Alberti, Cherubino, llamado Borghegiano, pintor y grabador italiano (Borgo San Sepolcro, Toscana, 1552-1615)
Nació en Borgo San Sepolcro, Toscana (de donde tomó su apodo), en el seno de una familia de artistas, como segundo hijo del escultor Alberto Alberti.
Estudió en Roma con el grabador holandés Cornelis Cort, dedicándose inicialmente a trasladar a la estampa composiciones de otros artistas, influido por las obras de Rafael y la pintura manierista. Entre 1571 y 1575 realizó grabados a partir de obras de los hermanos Taddeo y Federico Zuccaro, ampliando el campo de su atención en los siguientes diez años a las obras de Rafael, Miguel Ángel, Polidoro da Caravaggio, Andrea del Sarto, Rosso Fiorentino, Marco Pino, Pellegrino Tibaldi y Cristofano Gherardi, además de reproducir en sus grabados algunas de las estatuas clásicas localizadas en los palacios de Roma.
Como pintor al fresco su obra más famosa fue la decoración de la Sala Clementina en el Palacio Apostólico del Vaticano, que terminó con su hermano Giovanni. En el momento de su muerte en Roma Alberti era director de la Academia de San Lucas.
A Alberti se le atribuyen más de 180 grabados, casi todos ellos a partir de invenciones ajenas, abarcando obras de género religioso, con composiciones como La Asunción y La Coronación de la Virgen de Federico Zuccaro; la Adoración de los pastores, La conversión de San Pablo y la Flagelación de Taddeo Zuccaro; La adoración de los Magos, La Transfiguración, Oración en el huerto y Lapidación de san Esteban, reproduciendo las obras de Rosso Fiorentino, la Piedad y la Crucifixión de Miguel Ángel o la Presentación en el templo de Rafael, y motivos mitológicos, como Las Gracias y Venus dejando a Ceres y Juno de Rafael, o Júpiter y Ganimedes de Polidoro da Caravaggio.
Alberti, Romano, pintor italiano (Borgo San Sepolcro, Toscana, s. XVI)
Secretario de la academia de dibujo fundada en Roma en 1593 por el pintor Federico Zurchero de Urbino. Escribió en verso las Victorias de Alejandro Farnesio, Tratado de la nobleza de la pintura, obra compuesta a invitación de la Academia de Pintura de Roma.
Albertinelli, Mariotto di Bigio di Bindo, pintor italiano (Florencia, 1474-1515
Fue un pintor italiano del alto renacimiento de la escuela florentina cercano a Fray Bartolomeo y seguidor de la técnica de Rafael.
Nace en Florencia el 13 de octubre de 1474, cuando contaba con 12 años de edad se hace discípulo de Cosimo Rosselli, y compañero del también discípulo Fray Bartolomeo con el que traba una gran amistad y simpatía, tan íntima que en 1494 los dos se unen y crean su propio estudio en Florencia. La opinión de Vasari era que Mariotto no tenía las mismas cualidades en el dibujo como Fray Bartolomeo, y de él dice que para mejorar su técnica le había llevado a dibujar las antigüedades en el jardín de los Médici, en donde fue animado por Madonna Alfonsina, madre de Lorenzo II de Médicis, duque de Urbino.
Cuando los Médici son expulsados temporalmente en 1494, él vuelve con su amigo, del que estudia y copia el estilo, según Giorgio Vasari, por lo que sus trabajos fueron tomados como si fueran propios de Baccio da Agnolo. Cuando, en la cruenta campaña de la moralidad de Savonarola, Baccio ingresa en la orden dominicana como Fra Bartolomeo en 1500 y renuncia a la pintura, Albertinelli, que estaba pintando al lado de éste cuando renuncia al fresco del Juicio universal para la Hospedería de Santa María Nuova es estimulado por su éxito y resuelve continuar sólo.
Entre sus muchos estudiantes cabe destacar a Jacopo Carrucci, llamado el Pontormo y Giuliano Bugiardini.
“Mariotto era una persona que en los asuntos del amor era más agitada y carnal, por lo que consecuentemente en el arte de vivir. Llevando una aversión a los estudios y no teniendo la tranquilidad ni la calma necesaria para la pintura, también a menudo siendo picado por las críticas de otros pintores, al igual que su manera, él resolvió darse a una profesión menos laboriosa y más jovial, y así abrió el hostal más encantador fuera del Porta San Gallo, y en la muestra del dragón en el Ponte Vecchio una taberna y un mesón. Esta vida le condujo por muchos meses, decir que ha tomado un arte que estaba sin fuerzas, o perspectiva y, todavía necesario de mejora, sin un análisis de los errores, y en el que el arte que él había dejo paso a la los deseos carnales ...comía con buen vino ... Pero en el último tramo de la vida se convirtió en una molestia para él, y, lleno de remordimientos, él regresó a la pintura”. Giorgio Vasari
Las pinturas de Albertinelli llevan la impresión del sentido de Perugino con volúmenes en espacio y de perspectiva, el colorido de Fray Bartolomeo, la representación del paisaje flamencos con la técnica del sfumato de Memling y de Leonardo.
Sus pinturas principales están en Florencia, y seguramente su obra maestra es La visitación en la Galería Uffizi.
Entre sus obras se puede destacar: “La visitación”, Uffizi, Florencia; “Virgen en la gloria adorada por los santos Jerónimo y Zenobio”, Museo del Louvre, París; “Adoración del niño Jesús”, Palazzo Pitti, Florencia; Virgen con el niño, óleo sobre tabla, 1495, atribuido a él; Berlín, Staatliche Museen; Anunciación, óleo, 1497, con fray Bartolomeo, Volterra, Iglesia; Sagrada familia, óleo, 1498, con fray Bartolomeo, Los Ángeles, L. A. County Museum; Tríptico, óleo, 1500, Los Ángeles, L. A. County Museum; Tríptico, óleo, 1500, Milán, Museo Poldi Pezzoli; Juicio Universal, fresco, 1501, con fray Bartolomeo, Florencia, Museo Nacional de San Marcos; La adoración del niño, óleo, 1502, Florencia, Palazzo Pitti; Visitación, óleo, 1503; Florencia, Galería Uffizi; Anunciación, nacimiento y presentación en el templo, Capilla de la Visitación, óleo, 1503 Florencia, Galería Uffizi; Crucifixión, fresco, 1505, Galluzzo, Certosa de Florencia; La Virgen con el niño y los santos Gerolamo y Zenobio, óleo sobre tabla, 1506, París, Louvre; Virgen con el niño, óleo y témpera sobre tabla, ca506; New York, Metropolitan Museum; Adoración con el niño, ca506, Detroit, Institute of Arts; Anunciación, óleo sobre tabla, 1506, Munich, Alte Pinakothek, Virgen con el niño, óleo sobre tabla, 1509, Génova, colección privada; Virgen con el niño, óleo sobre tabla, 1509, Harewood House, Yorkshire; Padre Eterno entre Santa Catarina de Siena y Maria Maddalena, óleo, 1509, con fray Bartolomeo, Lucca, Museo di Villa Guinigi; Anunciación, óleo sobre tabla, 1510; Virgen con el niño y los santos Giuliano, Domenico, Nicola y Gerolamo, 1510; Trinidad, óleo sobre tabla, 1510; Florencia, Galería de la Academia; Virgen con el niño, óleo sobre tabla, 1510; Lewisburg, Pennsylvania, Bucknell University Art Gallery; Virgen con el niño, santos y ángeles, óleo, 1510, atribuido a él, Columbia, Carolina del Sur, Museum of Art; Anunciación, óleo, 1511, con fray Bartolomeo, Ginevra, Musée d’Art et d'Histoire; Virgen con el niño y San Pedro y San Pablo, óleo, 1511, con fray Bartolomeo, Pisa, S. Francesco; Sagrada Familia con San Giovannino, óleo, 1512 con fray Bartolomeo, Roma, Galleria Borghese, Coronación de María, óleo sobre tabla, 1512; Stoccarda, Staatsgalerie; Gloria de la Virgen y los Santos y Ferry Carondelet, óleo, 1512, con fray Bartolomeo; Besançon, Catedral; El pecado original y el sacrificio de Isaac, óleo, 1512; New Haven, Connecticut, Yale University Art Gallery; Virgen con el niño, óleo, 1512, Longniddry, Escocia, colección privada; Caín y Abel, óleo sobre tabla, 1513, Longniddry, Escocia, colección privada; El pecado de Adán y Eva, óleo sobre tabla, 1513, Zagabria, Galleria Slika; Creación, tentación y pecado original, óleo sobre, 1513, Londres, Courtauld Institute Gallery; Virgen con el niño y tres santos, óleo, 1514, atribuido a él, Canino, Viterbo, San Andrea y San Giovanni Battista; Volognano, iglesia de San Miguel, Virgen con santos y donantes, óleo sobre tabla, 1514, Canino, Viterbo, San Andrea y San Giovanni Battista; Virgen con el niño, óleo, 1515,Venecia, Seminario Patriarcal, Pinacoteca Manfrediniana y Casamiento místico de Santa Caterina, 1515, perdido, que se conservaba en Roma, S. Silvestro en el Quirinal.
