De Balbás, Jerónimo de a Baldovinetti, Alessio

Balbás, Jerónimo de, arquitecto y escultor español (Zamora, 1673 - Ciudad de México, 1748) 

Fue el introductor de uno de los elementos más característicos del barroco mexicano: el estípite.

Se sabe poco de sus inicios, aunque se cree que nació en Zamora (Castilla y León) durante el segundo tercio del siglo XVII y que se formó con José de Churriguera. Es un artista muy avanzado en las formas escenográficas, tal y como muestran las complejas estructuras de sus retablos.

A principios del siglo XVIII se trasladó a Madrid y más tarde a Sevilla, donde realizó el suntuoso retablo del Sagrario de la Catedral hispalense, llamado Furibunda Fantasía, destruido por el cabildo en 1824,2​ del cual solo se salvó de la destrucción la escultura de San Clemente que remata el retablo principal.2​ En 1715 realizó el diseño de la sillería de la iglesia de iglesia de San Juan Bautista en Marchena. también se le atribuye la autoría del retablo de la Capilla Sacramental de la iglesia de San Isidoro de Sevilla a expensas de la Hermandad de las tres caídas allí radicada, realizado en 1702.

Posteriormente viajó a la Nueva España y en 1718 comenzó a trabajar en su obra cumbre, el Retablo de los Reyes de la Catedral Metropolitana de la Ciudad de México.3​ La complejidad de esta pieza tiene su origen en su adecuación a la planta de la capilla. Verticalmente se divide en tres calles separadas por estípites; en la central se disponen dos lienzos de Juan Rodríguez Juárez (la Adoración de los Reyes y la Asunción) y en las laterales se abren varias hornacinas. Como remate de todo el conjunto, Balbás diseñó una media bóveda.

En 1730, se encargó de ajustar y colocar la reja del coro de la Catedral Metropolitana de la Ciudad de México proyectada por Nicolás Rodríguez Juárez, y hecha en Macao.

También fue autor del desaparecido retablo de la capilla de la Orden Tercera del convento de San Francisco de la Ciudad de México en 17323​ y en la Catedral Metropolitana de la Ciudad de México terminó en 1736 el altar mayor o Ciprés —destruido a mediados del siglo XIX— y el altar del perdón —destruido en un incendio el 17 de enero de 1967—.5​ En la misma ciudad dirigió la construcción del Templo de San Fernando hasta su muerte en 1748.

Obras suyas son: el retablo de los reyes de la Catedral Metropolitana de la Ciudad de México Bandera de México, la sillería de la iglesia de San Juan Bautista en Marchena, España Bandera de España, la escultura de San Clemente del retablo principal del Sagrario de Sevilla, España Bandera de España, el retablo de la Capilla Sacramental de la iglesia de San Isidoro de Sevilla, España (atribuido) Bandera de España, el retablo principal de la iglesia de San Agustín de Osuna, España Bandera de España y el retablo de la Iglesia de San Antonio de Padua en Sevilla, España Bandera de España.

Balbuena Fernández, Gustavo, arquitecto y urbanista español (Ribadavia, 1888 – en el mar, 1931)

Desarrolla su actividad profesional especialmente en Madrid.Hijo de militar, estudia el bachillerato en el Instituto Cardenal Cisneros de Madrid, ingresando en 1906 en la Escuela Superior de Arquitectura de la capital, donde obtiene el título de arquitecto en 1914. Dos años más tarde, contrae matrimonio con Asunción Balbuena Alonso. De esta unión nacerían cinco hijos. El último, Leopoldo, recibió el nombre de su padrino, el arquitecto Leopoldo Torres Balbás. En 1931, cuando hacia un crucero a Palma de Mallorca, desapareció en el mar Mediterráneo frente a la Costa de Andraix.

Antes de titularse colabora como topógrafo en el Ayuntamiento de Madrid, y una vez licenciado trabaja de arquitecto municipal en Ribadavia, Orense (1914), así como en el Ministerio de la Gobernación (1914). En 1917, mientras ejerce como arquitecto interino de Hacienda en Lérida, se le encarga por el Ministerio de Instrucción Pública la redacción el Catálogo Monumental y Artístico de Asturias, al que dedica dos años.

