia Católica.
Aldegrever también estaba interesado en temas folclóricos. En 1538 y 1551 dos series de grabados que representan el matrimonio se realizaron bailes. Una parte importante de su obra se imprime en los temas mitológicos, las escrituras de Hércules es uno de los mejores ejemplos.
Hay una buena colección de sus impresiones en el British Museum. Las muestras de su pintura son extremadamente raras. Cinco fotos son en el territorio continental de galerías, pero la autenticidad de las obras en las colecciones de Viena y Munich es que se le atribuyen, al menos, dudoso, el único ejemplo indiscutible de ser un retrato de Engelbert Therlaen (1551) en el Museo de Berlín.
Aldeguela, José Martín, arquitecto español (Manzaneda, Teruel, 1719-1802)
Nacido en 1719 en la localidad turolense de Manzaneda, el arquitecto José Martín de Aldehuela viajó a Cuenca en torno al año 1750, y en esta capital permaneció hasta 1778. Si se tiene en cuenta que pereció en Málaga en 1802, queda de manifiesto que la principal etapa de su vida profesional transcurrió entre el Júcar y el Huécar. En un periodo de tiempo tan prolongado, dice Pedro Miguel Ibáñez Martínez que Aldehuela, a la sazón maestro mayor de obras del obispado, «ejecuta numerosas obras transformando la faz arquitectónica de la ciudad». Podemos comprobarlo en San Felipe, San Antón, San Pedro, la iglesia del hospital de Santiago, las portadas de San Pablo y de las Angustias, y asimismo en las labores que realizó en la Catedral. En todos estos trabajos, «se advierte cómo su formación rococó en la escuela valenciana irá disciplinándose, de forma paulatina, en la decoración y el uso de los órdenes, ante el contacto con el estilo de Ventura Rodríguez» («Reflexiones sobre el centro histórico de Cuenca», en Manuel Rodríguez Viqueira, coord., Las ciudades del encuentro, Universidad de Castilla-La Mancha, Universidad Autónoma Metropolitana, México D. F., 1992, p. 109).
Menciona Ibáñez un esclarecedor ensayo de Fernando Chueca Goitia, «José Martín de Aldehuela. Datos para el estudio de un arquitecto del siglo xviii» (Arte Español, tomo XVI, 1944), que permite al curioso recopilar nuevas informaciones. A partir de fuentes como éstas, podemos saber que Aldehuela ganó méritos ante las autoridades conquenses gracias a su labor en la iglesia de San Felipe Neri, fundada el 14 de septiembre de 1738 por Álvaro Carvajal y Lancaster, arcediano de Moya y canónigo de Cuenca, y por su hermano don Isidro, canónigo de Cuenca. No obstante, y pese a lo mucho que pudiera ampliarse esta glosa, lo cierto es que sus edificaciones en la ciudad son el mejor testimonio de este alarife magistral, quien sólo se decidió a cruzar los límites de Cuenca cuando recibió en 1779 un tentador encargo que debía llevar a término en la catedral malagueña.
Aldenbruck, Agustín, arqueólogo y jesuita alemán (s. XVIII)
Se ocupó en interesantes investigaciones sobre el culto, monedas, costumbres y ceremonias de los orbios, pueblo antiguo de la baja Alemania, y publicó un tratado de estas materias.
Aldrich, Henry, teólogo, arquitecto y músico inglés (Westmisnter, 1647 – Oxford, 1710)
Solamente se conocen dos edificios suyos: All Saints, Oxford, y Peckwater Quad, Christ Church, Oxford. El primero deriva de Wren, el segundo de Iñigo Jones y ambos muestran una originalidad considerable. Peckwater Quad es primer ejemplo notable del estilo Palladio. Aldrich también proyectó el edificio de la Biblioteca del Christ Church, pero sus planos fueron modificados por George Clarke (1661-1736) después de su muerte. Se le atribuye el Fellow's Building, Corpus Christi College (1706-12). Compuso muy buenas piezas de música sagrada y escribió un Tratado de lógica, otro de Arquitectura, dos Poemas latinos, y dos Tratados sobre la adoración de Jesucristo en la Eucaristía.