Albertolli, Giocondo, arquitecto pintor y escultor suizo (Bédano, 1742-Milán, 1839)
Nació en el seno de una familia de artistas en Bedano, un pueblo de 7 kilómetros al norte de la capital Ticinese de Lugano. Estudió escultura en Parma, y también en la Academia, y se hizo conocido por sus decoraciones arquitectónicas ornamentales. En 1776 fue elegido profesor de decoración en la recién creada Academia de Brera de Milán, que ocupó este puesto durante más de un cuarto de s. hasta que la pérdida de visión le llevó a dimitir en 1812. En 1809 Napoleón le hizo Caballero de la Corona de Hierro. Albertolli fue muy popular en la decoración de palacios, iglesias y edificios públicos en Italia, y dio un nuevo impulso al arte del diseño ornamental en ese país. Sus pinturas son escasas. Una Virgen y el Niño por él está en la iglesia milanesa de San Rocco.
Giocondo Albertolli murió en Milán en 1839 a la edad de noventa y seis. Su hijo, Raffaello fue grabador.
Albina, José, pintor escultor y arquitecto italiano (¿-Palermo, 1611)
Es conocido especialmente por dos estatuas de San Sebastián y San Roque conservadas en esta ciudad.
Albini, Alessandro, pintor italiano (Bolonia, 1568 1646)
Perteneciente a la escuela lombarda, fue uno de los primeros alumnos de la escuela de los Carracci. Era conocido por los diseños que hizo para la ceremonia del funeral de Agostino Carracci. Pintó una tumba de San Valeriano y San Tiberio para la iglesia de San Michele in Bosco en Bolonia, y pinturas de San Pedro, Santa Catalina, Santa Inés y Santa Cecilia para el mártir de San Pedro.
Albini, Franco, arquitecto italiano (Robiatte, 1905 Milán, 1977)
Ejerció su profesión en su ciudad natal, iniciándose como decorador de interiores y proyectista de muebles, y adhiriéndose al movimiento racionalista con un estilo muy personal. En 1939 proyectó el distrito de Filsi, en Milán, así como muchos otros edificios. A partir der 1945 se encargó del reajuste de los Museos del Palacio Rosso, en Génova (donde ha construido también el Museo del Tesoro de la catedral), y ha diseñado, asimismo, el palacio del Rinascente (Roma, 1961).
Fue un intérprete coherente del racionalismo italiano. Entre sus proyectos, cabe destacar el montaje de la VI Trienal (Milán, 1936). Como urbanista, participó, entre otros, en el proyecto de «Milano Verde» (1938). Atento a las tradiciones locales, desarrolló una importante labor en el ámbito del diseño.
Albizu, Pedro Ángel de, arquitecto español (s. XIX)
Se desconocen los datos referentes a lugar y fecha de nacimiento y muerte. Primero aprobó y luego rechazó el plan de estudios de Tomás de Sisto para la Escuela de Bellas Artes de Cádiz. Sisto critica esta contradicción, y el Diario Mercantil de Cádiz del 10 de abril de 1811 publica un oficio de Albizu, fechado en Cádiz el 6 de abril de 1811, en el que dice que representó a las Cortes contra el plan de estudios a instancias de los profesores Velázquez y Benjumeda, quienes le aseguraron que si no lo hacía se destruía la Academia. Luego se dio cuenta de la falsedad de esta posición, y rectificó.
El 23 de febrero de 1812 comenzó la delineación de la nueva población de Eli-Erri, o sea de Dios el Pueblo, extramuros entre Torregorda y Santi-petri. "A cada individuo que quiera fabricar, se le dan diez mil varas cuadradas de terreno, que distribuirá a su gusto en jardín, huerta, corral &c. Todo está tirado a cordel paralelo al arrecife, y en el exterior guardará uniformidad; dando principio a su construcción dentro de quince días", según aviso en el Diario Mercantil de Cádiz, número 59, del 28 de febrero de 1812. El 17 de marzo, el Diario Mercantil de Cádiz, número 77, precisa que la nueva población está entre los ríos Arillo y Torregorda (Diario Mercantil de Cádiz, citado anteriormente y el correspondiente al 20 de marzo de 1811,). Pero el 3 de abril de 1812 avisa de que el proyecto ha sido reprobado por el comandante de Ingenieros. En su lugar propone comprar las marismas que hay entre Torregorda y Santi Petri, "que son de realengo, para formar en ellas tiendas de campaña a fin de proporcionar un desahogo, y evitar las resultas de una próxima epidemia, en el día con más motivo por encerrarse muchas familias en las casas que distan del alcance de las bombas, avisando a su tiempo sus resultas". Después propone hacer nuevas habitaciones en las azoteas, con madera sencilla o tiendas de campaña, para evitar los aires impuros cuando se acerca el verano. Nueva propuesta el 20 de junio de 1812, en la que todavía recuerda la población de Eli Erri, que podría ahora construirse a base de barracas.
Albizu, Olga, pintora portoriqueña (1924, Ponce – 2005, Nueva York)
Nació y creció en Puerto Rico, donde ererestudió pintura chon el pintor español Esteban Vicente de 19430 a 1947. Recibió el título de B.A. por la Universidad de Puerto Rico en 1946. Se trasladó a la ciudad de Nueva York en un intercambio de trabajo de postgrado en la Art Students League en 1948. Tras esto, siguió su formación en Europa, en la Académie de la Grande Chaumière de París y en la Accademia di Belle Arti de Florencia. Posteriormente, pasó un año pintando en la Provenza, como habían hecho otros pintores anteriormente, entre ellos Van Gogh y Cézanne . En 1953 regresó a Nueva York.
Sus obras han sido utilizadas en los diseños de varias carátulas de discos, incluyendo entre ellos algunos álbumes de Stan Getz.
Alboni, Paolo Antonio, pintor italiano (Bolonia, 1671– 1730)
Pintor paisajista, que nació en Bolonia a fines del siglo XVII, y murió en 1730. Se quedó paralítico de la mano derecha y continuó pintando con la izquierda, haciendo siempre cuadros excelentes.
Fue un pintor del período barroco tardío. Después de practicar algún tiempo en Roma y Nápoles , se fue en 1710 a Viena , donde permaneció cerca de trece años, pero, por la privación de la utilización de su lado derecho por un golpe, regresó a Bolonia, donde pintó con su mano izquierda. Su hija, Luisa María Rosa, fue también paisajsta. Ella murió en 1759.
Alboresi, Jacobo, pintor italiano (Bolonia, 1632-1677)
Nacido en Bolonia , fue discípulo de Santo Domingo y el maestro de la cuadratura de Agustín Mitelli . Más tarde trabajó con Angelo Michele Colonna en la España de Florencia y Parma . Se casó con una de las hijas de Mitelli. La técnica de Alboresi la utilizaron Fulgencio Mondini, Milani y Domenico Maria Canuti para hacer las figuras en el fondo de sus obras. Mondini Alboresi fue sustituido en el trabajo de realización de la muerte y canonización de San Antonio de Padua de la Basílica de San Petronio en Bolonia. En la iglesia de San Giacomo Maggiore ha pintado algunos temas de la perspectiva en un fresco de Bartolomeo Passarotti . Luego trabajó en colaboración con Antonio María Pasio en la Catedral de Santa María del Fiore en Florencia.
Alborno, Pablo, pintor paraguayo (Asunción, 1877-1958)
Estudió en la Escuela de Artes y Oficios de Montevideo, Uruguay y tomó clases de violín con profesores particulares. De regreso a su país tomó clases de pintura con el artista italiano Guido Boggiani. De esta época datan los retratos del presidente J.A. Escurra y del Dr. Benjamín Aceval, y sus primeros paisajes sobre la bahía de Asunción y el populoso y ribereño barrio asunceno de la Chacarita.
En 1903 ganó una beca para proseguir estudios en Europa. Ingresó en la Real Academia de Roma, pasando luego a Florencia y a Venecia. Por entonces, produjo numerosos cuadros entre los que se cuentan reproducciones recreadas de obras de grandes artistas del Renacimiento, tal el caso de Tiziano Vecellio y de Jacopo Comin, llamado el Tintoretto.
A fines de 1908 regresó al Paraguay y realizó, junto a sus compañeros de beca, la exposición “Pensionados de Europa”. En 1909 fundó con Juan A. Samudio la Academia de Bellas Artes de la que fue director y profesor.
En 1910 participó de la Exposición Internacional conmemorativa del centenario de la independencia argentina. En ella, su cuadro “Partida a las cartas” obtuvo diploma de honor y medalla de plata.
En 1911, con motivo del centenario de la independencia paraguaya, a instancias de Manuel Domínguez y Arsenio López Decoud se le encomendó la realización de la iconografía de los “Próceres de Mayo”. Así surgieron los retratos de los principales dirigentes que dieron al Paraguay su independencia del yugo español. Pintó también los retratos de varios prohombres de la Guerra del ‘64 al ‘70, que enfrentó al Paraguay contra la Triple Alianza.
Como investigador, realizó importantes estudios y publicaciones acerca del origen de las etnias tupí-guaraní y su idioma, sus semejanzas con la lengua egipcia, profusamente ilustrados. Realizó, asimismo, publicaciones sobre Arte Colonial Hispano-Guaraní y Arte Jesuítico en las Misiones. Tuvo activa participación en la fundación del Museo Arqueológico y Etnográfico y de la Sociedad Científica del Paraguay.
Obras suyas son: “Paisajes”, “Cabeza de viejo”, “Tejedora de ñandutí”, “Las galoperas”, y retratos de: “Fernando Centurión” y “La virgen de Caacupé”.
Casado con María Elisa Weyer, dejó descendencia. Falleció en Asunción el 11 de enero de 1958.