También fue arquitecto del Catastro en Zamora (1919). Simultáneamente, realiza trabajos de arquitectura en distintas ciudades como León, Sevilla y Madrid, y participa en el Concurso para el edificio del Círculo de Bellas Artes de Madrid. Su labor más relevante le llega al acceder al puesto de Arquitecto Municipal del Ayuntamiento de Madrid en 1919, y por su colaboración en la Sociedad Central de Arquitectos, SCA, siendo en 1918 el fundador y primer director de la revista “Arquitectura”. En esta doble vertiente se encarga de una serie de actividades entre las que destacan el Proyecto de un gran Parque Lineal, a orillas del río Manzanares, y su participación, como asesor, en el Concurso de Anteproyectos para la urbanización del extrarradio madrileño (1929), o la organización, por encargo de la Sociedad Central de Arquitectos, del X Congreso Nacional de Arquitectura y I de Urbanismo (1926).

La faceta urbanística de Balbuena es la que más ha influido en la historia de Madrid. Su proyecto del Parque Lineal en la zona Sur de Madrid ha sido una constante referencia en el urbanismo madrileño. El trabajo, que nace como parte del no aprobado Plan de Extensión de Madrid del año 1926, lo rescataría después el Ayuntamiento con el fin de llevarlo a cabo. Su sentido de la planificación urbanística es recogido en muchas de las propuestas presentadas por los participantes en el Concurso Internacional para la Extensión de Madrid de 1929, y vuelve a aparecer, prácticamente sin cambios, en el Plan General de Extensión de 1931. Antes y después de la República, incluso pasada la Guerra Civil, las actuaciones urbanísticas cercanas al Manzanares siguieron las directrices marcadas por él.

Fruto de la aprobación en 1924 del Estatuto Municipal organiza, en 1926 y desde la Sociedad Central de Arquitectos, el I Congreso Nacional de Urbanismo. El Congreso, además de analizar el Estatuto, se dedicó a estudiar su repercusión en la vida urbanística del país. Al tiempo y por empeño de su organizador, se examina, por vez primera en España, la realidad urbanística de sus municipios. Las conclusiones del Congreso fueron recogidas por Balbuena en el libro:”Trazado de Ciudades”, que contiene sus ideas sobre el urbanismo, y cómo debe ser enseñado en las Escuelas de Arquitectura, al tiempo que recoge las distintas normas extranjeras sobre la materia y un estudio de la realidad urbanística española. Publicado en 1931, de haber visto la luz en 1926, habría sido el primer libro de urbanismo en castellano. Dentro de su obra arquitectónica destacan el Casino de León (1919) que construye en la misma época que comienza los hoteles del Parque Urbanizado que linda con Serrano, la casa vaquería de Francos Rodríguez (1925), el bloque de casas de Miguel Ángel, 18-24 (1925) y el edificio de Almagro (1928), terminado, como dos de sus mejores viviendas unifamiliares, las de Serrano 132 y la de Valdivia 4, por los arquitectos Sánchez Arcas y Luis Lacasa.

Obras suyas son: Casino de León, León, 1919; viviendas unifamiliares en la calle Pinar n.º 18 y 18 bis, Madrid, 1920; viviendas unifamiliares en la calle Pedro de Valdivia n.º 20 y 22, Madrid, 1923; edificio de viviendas en la calle Serrano n.º. 85, Madrid, 1923; viviendas unifamiliares en la calle Serrano n.º 99 y 101, Madrid, 1925; viviendas unifamiliares en la calle Serrano n.º. 134 y 136, Madrid, 1925; edificio de viviendas en la calle Miguel Ángel n.º 18, 20, 22 y 24, Madrid, 1925; edificio de viviendas en la calle Francos Rodríguez n.º 42, Madrid, 1925; edificio de viviendas en la calle Alberto Boch n.º 3, Madrid, 1926; edificio de viviendas en la calle Conde de Aranda n.º 21, Madrid, 1926; edificio de viviendas en la calle Almagro n.º 5, Madrid, 1928; vivienda unifamiliar en la calle Serrano n.º 132, Madrid, 1928; vivienda unifamiliar en la calle Pedro de Valdivia n.º 4 (des.), Madrid, 1928; casa de viviendas en la calle Andrés Tamayo n.º 10 (des.), Madrid, 1928; fábrica de Automóviles SEFA, (des.), Madrid, 1928.