Aldunate Avaria, Manuel, arquitecto chileno (Santiago de Chile, 1822-1904)
Hijo de José Santiago Aldunate Toro; estudió en el Instituto Nacional. Tras su egreso, ingresó a la Escuela Militar. Tras participar en la guerra contra la Confederación Perú-Boliviana regresó a Chile en 1839, donde se dedico a la agricultura. Luego ingresó al curso de arquitectura de la Universidad de Chile, graduándose en 1860. Tras su desempeño, fue becado por el Gobierno para estudiar en Francia, no regresando hasta 1863. En 1860, el gobierno de Manuel Montt lo nombró arquitecto del Ministerio de Industrias y Obras Públicas y la Universidad de Chile le otorgó una cátedra en Escuela de Arquitectura. Elaboró proyectos como el Congreso Nacional, el Parque Cousiño, el Cerro Santa Lucía, la casa consistorial de la municipalidad de Valparaíso, el Mercado Central de Santiago y el edificio de correos. Desde 1872 fue profesor de arquitectura de la Universidad de Chile. En 1882 se retiró como arquitecto fiscal y recibió encargos de edificios privados, como la residencia del magnate de la minería José Tomás Urmeneta (que sería demolida en 1923) o la residencia de Claudio Vicuña conocida como "La Alhambra". Tubo un hijo que se graduo de médico Emilio Aldunate Bascuñán.
Obras suyas son: los Almacenes Fiscales y la Casa Consistorial (Valparaíso): el Edificio del Congreso Nacional (1848) (proyectado originalemnte por François Brunet Des Baines y Lucien Hernault); los planos del Parque Cousiño: el Cerro Santa Lucía (proyecto urbano-paisajístico de Benjamín Vicuña Mackenna) y el Mercado Central de Santiago. En el mundo privado proyectó las casas de los potentados de la minería: José Tomás Urmeneta (Palacio Urmeneta) y el Francisco Ossa Mercado (Palacio La Alhambra, copiado del original ubicado Granada en España).
Aldunate Salas, Carmen Zita, pintora y dibujante chilena (Viña del Mar, 1940)
Es una de las más destacadas representantes del arte de la Nueva Figuración en Chile, junto con sus compatriotas Mario Carreño, Mario Toral o Rodolfo Opazo. Lo más característico de su obra es el tratamiento de la figura humana, especialmente femenina, impregnada de un estilo renacentista que evoca a los maestros flamencos del siglo XV o a las madonnas italianas del Quattrocento.
Llevó a cabo estudios de arte en las facultades de Bellas Artes de la Universidad de Santiago y la Universidad Católica de Chile, posteriormente completados con el desempeño de un puesto de ayudante en el Departamento de Arte de la Universidad de California. Su labor profesional como profesora de dibujo y pintura se ha desarrollado principalmente en la Universidad Católica, pero también en academias y colegios privados. La carrera artística de Aldunate experimentó una sensible evolución desde que presentara sus primeras creaciones a principios de los años sesenta. En esta época, aún en busca de un estilo propio, sus cuadros siguen las tendencias internacionales de la abstracción. Consiguió sendos premios en la Feria de Artes Plásticas y el Concurso Interuniversitario de Santiago (1962) y exponer un año después en la Galería Central de la capital chilena.
Posteriormente se adentró en la figuración sin definirse por un estilo concreto, para paulatinamente perfilar un arte que sorprende por su aparente inexpresividad; en efecto, sus figuras humanas, que se presentan bajo una estética clásica, las poses y ropajes de sus personajes recuerdan al Bajo Medievo o el Renacimiento, parecen no transmitir nada y se sitúan en la escena como meros objetos decorativos que se repiten insistentemente sin apenas trascendencia. Los acartonados rostros, más cercanos a máscaras, delatan sin embargo una particular introspección psicológica que no era nueva en el expresionismo pictórico: la ausencia de vida en el trazo como medio para reflejar un determinado estado de ánimo, generalmente de angustia y dolor. Aún así, en su pintura los aspectos formales, en particular el dibujo y el carácter meramente decorativo del color, predomina sobre cualquier otra consideración y tiende, en cierta forma, a "ahogar" la subjetividad de la obra.
La obra de Carmen Aldunate se ha expuesto preferentemente en Chile y otros países sudamericanos (Colombia, Argentina, Uruguay, etc), así como en Estados Unidos; en este último realizó sendas exposiciones individuales en 1985: galerías Forma de Miami y MOSS de San Francisco. En 1995 la Galeria Tomás Andreu de Santiago de Chile realizó una amplia retrospectiva de su obra. Entre los galardones recibidos, cabe citar los primeros premios de dibujo del Salón Oficial (1974) y de la Bienal de Valparaíso (1975), o el Primer Premio en la Bienal de Cali (Colombia) en 1981.