Albright, Ivan, llamado Le Lorreine, pintor y escultor estadounidense (Chicago, 1897 - Woodstock, 1983)
Realmente es una figura al margen de corrientes aunque en el grueso de su producción se acerca bastante al Realismo Mágico.
El provenir de una familia rica le da la independencia para dedicarse al arte completamente con lo que su producción, aunque no muy abundante está extremadamente cuidada y elaborada. Estudia arquitectura en la Northwestern University y en la Universidad de Illinois y en principio pinta retratos como afición. En su estilo hay cierto gusto morboso por el detalle en la representación de temas macabros y lúgubres, heridas, carne putrefacta, objetos envejecidos, todo corrupto y envuelto en la penumbra. Esta extraña obsesión se explica fácilmente ya que a partir de 1917 entra a trabajar en un hospital militar como dibujante médico, no solo los temas sino también la precisión clínica le viene de esta experiencia. De todo su trabajo (también literario) se destila una reflexión sobre el paso del tiempo, cierto sentimiento de melancolía por la belleza que es pasajera. Durante toda su vida reside en los alrededores de Chicago. Es anecdótico que él haga el retrato del corrupto Dorian Gray para la película de Hollywood basada en el libro de Oscar Wilde, y su hermano gemelo Malvin Marr Albright el retrato del joven Gray cuando todavía no ha degenerado moralmente. Este trabajo está expuesto como la mayoría de su obra en el Art’s Institute of Chicago. Obras suyas son: “Autorretrato”, “No hubo flores esta noche”, “- Novia con catarro”, “The Vermonter”, etc.
Su estilo, violentamente realista, se caracteriza por una gran minuciosidad en el detalle y una marcada influencia del surrealismo.
Albright, William Foxwell, arqueólogo estadounidense (Coquimbo, Chile, 1891 - 1971)
William Foxwell Albright nació el 24 de mayo de 1891 y murió el 20 de septiembre de 1971. Fue un destacado orientalista estadounidense, pionero de la arqueología, lingüista y experto en cerámica. Desde principios del s. XX hasta su muerte fue el decano de los arqueólogos y el padre mundial de la Arqueología bíblica. Su más destacado pupilo, George Ernest Wright, siguió sus pasos como líder de tal movimiento. Entre otros de sus pupilos notables se encuentran Frank Moore Cross y David Noel Freedman, que llegaron a ser líderes internacionales en el estudio arqueológico de los lugares y eventos señalados en la Biblia y del antiguo Cercano Oriente, incluyendo epigrafía noroccidental semítica y paleografía. Su contexto religioso fue el protestantismo metodista estadounidense. Nació en Coquimbo, Chile en la familia misionera metodista conformada por Wilbur Finley y Zephine Viola Foxwell Albright, en la cual William fue el mayor de seis hijos. Se casó con la doctora Ruth Norton en 1921 en Jerusalén y de ese matrimonio sobrevivieron dos hijos.
Albright recibió el Doctorado en 1913 en la Johns Hopkins University, en donde más tarde fue académico desde 1929 hasta 1959 y director de la Escuela Estadounidense de Investigación Oriental en dicha universidad. Uno de sus mayores logros fue confirmar la autenticidad de los manuscritos del Mar Muerto después de su descubrimiento en 1947.
Albright defendió teóricamente, que Abraham, Isaac y Jacob eran no solo personajes bíblicos, sino que también históricos y que las incursiones de Josué también fueron eventos históricos. Insistió que «como un todo, la imagen del Génesis es histórica y no hay razones para dudar de la precisión de los detalles biográficos».
En 1923 hizo la primera excavación arqueológica significativa de los túmulos en torno a Jerusalén (posiblemente el sitio donde un antiguo rey de Judea fue honorado). Otro importante aporte que hizo a los estudios bíblicos y a la arqueología bíblica fue su estudio del sello LMLK y el impacto que este tuvo para otros estudios entre 1925 y 1960.
También excavó un montículo llamado Tell Beit Mirsim cerca de Hebrón entre 1926 y 1932. Identificó el sitio como la ciudad cananea de Debir, mencionada múltiples veces en la Tanaj, aunque su identificación ha sido refutada por otros arqueólogos. Junto a otros hallazgos, pareció confirmar que la conquista de Canaán por los israelitas fue un hecho histórico, y, aunque muchos rebaten dicha conclusión en la actualidad, muchos otros biblistas y arqueólogos siguen coincidiendo con Albright.
Editó los siguientes libros de la Biblia Anchor: Jeremías, Mateo y Apocalipsis. Entre sus libros más conocidos están: Yahweh y los dioses de Canaán, La arqueología de Palestina: de la Edad de Piedra a la cristiandad y El periodo bíblico desde Abraham a Ezra. Aunque fue más un arqueólogo bíblico, Albright hizo también contribuciones a la arqueología de Egipto: En un documento BASOR 130 (1953) titulado Nuevas luces de Egipto en la cronología e historia de Israel y Judea, el estudioso estableció que Shoshenq I mencionado en la Biblia como el rey egipcio Shishak, gobernó efectivamente entre 945 a. C. y 940 a. C.
El Instituto de Arqueología W. F. Albright, una rama de las Escuelas Estadounidense de Estudios Orientales se encuentra localizada en Jerusalén.
Era un arqueólogo americano, un estudioso de la Biblia, lingüista y experto en cerámica. Desde principios del s. XX hasta su muerte, era el decano de los arqueólogos bíblicos y fundador universal reconocido del movimiento bíblico de la arqueología. Su estudiante George Ernesto Wright siguió en sus pasos como el líder de ese movimiento, mientras que otros, Frank Moore Cross, Raymond E. Brown y David Noel Fredmann fueron líderes internacionales en el estudio de la Biblia y del Oriente Medio antiguo, incluyendo la epigrafía y paleografía semíticas del noroeste.
Albrion, Domingo, escultor español (s. XVI)
Ejecutó, junto con Nicolás Laraut, las 2 estatuas de Araon y Melquisedec que se encuentran a los lados del tabernáculo de la capilla del Sacramento en la Catedral de Tarragona. Las estatuas tienen mérito, por su dibujo, sencillez y buenos partidos de paños.
Albuquerque, Georgina de, pintora brasileña (Taubaté, São Paulo 1885 – Río de Janeiro, 1962)
Es el seudónimo de Georgina de Moura Andrade. Autora de “La hora del té”, “Roceiras” y otros cuadros.
Comenzó sus estudios de pintura en su ciudad natal, con el pintor de origen italiano Santoro Rosalbino. Así, Georgina comenzó sus estudios con un maestro de alto nivel que supo transmitir la forma correcta de usar el pincel para mezclar la pintura al aplicar las leyes de la perspectiva.
En 1904 se incorporó a la Escuela Nacional de Bellas Artes, donde fue alumna de Henrique Bernardelli. Allí conoció al pintor Lucílio de Albuquerque, con quien se casó y siguió en 1906 a Europa, en particular a Francia, donde la pareja estuvo cinco años.
En París, Georgina estudió en la Ecole Nationale Supérieure des Beaux-Arts y la Académie Julian. De regreso a Brasil en 1911, participó en varias exposiciones individuales y colectivas.
También se dedicó a la enseñanza, desde 1927, en la Escola Nacional de Belas Artes, institución donde ocupó el puesto de directora en los años 1950.
Alcaín, Alfredo, pintor español (Madrid, 1936 - )
Pintor madrileño, perteneciente a la generación que introdujo con éxito el arte pop en España. Se formó como pintor entre 1953 y 1958 en la rancia Escuela de Bellas Artes de San Fernando de Madrid. Entre 1961 y 1964 estudió Decoración Cinematográfica en la Escuela de Cinematografía de Madrid, formación que puso en práctica colaborando en varias producciones cinematográficas y teatrales.
Sus primeras exposiciones las presentó en Madrid (en la Galería Toisón, en 1962, o en la Sala Abril, en 1965). Sus primeras obras están dentro de la estética pop, con una personal interpretación de este estilo. La temática es, en cierto modo, costumbrista, retrata las calles y la gente del viejo Madrid, pero el estilo pictórico y cierta ironía en la representación le acercan a la pintura crítica, al realismo social de sus contemporáneos Equipo Crónica o Juan Genovés. Su obra, no obstante, tiene un talante menos agresivo, el humor y el aspecto lúdico del arte son elementos que aparecen ya en sus primeros cuadros y que se harán protagonistas con el paso del tiempo.
En la década de los 70 comenzó a exponer regularmente en la galería Egam de Madrid (donde continuó exponiendo hasta los años 90).
Su estilo se depuró hacia una pintura más formal de tintas planas y juegos de armonías de color. En los 80 inició una de sus series más emblemáticas la Serie Cezanne petit-point, basada en el cuadro de este autor titulado Frutero, mantel, vaso y manzanas. En esta extensa serie, compuesta de pinturas, dibujos y grabados, reinterpretó una y otra vez la citada obra, descomponiendo el bodegón en lo que parece un infinito juego de posibilidades combinatorias de armonías de color, formatos y técnicas. Con esta serie dejó claro cuál es el tema de su pintura, que no es otro que la propia pintura, como ya hiciese Cézanne a finales del siglo XIX, pero con un importante matiz: el juego, que denota su acercamiento al arte como algo menos grave. Esta forma de trabajar, en series en las que apenas varía la forma, se ha convertido en una constante, así como la interpretación llena de humor de los temas de la pintura.