Balbuena Fernández, Roberto, pintor y arquitecto español (Madrid, 1891 – México, 1966)

Hijo de militar, estudia el Bachillerato en el Instituto Cardenal Cisneros e ingresó en 1905 en la Escuela Superior de Arquitectura de Madrid obteniendo el título, junto a su hermano Gustavo, en 1914. Al terminar la carrera viaja a Roma (1916-1919) pensionado por la Real Academia de Bellas Artes. Con Gustavo comienza el ejercicio de la profesión colaborando en el proyecto al Concurso para el edificio del Círculo de Bellas Artes en Madrid (1919), y levantando diversas viviendas en los Parques Urbanizados del Ensanche de la capital. Al mismo tiempo, publica dibujos y escritos en la revista "Arquitectura", nacida en 1918. Más tarde, consigue la plaza de profesor de Dibujo Geométrico en la Escuela de Artes y Oficios (1923), e imparte clases como auxiliar de proyectos en la Escuela de Arquitectura hasta el inicio de la guerra civil. Estas circunstancias favorecen su alejamiento de la profesión y le permiten dedicar más tiempo a la pintura, su auténtica vocación, a la que se entrega por completo a la muerte de su hermano Gustavo en 1931.

En 1936 fue nombrado Presidente de la Junta Delegada de Incautación y Salvamento del Tesoro Artístico Nacional, cargo al que renuncia al ser nombrado Delegado de Bellas Artes de la Región Centro. Un año más tarde es Secretario de la Subsección de Arte Contemporáneo del Consejo Central de Archivos, Bibliotecas y Tesoro Público y, en 1938, desempeña el puesto de Subdirector del Museo del Prado, en sí Director en funciones, ya que su titular, Pablo Picasso, nunca llegó a tomar posesión del cargo.

El gobierno de la República le nombró comisario para la Exposición Universal de Nueva York de 1939 y Agregado Cultural de la Embajada de España en Suecia. Al finalizar la guerra, emprende el exilio y llega a Francia donde, junto a José Bergamín, organiza la acogida de los exilados españoles en países simpatizantes con la República. En 1939 llegó a México con otra veintena de arquitectos entre los que se encuentran Félix Candela y Ovidio Botella. Con este último funda la empresa constructora TASA (Técnicos Asociados) y tras unos años profesando la docencia y ejerciendo la arquitectura, se dedica de lleno a la pintura. En México llevó a cabo, con éxito, varias exposiciones entre los años 1942 y 1963, y muere cuando preparaba en Madrid una exposición recopilatoria de su extensa obra. En arquitectura también tuvo intervenciones destacadas levantando edificios para almacenes, como los SYR de la capital mexicana y de Monterrey, y residencias en Cuernavaca.

En 1991 se le dedica en Madrid una exposición homenaje. La obra exhibida procedía de la montada en México en marzo del mismo año con motivo del centenario de su nacimiento. En el año 2000 tiene lugar en México la exposición "60 años de Exilio Español" con la obra de Roberto Fernández Balbuena y la de su esposa, la también pintora española, Elvira Gascón. Con Elvira coincidió en la Escuela de Artes y Oficios de Madrid, de la que era profesora desde 1935, y en la Junta Delegada de Incautación, Protección y Salvamento del Tesoro Artístico en la que colaboró como auxiliar técnico desde 1937.