Carmen Aldunate pertenece a un grupo de artistas orientados hacia la Nueva Figuración, que hace del arte el refugio de lo imprevisible e imaginario.
La pintora trabaja con óleo sobre tela y sobre placas de madera, principalmente, pero también con el dibujo a lápiz y el collage. Con estas técnicas, ha desarrollado un tema que se centra principalmente en la figura femenina; a ésta la representa con amplios ropajes, túnicas y cofias que recuerdan el vestuario medieval, en medio de una atmósfera de carácter psicológico que inunda sus pinturas, aludiendo a trágicos y desolados estados del alma.
Muchas veces, también, su obra se concentra sólo en el rostro femenino, que aparece aislado de cualquier marco referencial, en una especie de acercamiento en primer plano.
La representación femenina se logra mediante un dibujo racionalmente controlado, que junto a un perfecto equilibrio de la pintura, nos recuerdan las obras flamencas del siglo XV, porque lo que hace precisamente Carmen Aldunate, es recuperar los cánones estéticos que en su momento definieron la belleza clásica.
En sus obras, los rostros toman la apariencia de Máscaras y los ropajes de verdaderas corazas, que ocultan al ser que vive bajo la pura apariencia. Con esto, la pintora quiere simbolizar a todo el ser humano que, por esencia, nunca "da la cara" y vive cotidianamente usando diferentes Máscaras. El empleo de una oscura armonía de colores acentúa el carácter conmovedor de estas imágenes.
Entre otros, recibió el año 1962 el Primer Premio de Pintura en la feria de artes plásticas de Santiago; Primer Premio de Dibujo en el Salón Oficial de Santiago el año ´74; al año siguiente, Primer Premio de Dibujo en la Bienal de Valparaíso; en el año´78, Primer Premio en la Bienal de Punta del este, Uruguay y el ´81, Primer Premio Dibujo en la Bienal de Cali, Colombia. Ha expuesto individualmente en la Galería Central de Santiago, en ´63; en Belmonte Art Gallery de Sacramento, E.E.U.U, en ´64 y en la Universidad de California el año´69; en la Galería Lima, de Perú, en 1977; en 1981 se realizó una Exposición titulada "Diez años de pintura de Carmen Aldunate", en el Museo Nacional de Bellas Artes de Santiago. En 1984 expuso en Centro Arte Actual, de Pereira, Colombia. Durante 1997, la muestra "Pecados y Virtudes" se presentó en Valparaíso, Valdivia y Puerto Montt. Varias de sus pinturas han sido adquiridas por el Museo Nacional de Bellas Artes y por el Museo de Arte Contemporáneo. Además, ha ilustrado libros como "El Quijote de la Mancha" y "Alicia en el país de las maravillas".
Aleandri, Ireneo, arquitecto italiano (1795 – 1885)
Este olvidado arquitecto italiano, trabajo como tal para el Pontificado y como ingeniero en la provincia de Spoleto. Tras su llegada a Roma ingresó en la prestigiosa Academia de San Luca, aunque al poco tiempo tuvo que volver a su ciudad natal para hacerse cargo del negocio familiar. Realizó diferentes obras religiosas pero sobre todo destacó por sus teatros. Destacaremos su obra más espectacular: el Teatro de la Ópera de Macerata, llamado "Il Sferisterio" (1820-1829), ya que innovó en la clásica estructura teatral en forma de herradura de la tradicion barroca. Aleandri aplicó una media esfera en su forma creando un espectacular teatro al aire libre con una pantalla de corte neoclásico basado en el orden gigante dórico. Según los expertos, es el teatro con mejor acústica de Italia.
Aleas Vasco de Troya, Leonardo, escultor español (que vivió en Toledo hacia 1538)
Trabajó los escudos de armas del cardenal Tavera y del canónigo de Toledo don Diego Lopez de Ayala el año de 1538, que están colocados en la portada de la capillita del hueco de la torre de aquella santa iglesia. Trabajó tambien en 1539 el adorno de la pared del crucero , que es reverso de la faenada de los leones, con otros hábiles profesores; y en 1541 entalló en madera con Diego de Velasco, Diego y Miguel Copin, Lebin y Juan de Cantala las puertas de bronce de la misma fachada, con baxos relieves, que representan hombres á caballo peleando, y otros caprichos de buen gusto.