Calificado por Valeriano Bozal como el mejor pintor esáñol y el más contumaz pintor pop, Alcaín ha desarrollado, además de su obra pictórica, una importante producción de obra gráfica de excelente calidad que denota una gran flexibilidad y profundización en la técnica del grabado. Su obra es expuesta con regularidad en galerías madrileñas y en otras capitales españolas como Bilbao, Santander, Cuenca, Segovia o Zaragoza, así como en la feria ARCO de Madrid.
Su obra se encuentra en los principales museos de arte contemporáneo españoles, como el Museo de Arte Contemporáneo de Sevilla, el Museo de Bellas Artes de Bilbao o el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid, así como en las colecciones del Banco Exterior de España, la Biblioteca Nacional, el Banco de Vizcaya y la Colección de Arte Fundesco, entre otras. En 2003 recibió el Premio Nacional de Artes Plásticas.
Alcalá, Alfredo, dibujante de historietas filipino (Talisay, 1925 - 2000 )
Pese a su origen filipino, Alfredo Alcalá desarrolla la mayor parte de su carrera en Estados Unidos, donde se especializa en el dibujo de superhéroes. Su formación profesional está relacionada con el diseño, oficio que abandona cuando consigue sus primeros trabajos como "historietista" en su país natal, en revistas como Bituin Komiks, Filipino Komiks y Tagalog Klassics, en las cuales colabora a partir de 1948.
Sorprendidos por la calidad de su dibujo, los agentes de la editorial norteamericana D.C. Comics lo contratan a comienzos de los años setenta. Pese a su condición de recién llegado a los Estados Unidos, los encargos se acumulan para Alcalá, cuyo nombre empieza a ser habitual en los comics más importantes de la compañía. Otra empresa de importancia, Marvel Comics, no tarda en solicitar los servicios del dibujante, que logra cierta notoriedad tras su intervención en la serie La espada salvaje de Conan. Hacia 1977 se asocia con Marion Dern, que escribe los guiones de Rick O'Shay, una historieta de aventuras ambientada en el Oeste americano. A partir de ese momento, Alcalá debe hacer compatible su trabajo en el cómic con colaboraciones de otro tipo, como diseñador o dibujante en series de animación.
Alcalá Navarro, Alfredo, arquitecto español (Ballesteros de Calatrava, Ciudad Real, 1940)
Se tituló en la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de Madrid en 1967, en la especialidad de Restauración de monumentos. Está colegiado en los Colegios Oficiales de Arquitectos de Galicia, de Andalucía oriental y de Madrid. Desde abril de 1984 es profesor de la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de la Coruña, en el departamento de Proyectos. Es hermano del escritor Xavier Alcalá.
Alcalá es autor de numerosas obras y está considerado actualmente como uno de los arquitectos de obra más marcadamente personal. Entre sus obras más singulares están las intervenciones llevadas a cabo en el campus universitario de Ferrol, entre las que destaca la facultad de Humanidades. También es autor de la restauración del Convento de San Roque de Santiago de Compostela, de la restauración del foso del arsenal militar de Ferrol, de la rehabilitación de un edificio del siglo XVII para albergar el Ateneo Ferrolano, del trazado del barrio de Esteiro de Ferrol, o las actuaciones de restauración y rehabilitación llevadas a cabo en el Pazo de la Merced de Neda, para su uso como vivienda, primero, y establecimiento turístico después.
Su obra le hizo acreedor de numerosos premios, entre los que destaca el premio de arquitectura Rodolfo Ucha (2006).
Monumento de Madrid proyectado por Francisco Sabatini para conmemorar la entrada en la capital de España del rey Carlos III. Se inauguró en 1788. Cuenta con motivos escultóricos de Roberto Michel y Francisco Gutiérrez.
La Puerta de Alcalá es uno de los monumentos más significativos de Madrid (España) junto con la cercana fuente de Cibeles. Fue mandada construir por el rey Carlos III y es obra del arquitecto Francesco Sabatini. Se halla en la Plaza de la Independencia, en el cruce de las calles de Alcalá, Alfonso XII, Serrano y Salustiano Olózaga y junto a la Puerta de España, entrada principal a los jardines del Retiro. Al igual que la calle en que se halla, la Puerta recibe su nombre por hallarse en el camino que conducía a la localidad de Alcalá de Henares.
Con anterioridad a la actual ya existió otra Puerta de Alcalá. Estaba construida en ladrillo y se ubicaba algo más al oeste, a la altura de la actual calle de Alfonso XI. Fue construida en 1599 con motivo de la llegada de Margarita de Austria, esposa del rey Felipe III, a la ciudad. La puerta tenía un arco central y dos laterales más pequeños. Sobre el central había otra pequeña arcada, en la que se ubicaba una estatua en piedra de Nuestra Señora de las Mercedes. Sobre los arcos laterales había sendas estatuas de San Pedro Nolasco y de la beata Mariana de Jesús. Fue derribada en 1764 al ampliarse la calle de Alcalá con terrenos tomados a lo que actualmente es el Parque del Retiro, entonces pertenecientes al palacio del Buen Retiro.
Esta puerta, que servía de acceso a la ciudad por el camino real de Aragón y Cataluña, era una de las cinco principales con las que contaba la tapia que rodeaba la villa, junto con las de Toledo, Segovia, Bilbao y Atocha.
Tras su entrada en Madrid, el 9 de diciembre de 1759, a través de la antigua Puerta, que no era de su agrado, Carlos III decidió derribarla y construir una nueva, proyecto que se inscribía dentro de sus planes de mejora de la ciudad. Se convirtió en la entrada principal de la villa y en uno de los monumentos más representativos de su reinado, eje de las reformas que llevó a cabo en toda la zona este de la ciudad: Jardín Botánico, Paseo del Prado, fuentes de Cibeles y Neptuno, etc.
Para la construcción de la nueva Puerta se presentaron distintos proyectos, entre ellos cinco de Ventura Rodríguez y uno de José de Hermosilla, aunque finalmente se eligió el de Sabatini, de estilo neoclásico y setenta pies de altura. El proyecto original ofrecía dos acabados distintos, uno con pilastras y otro con columnas adosadas. Finalmente se fundieron los dos en uno solo y por eso las fachadas son distintas.
Se inauguró en 1778, no como monumento, sino como auténtica puerta, ya que a ambos lados de ella seguía existiendo la cerca que delimitaba la ciudad por el este y que seguiría en pie hasta 1869, año en que se remodeló la plaza.
La Puerta, construida en piedra berroqueña, tiene cinco vanos: tres con arco de medio punto, con claves con forma de cabeza de león, y dos laterales con arco adintelado, con sendos pares de cornucopias sobre ellos tallados por Roberto Michel. Estos vanos disponían en origen de rejas que se cerraban todos los días al atardecer.
La fachada exterior, aquella que mira hacia el este, presenta diez columnas de granito adosadas. En la interior, la que mira hacia el centro de la ciudad, se sustituyen las seis exteriores por pilastras y sólo dos pares junto al arco central siguen siendo columnas. Todas ellas se apoyan sobre un zócalo. Los capiteles son de orden jónico y sobre ellos se apoya una cornisa.
Sobre el vano central, en los áticos de ambas fachadas, figura una inscripción en latín con el lema Rege Carolo III. Anno MDCCLXXVIII ("Siendo rey Carlos III. Año 1778"). Sobre la inscripción exterior figura un escudo de armas sostenido por la Fama y el Genio. A ambos lados, cuatro esculturas de niños.
En la fachada interior, sobre los arcos laterales, figuran las cuatro virtudes cardinales: Prudencia, Justicia, Templanza y Fortaleza. Todos estos motivos ornamentales fueron tallados en piedra caliza de Colmenar, como las cornucopias, por Francisco Gutiérrez Arribas y su estilo más barroco contrasta.
Al ser uno de los monumentos más representativos e importantes de la ciudad, la Puerta de Alcalá ha servido como soporte para todo tipo de manifestaciones políticas y artísticas y en sus inmediaciones se han producido numerosos hechos históricos:
En 1823 la Puerta de Alcalá recibió el impacto de varios proyectiles durante la intervención de los Cien Mil Hijos de San Luis en apoyo de Fernando VII. Los efectos aún pueden contemplarse.
El 30 de julio de 1854, el conde de Vistahermosa atravesó la Puerta proveniente de Vicálvaro, donde había sido derrotado. Venía blandiendo como trofeo una lanza del enemigo, por lo que desde entonces fue apodado por los madrileños “Longinos”, como el soldado romano del cual se dice que atravesó con su lanza el costado de Cristo.
El 8 de marzo de 1921, junto a la Puerta, el Presidente del Consejo de Ministros, Eduardo Dato, fue tiroteado desde una motocicleta cuando viajaba en su coche después de salir del Senado.
Durante la Guerra Civil Española con motivo del 20 aniversario de la revolución de octubre la Puerta de Alcalá fue engalanada por la Asociación de Amigos de la Unión Soviética con retratos de los líderes soviéticos Litvinov, Stalin y Voroshilov, el escudo de la Unión Soviética y un letrero con la leyenda "Viva la U.R.S.S."
Debido a que la calle de Alcalá tiene categoría de cañada real, por la Puerta pasaron durante muchos años los rebaños de ovejas transhumantes. Todavía existen sendos mojones a ambos lados de la calle que indican su categoría de vía pecuaria. En los últimos años esta tradición se ha recuperado como una fiesta popular, reivindicativa de las cañadas reales, aunque las ovejas se ven ahora obligadas a rodear la Puerta.