Obras suyas son: Laboratorio, 1910; Bodegón, 1910; Mujer de azul, 1915; Paisaje, 1919; Boceto desnudo, 1920; Paisaje carreta, 1920; La siega, 1920; Pueblo, 1920; Paisaje azul, 1921; Paisaje, 1923; Virgen y dos niños, 1924; Bodegón, 1924; Mujeres, 1925; Pastora de negro, 1925; Desnudo, 1925; Desnudo de espaldas, 1926; Apunte, 1926; Sardineras, 1926; Desnudo Pittsburg, 1926; Paisaje, 1926; Dos desnudos, 1926; Mesa de café, 1927; Autorretrato, 1927; Desnudo, 1927; Bodegón, 1927; En el campo, 1927; Pueblito, 1927; Morucha, 1929; Desnudos luz sombra, 1929; Paisaje ortigas, 1930; Paisaje grieta, 1930; Bodegón mamá, 1931; Desnudo, 1936; Recuerdo de Toledo, 1950; Bodegón, 1955; Bodegón panes y plátanos, 1962; Policromía, 1963; Mediterráneo, 1964; Policromía II, 1963; Policromía IV, 1965; Verduras, 1965.

Balchand, pintor hindú (hacia 1570 – 1650)

Este pintor hindú trabajó en la corte mogola durante los reinados de Albar (1556 – 1605), Jahangir (1605 – 1627) y Shah Jahan (1627– 1650). Fue uno de los pintores más versátiles de la India, especialmente con el último monarca, mostrando una gran habilidad en sus retratos y en sus cuadros de tema histórico. Contribuyó en gran medida a ilustrar la crónica del reinado de Shah Jahan, el Shah Jahan-nana (Royal Library, Windsor). Una de sus obras principales es el retrato ecuestre de Shah Jahan con tres de sus hijos (Victoria and Albert Museum, Londres). Su obra Amantes reales en el crepúsculo (colección privada), fechada c. 1645, con su paisaje brumoso al fondo, es un ejemplo típico de la fase romántica del arte mogol. Las figuras representadas, Shah Shuja y su amante, no están idealizadas: están tratadas con simpatía y algunos detalles, como las pestañas, con sorprendente meticulosidad. 

Balcón

Hueco abierto en el pavimento, con saledizo utilizable y protegido por una barandilla. Suele servir a veces de comunicación exterior entre diferentes habitaciones, llamado entonces balcón corrido. El balcón medieval estaba unido, en ocasiones, a una escalera y protegido por una cubierta en forma de galería. En el renacimiento, el balcón rectangular, con barandilla llena de columnitas, estaba sostenido por mensula con arquitrabes, por cornisas muy salientes y, más tarde por elementos (columnas, pilastras) del portón decorado, situado debajo, con el que constituía un conjunto de gran valor decorativo. En relación asimismo con la estructura del portón, el balcón barroco presenta una gran variedad de formas y ornamentación, planos curvilíneos y barandillas, que a veces son de piedra y otras de hierro. En el s. XIX fueron frecuentes los balcones con barandas de hierro, desde las que se presenciaban los desfiles, cortejos y procesiones. Valiéndose de nuevos materiales que permiten la construcción en cualquier punto del edificio de balcones corridos, carentes de apoyo visible, la arquitectura moderna utiliza estas estructuras en grandes inmuebles, en los que varían los tipos de balcón; en series continuas o alternados, además de cumplir sus funciones prácticas dan movimiento y variedad a la fachada.

Bald, Ken, dibujante de comics estadounidense (New York, 1920 – Mount Arlington, New Jersey, 2019)

El comienzo de la carrera de Ken Bald en el mundo del cómic coincide con el estallido de la Segunda Guerra Mundial. El dibujante Jack Binder lo emplea como asistente y poco después ya dibuja algunas de las colecciones de superhéroes más renombradas del momento: Capitán Marvel y Doc Savage, entre otras. El año 1943 se alista en la Armada y su escuadrón es enviado a combatir contra los militares japoneses al sur del Pacífico. A su regreso, de nuevo en la vida civil, pasará a formar parte de los empleados de la compañía Marvel, donde dibuja aventuras de género romántico y de aventuras, si bien las alterna con adaptaciones de éxitos televisivos, como Doctor Kildare.