Alechinsky, Pierre, pintor belga (Bruselas, 1927)
En 1947 se hizo miembro de la asociación Jeune Peinture Belge y en 1949 se unió al Grupo Cobra que querían volver a poner en actualidad el Expresionismo. En 1951 rompió su vinculación con este grupo y se instaló en París donde estudió técnicas gráficas con S. W. Hayter. En 1955 viajó al Extremo Oriente y produjo la película Calligraphie japanaise. Alechinsky pinta con un estilo vigoroso e incluso violento, muy cercano a un Expresionismo nórdico. En su obra aparecen motivos figurativos con tal fantasía que se aproximan al Surrealismo.
De 1944 a 1948, Alechinsky estudia en la École Nationale Superieure d' Architecture et des Arts Décoratifs de la Cambre en Bruselas, mostrando especial interés por las técnicas de ilustración de libros y tipografía. Durante esta época descubre la obra de Henri Michaux, de Jean Dubuffet et de los surrealistas. Comienza a pintar en 1947 y se relaciona con artistas como Louis van Lint, Jan Cox, y Marc Mendelson.
Conoció por aquella época al poeta Christian Dotremont, uno de los miembros fundadores del grupo CoBrA, uniéndose Alechinsky en 1949, Participa asimismo en la primera exposición internacional del grupo en Amsterdam. Empieza a trabajar en lienzos colaborando con Karel Appel y otros miembros. Tras la disolución del grupo se traslada a París, donde estudia técnicas de grabado, entrando en contacto con varios surrealistas, conociendo a Alberto Giacometti, Bram van Velde, Victor Brauner y al caligrafista japonés Shiryu Morita. Es asimismo en París que presenta su primera exposición en solitario en 1954.
Alechinsky posee un vigoroso estilo, expresivo y próximo a la abstracción, desde mediados de los años sesenta, prefiere trabajar con materiales más inmediatos y fluidos que el óleo, como la tinta o los acrílicos. Frecuentemente su obra incluye notas marginales. Alechinsky ha tenido numerosas exposiciones en Europa así como en América. Su más reciente exposición ha sido una retrospectiva organizada por el Musées royaux des Beaux-Arts de Bélgica, en 2007.
Pierre Alechinsky maduró como pintor hasta después de CoBrA, como él mismo constata. Se conocen escasas obras suyas de ese periodo; la pintura "Le cœur renversé" (El corazón derramado) es una de las pocas excepciones. Al 2020, es el único exmiembro de CoBrA que sigue con vida.
Catedrático en la Escuela de Bellas Artes de Madrid, sucedió a su maestro y suegro Francisco Esteve Botey en esta cátedra.
Su obra destaca por su excepcional dominio técnico, además de un profundo conocimiento histórico de la evolución del grabado. A pesar de que, en conjunto, su obra carece de un afán de innovación destacado, se mantuvo dentro de un concepto académico del grabado en la línea marcada por su maestro Esteve Botey.
Concurrió a varios certámenes, y obtuvo diversas condecoraciones, como la tercera medalla en la Exposición Nacional de 1943, segunda medalla en la Exposición de 1950, y primera medalla en la de 1952. Fue pensionado en Roma entre 1949 y 1953.
Alegría Salinas, Carlos, pintor y dibujante chileno (Putaendo, Aconcagua, 1882 - 1954)
Está considerado como uno de los más notables pintores de su país y un maestro del colorido. Pintor de figuras, retratos, paisajes y naturalezas muertas, desarrolló con éxito una pintura al aire libre, con excelente manejo de luces y sombras, a lo largo de una carrera artística plagada de distinciones.
Hijo de Isidro Alegría y Modesta Salinas, después de estudiar en el seminario y en el colegio de San Agustín, en Santiago, ingresó en la Academia de Bellas Artes donde fue uno de los discípulos de Cosme San Martín y Pedro Lira. En 1902, con apenas veinte años, ejerció como profesor de dibujo en el liceo Manuel Barros Borgoño y comenzó su triunfante carrera con la obtención de medallas de 2ª y 3ª clase por sus retratos presentados en el Salón de aquel año; dos años después obtuvo la medalla de 1ª clase por su composición El cantero.
En 1907 se trasladó a París para estudiar de cerca la pintura francesa. Allí expuso sus obras Pensativa, Los Desheredados y Voluptuosidad de las joyas, y fue consagrado por la crítica parisina como un maestro del color. De regreso a Chile, en 1909 se reincorporó a la Academia de Bellas Artes bajo la tutela de Jean Paul Laurens. Expuso sus obras en la Sociedad Nacional de Bellas Artes y fue socio activo de la Unión Internacional de Bellas Artes y Letras. Radicado unos años en Valparaíso, en 1919 se instaló en Santiago, en cuyo Salón presentó con gran elogio de la crítica sus obras Estudio de la mujer y, sobre todo, Lectura y ofrenda a Cupido, uno de sus trabajos más acertados. Otras obras de su vasta producción son Retrato, En la terraza de Santa Lucía y Kakis.