Bernardo Fuster y Luis Mendo, componentes del grupo musical Suburbano, compusieron una canción llamada La Puerta de Alcalá en la que narran la historia del monumento. Grabada en 1986 por los cantantes Víctor Manuel y Ana Belén dentro de sus disco Para la ternura siempre hay tiempo se convirtió en un gran éxito popular.
En el año 1993 la Puerta fue sometida a la restauración más importante de su historia. Durante el tiempo que duraron las obras, estuvo tapada por una lona con dibujos del humorista gráfico Antonio Mingote en los que aparecían diversas escenas madrileñas. El dibujo original puede contemplarse actualmente en el Museo de la Ciudad.
En el verano de 2006 la plaza de la Independencia fue sometida a unas obras de mejora para transformarse en glorieta. Con este motivo, se clausuró el paso subterráneo de peatones que cruzaba la calle Alcalá y se sustituyó por un paso en superficie, desde el que, desde entonces, los paseantes tienen un mejor acceso a la puerta.
Durante las fiestas de Navidad, el Ayuntamiento de la ciudad instala un belén bajo el arco central.
En 2001, dentro de un proyecto de la Unesco de donación de libros para Centroamérica, la Puerta se cubrió con 45.000 ejemplares siguiendo un proyecto ideado por la artista Luz Diarriba.
En 2004, con motivo de la boda del príncipe Felipe, la Puerta tuvo durante varios días, como otros monumentos de la ciudad, una iluminación especial realizada por el interiorista Pascua Ortega.
En 2006, durante la celebración de La Noche en Blanco, el artista Daniel Canogar la utilizó como fondo para la proyección de una instalación en la que cientos de personas parecían deslizarse sobre su fachada.
Alcámenes, escultor griego ((450 400 a. de J.C)
Era de origen y de educación ática, siendo según una tradición, discípulo de Fidias y, según otra, su rival. Parece ser que colaboró en las obras del Partenón. Existen copias de algunas de sus obras, como pero ejemplo, el “Hermes Prpopilayos” y la “Afrodita de los jardines”. Se le atribuye un original, el grupo “Procné e Itis”, que se conserva en el Museo de la Acrópolis de Atenas.
Fue discípulo de Fidias del que aprendió su método, aunque sus rasgos son de una mayor frugalidad. Parece que con el taller de Alcámenes están relacionadas las esculturas del vestíbulo de las Cariátides del Erecteo en la Acrópolis de Atenas, cuyas figuras de muchachas grácilmente vestidas están puestas al servicio de la arquitectura como apoyo del entablamento. Se le atribuyen algunas obras como el Hermes Propileo o una Artemisa vestida y un Ares del que se encuentra una copia en el Louvre conocida como el Ares Borghese. La gracia de las cariátides de la Acrópolis está en que, a pesar de la emoción de imposición arquitectónica que tienen sobre sí, expresan una voluntad de formas que contrasta con la tirantez de otras esculturas homónimas de la época arcaica.
Nacido, quizás, en la cleruquía ateniense en la isla de Lemnos, transcurrió toda su carrera en Atenas. Plinio el Viejo sitúa su apogeo durante la olimpíada 83, es decir, en 448 445 a. C. y cita como sus contemporáneos a Critios y a Fidias, de los que fue discípulo. Figura ente los escultores oficiales de la ciudad ática y decoró numerosos templos erigidos durante la guerra del Peloponeso. Fue el autor de las estatuas de culto del Hefestión, esculpidas entre 421 y 415 a. C.
Estaba aún activo en el 403 a. C., fecha en la que esculpió, a petición de Trasíbulo, el relieve de Heracles y Atenea del Heraclión de Tebas, que celebraba el derrocamiento de la tiranía de los Treinta Tiranos. Frente a este periodo de actividad particularmente largo, algunos estudiosos han concluido que Plinio se equivocaba al hacer a Alcámenes contemporáneo de Fidias.
Si bien Alcámenes era más joven que Fidias, resaltó por la delicadeza y acabado de sus obras, entre las que sobresalieron un Dioniso de marfil y oro, un Hefesto y una Afrodita "de los jardines". También se atribuyó a Alcámenes la realización de la primera representación escultórica de Hécate en forma triple. Probablemente es el autor de una estatua del museo de la Acrópolis de Atenas que representa una mujer que aprieta con su falda a su hijo pequeño y que podría corresponder a una estatua de Procné e Itis mencionada por Pausanias.
Pausanias dice que Alcámenes era el autor de uno de los frontones del templo de Zeus en Olimpia, si bien hay cierta controversia porque algunos eruditos opinan que esto parece imposible desde un punto de vista cronológico y estilístico, y también que fuera contemporáneo de Fidias, según Plinio el Viejo, que se basó en Pausanias. También hace referencia a una estatua de Ares, obra de Alcámenes, que fue erigida en el ágora de Atenas, que podría ser el Ares Borghese. Sin embargo, el templo de Ares que menciona no fue trasladado desde el suburbio de Acarnas hasta el ágora hasta tiempos de Augusto, y las otras estatuas que se conoce que derivan de la estatua de Alcámenes muestran al dios en un pectoral, por lo que no es seguro que la estatua de Ares de Alcámenes fuese la que hoy está en el Museo del Louvre.
En Pérgamo se descubrió en el año 1903 una copia helenística de la cabeza de Hermes "Propileo" de Alcámenes. Por otra parte, al estar la deidad representada en un estilo Neo Ático, arcaico y convencional, no se puede confiar mucho en la copia para conseguir información del estilo habitual de Alcámenes, que era casi con certeza un artista progresivo y original.
Probablemente tomó parte en la decoración escultórica del Partenón, bajo la dirección de Fidias, y también se relacionan con su estilo las Cariátides del Erecteion de Atenas.
En 1972 se descubrieron los llamados bronces de Riace en los restos de un naufragio, cerca de la costa de Calabria (Italia). Son dos estatuas de bronce que probablemente representan a Tideo y Anfiarao, dos de los siete contra Tebas que estaban representados en un grupo escultórico del ágora de Argos y que fue obra colectiva de escultores de Atenas y de Argos. Algunos especialistas atribuyen la estatua de Tideo a Agéladas de Argos mientras la de Anfiarao se suele atribuir a Alcámenes, en base a similitudes de estilo con las cabezas de los Centauros del frontón oeste del templo de Zeus en Olimpia.
Se dice que fue el escultor más eminente de Atenas tras la partida de Fidias a Olimpia, pero es un personaje enigmático por el hecho de que ninguna de las esculturas asociadas a su nombre en la literatura clásica están conectadas con certeza a copias existentes.
Alcántara, Andrés Fernando, escultor español (Torredelcampo, Jaén, 1960- )
Se inició en la escultura en talleres de ebanistería y labra de piedra, para luego pasar, como alumno libre, a la Escuela de Bellas Artes de San Fernando de Madrid.
Desde unos inicios expresionistas ha ido evolucionando hacía una escultura primitivista con un tratamiento más tradicional de la escultura y un aumento del repertorio iconográfico, que entiende la obra artística como un objeto de espiritualidad.
Tras participar en los años ochenta en varias Bienales (1986 y 1987 en Madrid), pasó a realizar exposiciones individuales en 1988 en la sala Emilio Navarro de Madrid y la Galería Término; en 1990 expuso en las Salas Provinciales de Exposición y Palacio Provincial de Jaén, y en 1994 en la Casa de la Entrevista de Alcalá de Henares.
Alcántara es uno de los pocos escultores españoles que todavía realiza la talla directa. Ha realizado diversas exposiciones individuales, principalmente en España, Francia, Portugal y China. También ha participado en muestras colectivas que se han desarrollado en distintos lugares tales como Madrid, Murcia, Barcelona, París, Alcalá de Henares, Amberes o Lisboa. Tras participar en varias Bienales de Madrid, sus obras han estado expuestas en diversas galerías y salones nacionales y extranjeros tales como: Galería E. Navarro de Madrid, Cuartel del Conde-Duque (Madrid), Salas Provinciales de Exposición y Palacio Provincial de Jaén, Galería São Bento Lisboa, Galería Antonio Prates Lisboa, Galería la Fenêtre París, Museo Real de Bellas Artes de Amberes, Shanghai Sculpture Space (Shanghái, China), etc. Desde unos inicios expresionistas ha ido evolucionando hacía una escultura primitivista con un tratamiento más tradicional de la escultura y un aumento del repertorio iconográfico, que entiende la obra artística como un objeto de espiritualidad.
Aunque siempre ha sido más conocida su faceta como escultor, su contacto con la pintura y los grabados ha sido realmente fructífero y muestra de ello fue la exposición de retratos "Cervantes y Don Quijote", que conmemoró el IV Centenario de la publicación de Don Quijote de la Mancha de Miguel de Cervantes en 2005.
Fue discípulo de Diego de Siloé. Trabajó en la catedral de Granada, y sustituyó, a partir de 1528, las ausencias cada vez más prolongadas de Enrique Egas. Trazó las portadas de Santa Ana (1542), tal vez su obra maestra, y la de San Matías (1543), así como el bello patio de la Curia Eclesiástica (1534) y un pilar -hoy desaparecido- para el llamado Campo del Rey, hoy Campo del Príncipe, que quizás fue su primera obra.