Buen conocedor del oficio de dibujante, Bald se ha visto limitado por tener que cumplir encargos de los cuales no era el creador original. Sin embargo, a lo largo de toda su trayectoria es patente una notable capacidad para la realización de historietas.

Obras suyas son: 1941-1943: Captain Battle; Black Owl; Bulletman; Capitán Marvel. 1957-1962: Judd Saxon. 1963: Doctor Kildare.

En 1971, Bald (acreditado como K. Bruce)[6] creó la tira cómica Dark Shadows basada en la serie televisiva Dark Shadows, una telenovela que presentaba a Jonathan Frid como el vampiro Barnabas Collins. Esa tira terminó al año siguiente. Además de dibujar cómics, Bald también trabajó como artista comercial.

Baldacinni, César, escultor francés (Marsella, 1921 – París, 1998)

Hijo de un emigrante italiano casado en Marsella con una francesa fascinada por Miguel Ángel, abandonó los estudios a los 12 años y comenzó a trabajar con su padre. Después se marchó a París y aprendió a soldar todo tipo de chatarra en casa del carrocero que le empleaba, iniciando así su particular visión de la escultura a base de chatarra. 

Comprimía coches, latas, cajas, muebles, somieres, cacerolas, ceniceros o joyas, con los que creaba curiosas esculturas. Esa reivindicación de los residuos le convirtieron en una de las cabezas visibles de los llamados nuevos realistas, al lado de escultores como Arman, Yves Klein o Jean Tinguely. Tras esta etapa de compresiones, inició una nueva de expansiones -realizadas con espuma de poliuretano- y otra de huellas dactilares gigantescas de 12 metros de altura. 

En 1976, como reconocimiento de su popularidad, la industria del cine francesa le encargó la creación de las estatuillas que entrega anualmente la Academia Francesa del Cine a las mejores películas, directores y actores, a imagen de los oscars de Hollywood, y a las que llamaron césares. En 1985 realizó el Centauro, instalado en la Plaza de la Cruz Roja de París, en homenaje al pintor español Pablo Picasso. En 1997 fue galardonado en Japón con el Premio Imperial.

Nació de padre italianos de clase trabajadora en el barrio de la Belle-de-Mai, en Marsella. Estudió en la Escuela de Bellas Artes de Marsella entre 1935 y 1939 y luego en la de París (1943-1948). Comenzó a hacer esculturas soldando restos de metal en 1952. Se ganó un nombre con esculturas de insectos, varias clases de animales y desnudos. Su primera exposición individual se celebró en la Galería Lucien Durand de París en 1954.

Se casó con Rosine y tuvieron una hija, Anna. Falleció en París en diciembre de 1998. Después de su muerte hubo una amplia disputa sobre su testamento entre su viuda e hija, por un lado, y Stéphanie Busuttil, su compañera al tiempo de su muerte, por otro.

Estuvo en primera línea del movimiento Nuevo realismo con sus radicales compresiones (automóviles compactados, metal descartado, o basura), expansiones (esculturas de espuma de poliuretano), y representaciones fantásticas de animales e insectos.

Inicialmente usó metal soldado pero, a partir de 1960 experimentó con "compresiones" realizadas con una máquina hidráulica. Para aplastar y comprimir escogió coches, mezclando elementos de vehículos de diferente color. De esta manera podía controlar la superficie y el esquema de color de la pieza. Más tarde, ese mismo año, se unió a los Nouveaux Réalistes (Nuevos realistas) con Arman, Klein, Martial Raysse, Jean Tinguely, Pierre Restany y otros que encontraron su inspiración en la vida urbana.

A partir de 1965 trabajó con plástico, primero con moldes de plástico de huellas humanas, y luego a partir de 1966 vertiendo poliuretano al que se permitía expandir y solidificar ("expansiones").