Aleijadinho, António Francisco Lisboa, llamado el, arquitecto, decorador y arquitecto brasileño (Ouro Preto, 1738 - 1814)
Su mejor obra como arquitecto es la iglesia de San Francisco, en Vila Rica, en la que trabajó desde 1773 hasta el fin de su vida. Como escultor, su obra maestra es la serie de tallas en madera que componen el Viacrucis del monasterio de Congonhas do Campo, dignas de los mejores imagineros españoles del s. XVII. Autor de una obra impregnada de profunda religiosidad y belleza expresiva, se le considera el genio más completo y representativo del arte barroco brasileño en el s. XVIII.
Fue el artista más importante del rococó en su país. Junto con Manuel Francisco de Araujo es el principal representante de la llamada arquitectura minera, un estilo que nació al amparo del impresionante desarrollo económico que experimentó el estado de Minas Gerais a partir del descubrimiento de un filón oro en el s. XVII.
Poco se sabe de su vida, que transcurrió rodeada de circunstancias excepcionales que lo convirtieron en un personaje casi mítico y envuelto en ciertas polémicas. Nació el 9 de agosto en Vila Roca (Ouro Preto), hijo natural de un arquitecto portugués, Francisco da Costa Lisboa, y una esclava. Su verdadero nombre era Antônio Francisco Lisboa, también conocido como Aleijadinho (en brasileño, ‘Lisiadito’), ya que contrajo una enfermedad deformante y progresiva, probablemente la lepra o la sífilis, que acabó obligándole a tener que sujetarse a los antebrazos los instrumentos para tallar la piedra.
Como arquitecto fue el principal artífice de la evolución de la escuela minera hacia una exuberancia y un dinamismo formal que la alejó de sus raíces portuguesas. Las plantas adquirieron perfiles sinuosos, los muros se curvaron y las torres cilíndricas se ?convirtieron en una de las principales señas de identidad de una arquitectura regional de gran originalidad. Entre las obras que se le atribuyen sobresale la iglesia de la Orden Tercera del Carmen (Ouro Preto), la de San Francisco de Asís en Ouro Preto, con una original colocación de las torres detrás de la fachada, y la de San Francisco de Asís en São João del Rey, perteneciente a su última etapa.
Su obra maestra como escultor se encuentra en el acceso y la escalinata del santuario del Bom Jesus de Matozinhos en Congonhas do Campo. Se trata de un conjunto escultórico compuesto por las figuras de los doce profetas, tallados en esteatita blanda (pedra sabâo), que constituyen una auténtico ‘ballet’ en piedra de inspiración barroca. También son de destacar las seis escenas de la Pasión de Cristo (1800 1805), realizadas en madera policromada, que flanquean el acceso al Morro do Maranhâo. En ambos casos, el ritmo y la elegancia en la disposición de las figuras unidas a lo novedoso de la composición hacen de este artista uno de los personajes más insólitos y geniales de la historia de la escultura.
En torno a este artista, nacido en 1738, se ha generado una leyenda basada en el mito de la lucha del artista contra la adversidad. Arquitecto y decorador de su obra, como escultor ofrece una integración singular de la escultura en el entorno arquitectónico. Su obra de mayor empeño es la escalinata con esculturas del Santuario del Bom Jesús de Matozinhos en Congonhas do Campo, con doce estatuas de profetas que aciertan a introducir una movilidad impresionante en el conjunto. El escultor ha planteado la integración de la escultura en el atrio como un espectáculo escenográfico que se sigue mediante un itinerario a través de una estatuaria parlante. La idea de percepción de la escultura condicionada por un itinerario generando una coreografía congelada fue un recurso utilizado frecuentemente por este artista como, por ejemplo, en los Pasos de la Pasión de Cristo, realizados en madera policromada, situados en seis capillas en el acceso al Morro do Maranhao. La aportación de Aleijadinho radica en la plasmación de una expresividad independiente de las soluciones convencionales. En este sentido, dentro del arte colonial americano y del brasileño en particular su obra se muestra como una expresión independiente al margen de las codificaciones convencionales.A eso se deben los rasgos que han intentado identificarse con la inspiración en grabados o en soluciones medievales, pues la independencia de las normas clásicas conduce a soluciones afines aunque su hallazgo no sea el fruto de una búsqueda.