Alcañiz, Miquel, pintor español (?, c. 1408-?, 1486)
Fue un pintor gótico valenciano del siglo XV, del llamado estilo internacional. Hasta su identificación, sus obras se atribuían a un maestro anónimo denominado Maestro de Gil y Pujades: los murales desaparecidos de la capilla mayor de la Catedral de Valencia (1432), un Retablo de la Santa Cruz3 conservado en el Museo de Bellas Artes de Valencia y las tablas laterales de un Retablo de San Miguel conservado en el Musée des Beaux-Arts de Lyon (datado ca. 1421).4
Se relacionó con Francesc Serra y quizá también con Marçal de Sax. Probablemente estuvo en Florencia en 1422, donde se le puede identificar con el llamado Maestro del Bambino Vispo (aunque existen otras identificaciones de este maestro anónimo -Pietro di Domenico da Montepulciano, Parri Spinelli y Gherardo Starnina).
Alcazaba
La alcazaba (del árabe al-qaṣbah «la ciudadela») era una construcción o recinto fortificado de carácter urbano, cuya función era servir de residencia a un gobernador para defender presumiblemente un lugar determinado y sus contornos, albergando una guarnición que, con frecuencia, conformaba un pequeño barrio militar con viviendas y servicios, constituyendo una ciudadela. Solían estar asociadas a un alcázar o castillo situado en uno de sus extremos, aunque este era independiente de la propia alcazaba y del resto de la ciudad, y en caso de asedio, las poblaciones de los núcleos urbanos donde se asentaban, buscaban refugio tras las murallas de dichas alcazabas.
La alcazaba es, fundamentalmente, una palabra de origen árabe que hace alusión a un tipo de ciudadela fortificada con murallas o baluartes, que difiere del castillo por presentar en su interior una medina. Ksar o ksour (en plural qsur) es el término en árabe magrebí del norte de África para "fortaleza" o "castillo". Es un término que seguramente se origina como préstamo de la palabra en latín castrum. 'Qasr' (palacio-fortificado), una variación de este término, se utiliza para designar un "palacio" o "castillo" en Siria, Jordania y otros países. En al-Ándalus, entre los siglos viii y xv, se construyeron un gran número de alcazabas, como las de: Badajoz (la más grande de Europa, y de las más extensas del mundo en su género y época, Granada, la de Almería (con una de las ciudadelas mejor conservadas y la segunda más extensa de la península), Alcalá la Real, Silves, Antequera, Jaén, Guadix, Loja, Lorca, Tudela, Requena, Calatayud, Mérida y otros lugares. Las alcazabas eran un sistema defensivo tanto frente a enemigos externos como frente a las propias sublevaciones internas y aseguraban una resistencia prolongada, incluso en el caso de caída de la ciudad que protegían.
De las conservadas del periodo andalusí, el ejemplo más destacado es la Alcazaba de Málaga, que, según el arquitecto restaurador Leopoldo Torres Balbás, es el prototipo de la arquitectura militar del periodo taifa, siglo xi, con un doble recinto amurallado y gran cantidad de fortificaciones, siendo su único paralelo el castillo del Crac de los Caballeros (Krac des Chevaliers, Krak des Chevaliers, Fortaleza de los Caballeros), fortaleza levantada en Siria por los Cruzados entre los siglos xii y xiii.
También se encuentran alcazabas (Kasbah) en el norte de África, como la fortaleza de los Uidaya en Rabat (Marruecos), la de la ciudad de Túnez (Túnez) o las de Argel y Orán, siglos xvii-xviii (Argelia). Sin olvidar las fortificaciones militares en la parte de Europa Oriental.
No hay conquista de ciudad notable entre los musulmanes en la que no se haga mención de la alcazaba como sitio donde se hallaba depositado el tesoro de la ciudad. Durante la lucha que los Reinos Cristianos sostuvieron contra los Reinos Musulmanes en la península ibérica, hallamos menciones a las Alcazabas en todos aquellos núcleos importantes conquistados por los cristianos. Córdoba, Badajoz, Sevilla, Valencia, Zaragoza, Málaga, Granada o Silves , entre otras, poseían esta clase de fortificaciones, y aun en África, en la conquista de Orán por el cardenal Cisneros o en la conquista de Túnez por el emperador Carlos V, se dice que los fuertes que fueron conquistados por los sitiadores fueron sus Alcazabas. En la campaña de Túnez refiere el cronista Sandoval: “El Emperador se trasladó, en el instante en que le fue entregada la Alcazaba de la ciudad, donde estaban los tesoros del rey Hacem, entre los cuales se contaban una grande y rica librería, cuyas encuadernaciones y viñetas eran de oro y azul que valían una suma exorbitante, una botica o colección escogida de olores y perfumes y a más de colores preciosos como grana, azul o Alaxuri, lo cual sintió sobremanera aquel Príncipe.”
En el siglo xix, al conquistar los franceses, mandados por el mariscal Bonrmont, la ciudad y territorio de Argel, uno de los fuertes cuyas llaves se entregaron en señal de vasallaje fue el de la Alcazaba, fundada en el siglo xvii. El último rey de Argel, Hiissem Bajá, temiendo la suerte trágica que habían tenido los más de sus predecesores, abandonó el primitivo palacio donde aquellos siempre habían residido y se encerró junto con sus mujeres y tesoros en la Alcazaba, de cuya posición hizo una fortaleza erizada de cañones, prohibiendo aproximarse a ella aun a la misma milicia turca. Los franceses entraron en Argel el 4 de julio de 1850 y al día siguiente por la mañana ocuparon aquella fortaleza que ya había abandonado el rey. Las llaves particulares de las puertas donde estaban hacinadas las riquezas fueron entregadas por el Khamodar a una comisión nombrada por el mariscal que formalizó el inventario de todas ellas.
Alchi, monasterio de
Monasterio budista de Alchi, situado en la actualidad en la región de Ladakh, en el estado indio de Jammu y Cachemira, que se puede enclavar por su historia y su cultura dentro del área de Tíbet. Fue construido en el siglo XI y guarda en su interior pinturas murales e imágenes de culto realizadas en estuco que constituyen una de las obras más importantes del arte lamaísta.
Su fundación data de la época de la segunda difusión del budismo tibetano (siglos X-XIII), cuando se inicia la recuperación de Tíbet en la que van a jugar un papel fundamental los nobles de la zona occidental, donde se encuentra Ladakh. Su construcción fue sufragada por monjes de una familia noble, relacionada con la dinastía reinante, y muy posiblemente está en relación con la figura de Rinchen Zangpo (858-1055), uno de los maestros indios responsables de la segunda difusión del Budismo Vajrayana y que traería a Tíbet artistas procedentes de Cachemira, que es la influencia artística predominante en los murales del monasterio.
En la época de su fundación pertenece a la orden Kadampa, aunque en la actualidad los monjes que se ocupan del mantenimiento del monasterio pertenecen a la orden Gelukpa.
Se trata de un conjunto de edificios que, como es habitual en la arquitectura tibetana, tienen forma cúbica y tejado plano, y presentan al exterior un aspecto muy austero. Estos edificios (el Dukhang o lugar de reunión y tres templos más) se conciben, como también es habitual en este tipo de arquitectura, a modo de relicarios y se encuentran completamente cubiertos en su interior de pinturas murales, que a su vez crean un espacio en el que se sitúan las imágenes de culto. Éstas son grandes esculturas realizadas en estuco y policromadas.
Las pinturas murales del monasterio de Alchi
Las pinturas murales son sin duda la manifestación artística más importante del monasterio de Alchi en Ladakh, y una de las obras maestras del arte lamaísta. Fueron realizadas en un período que va del siglo XI al XIII. Aunque forman un conjunto estilístico y responden a un programa iconográfico, su distribución en las paredes se hace en registros, como si se tratará de varios thanka superpuestos. En estas pinturas predomina la figura humana y animal, y aparecen con frecuencia elementos y personajes exóticos que muestran el carácter cosmopolita de Tíbet en el momento de la construcción del monasterio. Lo que se representa es un mundo espiritual en el cual no hay referencias al espacio (no existe profundidad), ni al tiempo (no se emplea el contraste de luz y sombra). En general se emplean colores planos, a veces con el aspecto brillante de los esmaltes, y toda la composición se convierte en un diseño abstracto de formas y colores, en la que sólo percibimos los detalles si la observamos de cerca.
Monasterio Alchi Gompa o Alchi es un monasterio budista, conocido más como un complejo monástico (chos-'khor) de templos en Alchi aldea en el distrito de Leh , del estado de la India bajo la colina de Ladakh Autónoma del Consejo de Desarrollo de Jammu y Cachemira . El complejo se compone de cuatro asentamientos separados en la aldea en la parte inferior Alchi región de Ladakh, con los monumentos datan de diferentes períodos. De estos cuatro caseríos, el monasterio de Alchi se dice que es el más antiguo y más famoso. Es administrado por el Monasterio Likir.
Alchi es también parte de los tres pueblos (todos en la parte baja de Ladakh región) que constituyen el "grupo de Alchi de los monumentos", las otras dos aldeas adyacentes Alchi son Mangyu y Sumda Chun (ahora en Zanskar distrito). Los monumentos en estos tres pueblos se dice que es de "estilo único y mano de obra", pero el complejo monástico Alchi es la más conocida.