Baldaquín

Tipo de dosel, de antiquísimo uso, constituido por un paño tensado por 4 o más soportes verticales. Símbolo de poderío, sobre todo en el Antiguo Oriente, fue luego atribuído a la máxima autoridad político – religiosa. Al uso del baldaquín se vinculó, probablemente, al origen de la cubierta fija del altar, construída casi siempre en mármol o piedra que aparece en las basílicas cristianas desde el s. IV. Este tipo de cubierta, sin embargo, solo recibe el nombre de baldaquín cuando se trata de alguno de los construidos en el renacimiento y en la época barroca, como el de Gian Lorenzo Bernini, en la Basílica de San Pedro en el Vaticano, cuyas formas imitan el movimiento de los baldaquines de tela.

Un tipo de baldaquín fijo se usó también, desde la Edad Media hasta el s. XIX, como cubierta del techo. Hasta el renacimiento tuvo la finalidad funcional de aislado del ambiente circundante, sobre todo para conservar el calor de su interior; luego se convirtió en mero elemento ornamental. El baldaquín movible, de tela de lino o de seda, se introdujo en la lltúrgia cristiana, utilizándose en las procesiones y ceremonias solemnes; paso luego al privilegio papal, a partir del s. XIV, y en el renacimiento lo adoptaron también principes y gobernantes.

Un tipo de baldaquín fijo, con cortinas, que se uso desde la Edad media, como cubierta del trono y, en las moradas de los nobles, del lecho, presentaba, en la parte superior (en los s. VII y VIII) una forma circular con molduras ricamente adornadas y talladas, de las que descendían cortinajes, casi siempre de color púrpura o adamascados. Hoy día, exceptuadno algunas muestras de gusto por lo antiguo, el uso del baldaquín solo sobrevive en las ceremonias religiosas.

En la Iglesia de Santa Isabel de Marburgo (en Alemania) hay un ejemplo notabilísimo de baldaquín que cuelga del techo, que tiene bellísimos motivos florales.

Baldaquino

Palio a modo de pabellón o templete, formado generalmente por un dosel que descansa sobre cuatro columnas, y sirve para cubrir un altar o una tumba. Tiene una finalidad simbólica ya que pretende dignificar a la persona enterrada bajo él, o resaltar la función que bajo él se realice.

En las primeras basílicas cristianas se denominó cimborrio y su misión era proteger la mesa sagrada y a los ministros celebrantes del polvo y la suciedad que se desprendía de las techumbres de madera. El más conocido de esta época, por lo suntuoso, fue el que Constantino construyó para la catedral de Letrán. Este mismo nombre sirvió para designar una especie de templete que en estos templos cubría el tabernáculo o sagrario.

La palabra baldaquino proviene de Baldac, que es el nombre con que se conocía Bagdad durante el Medievo, ya que es de esta ciudad de donde se traían las sedas con las que se confeccionaba el dosel o parte superior del palio, que sustituía el ciborio de piedra o madera en aquellos templos donde el obispo celebraba misa y no lo tenían. También era común que las cátedras episcopales tuvieran un dosel unido por uno de los lados al respaldo del trono. 

Actualmente no es obligatorio el uso del baldaquino para las celebraciones de las autoridades eclesiásticas. Sólo tiene sentido su uso en ceremonias al aire libre como las que realiza el Papa en la plaza de San Pedro del Vaticano o en sus viajes.

El baldaquino más famoso es el que Bernini realizó para la basílica de San Pedro del Vaticano entre 1624 y 1634, con motivo de las obras de ampliación del templo. Encargado de la decoración del interior, destaca su labor en el crucero donde planteó un conjunto escultórico y arquitectónico dominado por el gran baldaquino que colocó en el eje vertical de la cúpula y cuyas enormes proporciones, 30 metros de altura, y potencia formal y plástica lo han convertido en un hito en la arquitectura del barroco. Sobre una planta cuadrada colocó cuatro columnas salomónicas de orden gigante. El primer tercio de su altura se decoró con estrías que acompañan la espiral de la columna; los otros dos tienen motivos vegetales con hojas de laurel y racimos de uvas; el entablamento también se sale de los rígidos cánones renacentistas presentando curvas y contracurvas que se asemejan al dosel de un palio, con borlones que parece que se están moviendo y cuyo remate son cuatro ángeles, en las esquinas, con trompetas y, en el centro, la bola del mundo con la cruz encima. El material utilizado fue el bronce, cuyo color oscuro contrasta con el mármol blanco de las pilastras. Esto provoca un efecto pictórico que, unido al dinamismo de las formas y al movimiento espacial, dan al conjunto una gran armonía. Con esta obra, la maestría de Bernini mostró cómo se puede convertir un elemento decorativo en una obra de arte que sintetiza todo un estilo artístico.