Con aproximadamente cuarenta años de edad comenzó a desarrollar una enfermedad degenerativa de los miembros (no se sabe con certeza si porfiria, lepra, escorbuto, reumatismo o sífilis). Así, los movimientos y habilidades de sus manos se fueron reduciendo de forma gradual. Para poder trabajar, un ayudante le amarró las herramientas a sus propios brazos y manos. De esta anomalía en su cuerpo vino su apodo, Aleijadinho ("Lisiadito", en español). Murió pobre, en 1814. Se le considera un iniciado en la masonería. Los símbolos que colocaba en los pórticos de las iglesias y los altares, demuestran, para los que pertenecen a la misma orden, que están delante de la obra de un masón del alto grado.
Su obra escultórica la realizó en distintos materiales, desde imágenes en madera hasta en esteatita, materia prima de construcción típicamente brasileña, empleada en las ?edificaciones de iglesias. La mayoría de sus trabajos son representantivos del Brasil colonial, con características de rococó y de los estilos clásico y gótico.
Hijo natural del arquitecto portugués Francisco Lisboa y de una esclava negra, es considerado una de las personalidades más representativas del estilo rococó brasileño. Cuando era ya un hombre maduro y plenamente dedicado a su profesión de escultor y arquitecto, contrajo una enfermedad deformante (de ahí el apodo de Aleijadinho, el lisiadito, con el que se le motejó y por el que se le conoció) que no le impidió continuar dedicándose a su actividad artística. Sus obras más destacadas son la fachada de la iglesia de San Francisco en Ouro Preto, su ciudad natal, y las esculturas, el púlpito y los altares del mismo templo, así como el conjunto escultórico que representa a doce profetas realizado para el santuario del Buen Jesús de Motozinhos.
Alemagna, Justo, pintor italiano (s. XII)
Autor de una Anunciación, fresco que se conserva en el convento de Santa María de Castello en Génova y que fue pintado en 1451.
Alemán, Juan, escultor español (de mediados del s. XV)
Construyó el Apostolado de la catedral de Toledo, las Marías, Nicodemus y otras cuatro estatuas que se ven en la puerta llamada de los Leones de aquella iglesia.
Alemán participó junto a Hanequin de Bruselas, Egas Cueman y Juan Guas en la «Puerta de los Leones» y en la "Puerta del reloj" de la Catedral de Toledo. Trabajó también en Santa Cruz de Coímbra, Portugal, entre 1518 y 1522, en la ejecución del monumental cadeiral.
Aleman, Micer Cristóbal, pintor en vidrio español (que vivió hacia 1504)
Pintó la primera vidriera que se colocó con figuras en la catedral de Sevilla el año de 1504, por la que se le mandó pagar en auto capitular de 30 de octubre del mismo año 10030 maravedís, habiendo puesto en ella se-» tenta palmos de imaginería. Y aunque hubo vidrieras en esta santa iglesia en el de 1478 executadas por el maestro Henrique, segun otro acuerdo capitular de 16 de marzo de este año, se cree hayan sido en blanco, por que nada se dice de figuras ni adornos.
Alemán, Roberto, llamado el maestro Ruberto, escultor español (s. XVI)
A este escultor los Reyes Católicos le encargaron una Virgen con el Niño, escultura gótica que se colocó en la misma entrada de la Alhambra, en la Puerta de la Justicia, en una hornacina. Se sabe que intervino en 1542 en el trazado del palacio de Carlos V en la Alhambra, obra de Pedro Machuca, así como en la ornamentación del mismo.
Alemán, Rodrigo , escultor de orígen alemán
Escultor activo en Castilla en los últimos años del siglo XV y primeros del XVI. Su obra fundamental está realizada en madera tallada, adoptando el estilo del gótico final. La sillería del coro bajo de la catedral de Toledo, realizado entre 1489 y 1495, es considerada su obra más importante, cuya iconografía, con temas sobre la conquista de Granada, ha sido interpretada como una clara exaltación de los Reyes Católicos, tema más propio del arte renacentista, aunque su ejecución está dentro de las normas estilísticas del gótico. También es obra suya la sillería de la catedral de Plasencia, realizada entre 1497 y 1503, en cuyo período también realizó la de Ciudad Rodrigo. Atribuida a él está la sillería de la Seo de Zamora.
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