El complejo del monasterio fue construido, según la tradición local, por el gran traductor de Guru Rinchen Zangpo entre 958 y 1055. Sin embargo, las inscripciones en los monumentos conservados se la atribuyen a un noble llamado Kal-tibetanos dan Shes-rab más tarde en el siglo 11. Dukhang o Salón de la Asamblea y el Templo Principal (gTsug-lag-Khang), que es un templo de tres pisos llamados Sumtseg (gsum-brtsegs), están construidos al estilo de Cachemira como se ve en muchos monasterios;. el tercer templo que se llama el Templo Manjushri ('Jam-DPAL lha-Khang) Chortens son también una parte importante de la el complejo.
Los detalles artísticos y espirituales de tanto el budismo y el hindú los reyes de ese tiempo en Cachemira se reflejan en las pinturas murales en el monasterio. Estas son algunas de las más antiguas pinturas que se conservan en Ladakh. El complejo también cuenta con enormes estatuas de Buda y las tallas elaboradas de madera y el arte con el trabajo comparables a los del estilo barroco. Shakti Maira ha explicado claramente la belleza de este pequeño monasterio.
Historia
La historia de los monumentos en el complejo de Alchi y en las otras dos aldeas en el grupo de Alchi no es preciso, a pesar de las muchas inscripciones y textos que aparecen en las paredes.
Tradicionalmente, la creación del complejo de Alchi se atribuye al famoso erudito y traductor Rinchen Zangpo (958-1055) en el siglo 10, junto con el monasterio de Lamayuru , el Wanla, el gyu Mang y la Sumda. Durante el siglo X, la tibetana Yeshe Od Rey de Guge , con el fin de difundir el budismo en el Trans región del Himalaya, tomó la iniciativa mediante la asignación de 21 académicos de la región. Sin embargo, debido a las duras condiciones climáticas y topográficas, sólo dos sobrevivieron, uno de ellos el estudioso y traductor estima Rinchen Zangpo que estableció la actividad budista en la región de Ladakh, y en otras zonas de la India como en Himachal Pradesh y Sikkim . Durante su estancia allí, él también fue a los países vecinos de Nepal , Bután y Tíbet. Zangpo llegó a ser conocido por el epíteto de "Lohtsawa" o la "gran traductor", se le atribuye la construcción de 108 monasterios en la región del Trans-Himalaya en su intento de difundir el budismo. Se institucionalizó el budismo en la región, estos monasterios se consideran la base del Vajrayana del budismo tibetano (también conocido como lamaísmo ). Zangpo comprometido Cachemira artistas para crear pinturas murales y esculturas en las legendarias 108 monasterios;. sólo unos pocos de ellos han sobrevivido, con el complejo de monasterio en Ladakh Alchi tener un lugar de honor entre todos los monasterios que él construyó
Desde los monasterios de este periodo no pertenecían a ninguna de las establecidas escuelas tibetanas, que fueron llevados inicialmente bajo el control de la Kadampa orden. Cuando la condición de los monasterios deteriorado, que fueron tomadas en su mayoría por el Gelukpa orden, con la excepción de Lamayuru que se colocó bajo la sección Drigunkpa. Después de culto en el monasterio de Alchi cesado por alguna razón en el siglo XV, también se convirtió en la secta Gelugpa controlado desde Likir.
Camino a Alchi
Alchi se encuentra en la orilla sur del río Indo, a una altitud de 3.100 metros (10.200 pies) y 65 kilómetros (40 millas) fuera de Leh (al oeste). Leh está conectada por vía aérea desde Nueva Delhi . El enfoque de camino a Leh comienza en Manali , una ruta que es accesible a partir de mayo o junio a octubre, dependiendo de las condiciones de la nieve caída en el valle. El pueblo se encuentra en la zona de sombra de gran altura la lluvia de Ladakh. Se establece en cuatro asentamientos en las riberas de un afluente del río Indo. El conjunto monástico está separado de los otros núcleos de población.
Estructuras
El complejo del monasterio tiene tres santuarios principales: la Dukhang (Salón de Actos), Sumtseg y el Templo de Manjushri , todos los que datan de entre los 13 primeros siglos 12 y principios. Chortens son también una parte importante del complejo. Además, el complejo de Alchi tiene dos otros templos importantes, el templo del traductor llamado "Lotsabha Lakhang 'y un nuevo templo llamado el" Lakhang Soma ". Esta colección de cuatro pequeños santuarios en la aldea Alchi ha sido descrito por el Hindú : como una joya de colores y formas que es tan absolutamente hermosa que el estado normal de la disnea en esta altura se convierte en un suspiro profundo.
Los detalles artísticos y espirituales de tanto el budismo y el hindú los reyes de ese tiempo en Cachemira se reflejan en las pinturas murales en el complejo del monasterio. Estas son algunas de las más antiguas pinturas que se conservan en Ladakh. El complejo también cuenta con enormes estatuas de Buda y de "tallas de madera de lujo y el arte con el trabajo -. Casi de estilo barroco". Shakti Maira explica claramente la belleza de este pequeño monasterio como "estilísticamente hizo en una mezcla ecléctica de tibetanos y Cachemira caras y ropa ".
Dukhang
Dukhang o el Salón de la Asamblea está en el corazón del complejo del monasterio, donde los monjes realizan el culto y ceremonias. Es grande y antigua, y el marco original de la puerta de madera se conserva. Varias adiciones se hicieron a la antigua estructura durante los siglos 12 y 13. La galería porticada conduce a la sala de un patio delantero y los frescos de mil Budas son representados en el pasillo. La Rueda de la Vida y la Mahakal se puede ver en la puerta exterior. Las paredes de la Dukhang, dedicados a Panch Tathagatas , están pintadas con seis diferentes mandalas que rodean la Vairochana , la principal deidad adorada en la sala. Los mandalas se establecen entre las pinturas de muchos Budas, Bodhisattvas, diosas, divinidades feroces y tutores de Dharma , así como divinidades menores.
Sumtseg
El Sumtseg Alchi en el complejo de Alchi es uno de los más destacados, pero su propósito no se ha establecido con claridad. El Sumtseg (gsum-brtsegs), un edificio de pisos de tres, aunque pequeña, fue construida con barro y piedra natural (que se refleja en el suave exterior) en la tradición tibetana edificio. Sin embargo, las columnas de carpintería exuberante, fachadas, paredes, imágenes de barro y pinturas en el interior del monasterio fueron realizadas por artistas de Cachemira. El lugar sagrado en la planta baja y primer piso mide 5,4 metros (18 pies) x5.8 metros (19 pies) con los nichos de 2.10 a 2.70 metros (6.90 a 8.9a metros) de ancho y 4 metros (13 pies) de altura (nichos en la pared principal son de mayor tamaño vis-á-vis de las paredes laterales). Los nichos de describir las imágenes principales de tres Bodhisattvas (todos en la postura de pie y cerca de 4 metros (13 pies) de altura) y sus deidades asociadas secundarias (cuatro en cada nicho) con dos diosas de vuelo en cada nicho. A excepción de la puerta principal de madera en la planta superior, que está en ruinas, el resto de la Sumtseg está bien conservada en su forma original, como se construyó en el siglo 13. En la segunda planta del edificio está más en forma de un balcón con una linterna de montaje. Imagen de Maitreya, el más grande en tamaño (4,63 metros (15,2 pies)), es divinizado en la pared trasera y flanqueado por las imágenes de Avalokiteshwara a su derecha y Manjushri a su izquierda. Un aspecto interesante de los ropajes elegantes ( dhotis ) usado por los dioses es la visualización de los diferentes temas impresos en los patrones de textiles diferentes; dhoti Maitreya describe la vida de Buda, dhoti del Avlokiteshwara muestra los lugares santos y los palacios reales y dhoti Manyhushri tiene adeptos (de 84 Mahasiddhas ) impreso en ella. Iconográficamente, las deidades tienen una sola cabeza con cuatro brazos, pero interpretado de manera diferente. Cada deidad se identifica a otro Buda. Maitreya tiene una corona de cinco Buddha representa Vairochana . La corona Avalokiteshwara representa Amitabha y la corona de Manyhushri representa Akshobhya . Una inscripción en los estados principales nichos que las tres imágenes son relicarios que representan el cuerpo, el habla y la mente-en comparación con los tres cuerpos de Buda, es decir, Maitreya que denotan el cuerpo de Buda de la realidad, que representa el rapto Avolokiteshwara puro y representa el cuerpo de emanación de Manjushri. En términos simples, que representan los conceptos budistas de compasión, esperanza y sabiduría.
Además, la descripción de la vida de Buda en las impresiones textiles en el dhoti es una representación única del ciclo de la vida de Buda que se organiza en una secuencia inversa. Es en forma de medallón pintado de rojo, con cada medallón de medir 15 centímetros (5,9 pulgadas) sobre un fondo azul. 48 escenas que representan a 41 episodios con cinco escenas de predicación y dos escenas de punarnirvana - todos están dispuestos en secuencia predeterminada que representa a los acontecimientos en la vida de Buda entre el último viaje en el Tushita el cielo y el primer sermón en Sarnath.
Citas de la Sumtseg se ha hecho sobre la base de los nombres de los sacerdotes inscritos en el piso superior de la estructura. El último nombre inscrito es el de la Drigungpa escuela de Drigungpa o Gonpo Jigten (1143-1217) del que se infiere que Sumsteg se estableció en el siglo 13.