Baldessari, John Anthony, pintor y fotógrafo estadounidense (National City, California, 1931 – Venice, California; 2020)

Fue un artista estadounidense que se inició como pintor para luego evolucionar incorporando textos y fotografías (encontradas y apropiadas). Usó el vídeo y diseñó instalaciones que forman parte de sus representaciones. Su obra encuadraba en el arte conceptual (surgido a fines de los años 1960) debe sus orígenes al simbolismo y sus herederos: el dadaísmo y el surrealismo.

Admirador de Marcel Duchamp (Un cuadro de alquiler mal colgado, 1971. Obra que se asemeja al Desnudo bajando la escalera de Duchamp) y del músico John Cage e interesado en la actividad de Jasper Johns y Andy Warhol; reflexionó sobre los nuevos procedimientos que se devenían. Esto lo manifestó el 24 de julio de 1970 con "Cremation Project" donde quemó todas sus obras pasadas con el fin de indagar sobre la real acción del arte que dominaba su época. Sus dudas sobre el lenguaje de la imagen le hacen renacer como artista acuñando la frase: “I Will Not Make Any More Boring Art” en 1971. A partir de aquí su meta fue descontentar al público y a menudo se tilda a su obra de humorista, no siendo este su objetivo. Se compara a sí mismo con Cervantes y Goya, autores que mantienen una dicotomía entre lo divertido o trágico a la vez. La ironía de sus obras son un producto secundario, no buscado de forma consciente.

Baldessari plantea la facilidad de comunicarse con la audiencia haciendo uso del medio más conocido del mundo: la fotografía, planteando tensiones y nuevos significados entre el texto y la misma.

Toma fotografías sin considerarse fotógrafo. En sus inicios dispara sin mirar y no selecciona ningún objetivo. Crea así "Wrong" donde aparece él mismo adelante de una palmera; muestra un lugar desolado de una ciudad norteamericana que ha olvidado la gran depresión y está creciendo. Algunas obras que incluyen fotografías son: "Adiós a los barcos" (1972-73, serie de doce fotografías); "Cómo hacer una buena película" (1973, dieciocho fotografías) y "La palmera con la chica" (1975).

En su escrito "Embed Series" (comenzado en 1974) estudia la codificación de los mensajes de consumo en la publicidad. Para Baldessari, la serie versa sobre la incrustación de palabras e imágenes ocasionales en la fotografía. Para ello ha empleado una gran variedad de medios, como la pintura con vaporizador, el cepillado, la doble exposición, etc. Luego optará por eliminar las imágenes dando al texto el protagonismo. En el tríptico "Sueños de cigarro" introduce un comentario irónico sobre la propia fotografía “ver es creer”.

Para Baldessari las obras se hacen en la mente (la idea o verdadera creación) y otros son los ejecutores; por ello las fotografías son a menudo encontradas y anónimas, disociándose así de su propio trabajo, dando pie a encasillar sus obras como arte conceptual.

Se interesa por el lenguaje y sus similitudes con la estructura del juego, porque son sistemas arbitrarios y poseen normas. Muchas de sus obras son secuencias de intentos de lograr esta meta, como el lanzamiento de cuatro bolas en el aire para obtener una línea recta (1973). En los 80s toma fotogramas de películas de Hollywood (films de consumo) e interesado por el significado de la imagen construye obras como Kiss/Panic (1984): composición formada por armas, un grupo de personas y un beso.