Templo Manjushri
Desde diversos análisis de la iconografía del templo en comparación con el de la Sumtseg y Sumda salón de actos, se ha deducido que el templo data de alrededor de 1225 d. de J.C. Manjushri templo, también llamado 'Jampe Lhakhang', se basa en la cuatro imágenes centrales de Manjushri (sentados espalda con espalda) se ven en una plataforma común que es de 5,7 metros (19 pies) cuadrados. Cuatro pilares conforman el recinto de las imágenes, los pilares son compatibles con atirantados conectado al techo de madera pintada. Las pinturas del techo de madera son similares a los de la Sumtseg y los dos chortens, pero sin refinar son. Situado cerca del río Indo, el templo no está bien conservado a excepción de las tallas de madera en las puertas y los pilares. El templo Lotsaba a su lado izquierdo es una adición posterior. Las imágenes son Manjushri en un pedestal común (85 centímetros (33 pulgadas) de altura), pintado recientemente para ofrecer un panorama general de miedo ya que los rollos de la decoración se derivan de las colas de Makara rodeado de imágenes de animales, dioses y símbolos. El color normal atribuido a Manjushri imágenes es de color naranja, pero en este templo que se representan con colores diferentes.
Cada una de las cuatro imágenes es de una sola cabeza con cuatro brazos que se adornan con una espada, un libro en la parte superior de un loto, un arco y una flecha. Cada pared de la capilla está dedicada a una imagen de Buda. Manjushri se representa en la pared principal, sentado en un trono de leones, las paredes laterales tienen imágenes de Amitabha de la derecha y Aksharabhya a la izquierda. Las imágenes se encuentran alrededor de la imagen central de Manjushri en un nicho en la pared. Manjushri se adorna con joyas (perlas y otras formas moldeadas) y una corona hecha de una banda de la flor. En la base del trono en el que la imagen de Manjushri es deificado, es una representación de los Siete Joyas y Ocho Símbolos sospechosos '(flanqueada por leones) encerrados en un cuadrado que es distintivo.
Alcímaco, pintor griego (s. IV a de J.C )
Se cree que fue contemporáneo de Alejandro el Grande. Es autor de un cuadro, citado por Plinio, en que representa al Ateniense Dioxipo, completamente desnudo, alcanzando la victoria, en los juegos olímpicos, sobre un Macedonio, cubierto con su armadura.
Alcina Franch, José, arqueólogo y antropólogo español (Valencia, 1922 - 2001).
Fue uno de los investigadores más destacados en el estudio del poblamiento humano de América. Ocupó el puesto de director del Departamento de Antropología y Etnología de América de la Universidad Complutense de Madrid, así como la cátedra emérita de Antropología Americana de la mencionada universidad.
Obras suyas son: Floresta literaria de la América indígena (1957); Fuentes indígenas de México (1956); Manual de arqueología americana (1965); Origen transatlántico de la cultura indígena de América (1969); Arqueología antropológica en España (1975); L'Art Précolombien (1978); Arte y Antropología (1982).
Alcolea, Carlos García, pintor español (La Coruña, 1949 - Madrid, 1992)
Su pintura, bajo la influencia de Luis Gordillo, se sitúa en el movimiento figurativo. En 1980 expuso en el Museo de Arte Contemporáneo de Madrid y en 1989 presentó la obra Finisterre en el IX salón de los 16.
Carlos García Alcolea nace en La Coruña en 1949 en el seno de una familia acomodada que tiene seis hijos, vive desde niño un ambiente cultural, con gran afición a la música, que auspicia su tío, el crítico Fernández Cid, quien le presentará al compositor y director Ataúlfo Argenta. La profesión paterna lleva a la familia a Cádiz, donde el futuro pintor inicia sus estudios. Una grave enfermedad le obliga a permanecer largo tiempo en cama, que aprovecha para leer incansablemente a los grandes autores. En 1967 se instala en Madrid, para cursar la carrera de Derecho, y ve las primeras pinturas informalistas en la galería de Juana Mordó. Un año más tarde pinta su primer cuadro, entre el expresionismo y el abstracto. Pasa el verano en Bretaña y visita París, interesándose más por la pintura. Conoce al pintor Luis Gordillo, asiste asiduamente al teatro y hace sus primeros "collages". Lee repetidamente a Marx, se interesa por Genet y visita la exposición de Giacometti en París.
En 1970 pinta "Piscina", tema recurrente en su obra. Es lector incansable de monografías de arte. En 1971 realiza en Madrid su primera exposición individual. Hace amistad con Guillermo Pérez Villalta y otros pintores jóvenes. Trabaja con Juan Manuel Bonet, después director del IVAM de Valencia y del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía. Participa en diversas muestras colectivas, y a finales de 1974 viaja a Nueva York, donde permanece algún tiempo. A su regreso expone con su colega Carlos France en Madrid.
Viaja a Buenos Aires en 1976, y al año siguiente retorna a París, con motivo de la inauguración del Centro Pompidou. En 1978 está en Italia, donde asiste a festivales de música y visita la Bienal de Venecia.
Han proseguido sus exposiciones individuales, hasta que en el año 1980 tiene el reconocimiento de una retrospectiva en el Museo de Arte Contemporáneo de Madrid de Madrid. Publica el libro "Aprender a Nadar". Expone en Canarias y en Murcia. Bonet escribe textos sobre la pintura de este sorprendente artista. Continúa viajando por medio mundo y leyendo incansablemente literatura marxista y psiquiátrica. Le mima la crítica más exigente y es un personaje destacado en ambientes artísticos de élite.
En 1989 pinta su cuadro "Finisterre", único en su obra relacionado con su ciudad natal. Se editan carpetas y libros con sus dibujos. Su insuficiencia respiratoria se agrava. En septiembre de 1992 es ingresado en una clínica madrileña, con una complicación hepática. Fallece el día 20 de dicho mes, sin llegar a cumplir los 45 años. A título póstumo recibirá el Premio Nacional de Artes Plásticas, pocos días después de su entierro.
Su fama crece extraordinariamente. Museos y colecciones importantes se disputan su escasa obra. El Museo Nacional Centro Reina Sofía le dedica una exposición antológica en 1998, y otra, al final de este mismo año, el Centro Galego de Arte Contemporánea, en Compostela. La galería VGO de Vigo acoge una breve muestra de Alcolea en 2001. También la fundación Argentaria le incluye en su colectiva "El color de las Vanguardias".
Alcolea es un artista difícilmente calificable. De raíz expresionista, sintetiza el barroquismo de ese movimiento eminentemente germano en una pintura casi plana, deliberadamente desmañada, cargada de ironía. Cierto geometrismo preside sus composiciones, a veces por completo informalistas y siempre intensamente abstractivas.
Absorbe peculiaridades de múltiples pintores, comenzando por su amigo Luis Gordillo, y al fin hace suyo cuanto coge. No es rara la alusión al "comic". Amplias zonas uniformes, contrastantes, en verdes, azules, amarillos, perfectamente recortadas como si fuera un "collage", aparecen en sus cuadros, con frecuencia de gran formato. Líneas mórbidas, caprichosas, se inscriben en fondos neutros.
Alcolea, Martín de, platero español (1731 - 1810)
Sus principales y más conocidas obras son las piezas que realizó para la Real Botica del Rey, aunque es muy probable que éstas no fueran sus últimas obras y que su actividad se prolongara todavía durante algún tiempo.
La marca personal con la que se reconocen sus obras se representa sólo con el apellido en dos renglones y en letras capitales: ALCO/LEA.
Alcolea, Santiago, historiador del arte español (Falset, 1919 – Barcelona, 2008)
Se especializó en arte catalán.
Cursó sus estudios de historia en la Universidad de Barcelona e hizo el doctorado en Madrid. Colaborador desde joven de Josep Gudiol, fue profesor de la Universidad de Barcelona, donde fundó el primer departamento de Historia del Arte en una universidad catalana. Destacan sus contribuciones a las series Ars Hispaniae e Historia del Arte de la editorial Carroggio. Escribió monografías sobre grandes figuras del arte español, y en sus últimos años presidió el Patronato del Instituto Amatller de Arte Hispánico, al que estuvo estrechamente vinculado durante medio siglo. Su aportación más notable como investigador fue el conocimiento documental detallado de la pintura catalana del siglo xviii. En 2006 recibió la Cruz de San Jorge de la Generalidad de Cataluña. Fue miembro honorífico de la Real Academia Catalana de Bellas Artes de San Jorge.
Obras suyas son: Guías artísticas de España (capítulos dedicados a la pintura catalana [1500-1850] de la Historia de la pintura en Cataluña), La pintura en Barcelona en el siglo XVIII, Campanarios de España (1976), Història de l'Art Català (1983) (en catalán), El Greco (1991), Catalunya-Europa. L'art català dins Europa (2003) (en catalán).
Alcorlo Barrero, Manuel, pintor, grabador y dibujante español (Madrid, 1935- )
Estudió en la Escuela de Artes y Oficios de Madrid, así como en la Escuela de Cerámica de la Moncloa, antes de ingresar, en 1953, en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando de Madrid. Ese mismo año recibió los premios Carmen del Río y Sotomayor. Posee además el premio Alcántara del Círculo de Bellas Artes y Rodríguez Acosta. En 1960 obtuvo una plaza de pensionado en la Academia de España en Roma, donde residió hasta 1964.
En su obra predomina el uso del color distribuido en masas sólidas, pesadas y fijas que construyen un espacio cerrado. Conforma así una pintura figurativa de atmósfera surrealista, de carácter expresionista y tono satírico, pero con una intención más compasiva que hiriente.
Junto con el grabador Dimitri Papagueorgiu creó la Colección de Artistas Grabadores Españoles, denominada "Boj".
No hay comentarios:
Publicar un comentario