Empieza a usar círculos para tapar los rostros de los personajes. De esta forma se acentúa el anonimato de los mismos obligando al espectador a desviar la atención y dar sentido a la escena. Aunque las obras no tienen texto, el lenguaje está presente jugando un papel importante mediante títulos con tanta significación como la obra misma.

Por último Baldessari se interesa en la dimensionalidad que incluye obras como la serie "Person with Guitar" (2005) y la serie de "Noses & Ears" (2006-2007). Su forma de operar es haciendo uso de la fotografía “silkscreened”: sobre una superficie de plástico Sintra de color, recorta la forma que le interesa y deja la silueta de la misma coloreada del fondo; pinta sin pintar, recortando e interrumpiendo la información (la de fácil interpretación).

Baldi, Lázaro, pintor italiano (Pistoia, Toscana, Florencia, 1624 – Roma, 1703)

Pintor de la Escuela Florentina, natural de Pistoia. Fue discípulo de Pedro de Crotona y pintó muchos cuadros que se ven en las iglesias de Roma y en ciudades de Egipto. Los más célebres son: David y Goliath; Anunciación; San Felipe Neri, en Roma; Virgen del Rosario; San Pedro Alcántara; Santa Águeda; Anunciación; Descanso en Egipto, en Toscana.

Fue un pintor italiano de la época barroca, activo principalmente en Roma . Formó parte de la gran taller Pietro da Cortona, y se convirtió en un seguidor de la técnica de la pintura al fresco . Pintó un David y Goliat por Alejandro VII en el Palacio del Quirinal . También pintó frescos ( 1658 ) para el Oratorio de San Giovanni in Oleo, y un fresco de San Juan el Teólogo en Patmos ( 1660 - 1665 ) para la Basílica de San Juan de Letrán . También pintó un retablo del Martirio de San Lázaro para la Iglesia de Santi Luca e Martine. En 1679, se convirtió en director de la Accademia di San Luca de Roma. También ha trabajado en Camerino, Pistoia y Perugia, donde pintó la Venida del Espíritu Santo (Iglesia de S. Spirito).

Como escritor, Baldi es conocido por una placa de la conversión de San Pablo. 

Obras suyas son: Escenas de la vida de los santos Carlos Borromeo y Neri Filippo, Basílica de Santa Anastasia, Roma, David y Goliat, el Palacio del Quirinal, Roma, Frescos (1658) para el Oratorio de San Giovanni en Oleo, San Juan el Teólogo en Patmos (1660-1665), Archibasílica de San Juan de Letrán, Martirio de St. Lazare, altar, iglesia de Santi Luca e Martine, La Venida del Espíritu Santo, la Iglesia de Santo Spirito, Perugia, Frescos en la Basílica de Santa Maria in Domnica.

Baldini, Pietro Paolo, pintor italiano (1614 – 1684)

Pintor de la Escuela Romana. Sus cuadros están en varias iglesias de Roma; en el coro de la iglesia de Santo Domingo y San Sixto se ve un fresco suyo que representa un pasaje de la vida de Santo Domingo.

Baldosa

Pieza de cerámica, piedra o mármol, cuadrada por lo general, utilizada para cubrir suelos o muros. La baldosa es uno de los productos cerámicos más antiguos que se emplean como materiales de construcción. Cuando se le aplica a los muros, su finalidad es casi exclusivamente decorativa; pero su máxima aplicación es la de cubrir suelos, siendo muy apreciado en este aspecto por su característica de larga duración y su impermeabilidad, que le confiere un carácter aislante. Entre las baldosas que cubren los pavimentos las hay también de gran fantasía y belleza, hechas con materiales de gran calidad. Los pueblos mesopotámicos utilizaron en sus muros baldosas o ladrillos vidriados de diversos colores. En el Sur de España es frecuente el uso de la baldosa denominada azulejo para la decoración de paredes. Existen diversos tipos de baldosas, como las de terrazas, para el suelo, las de vidrio para cerrar claraboyas, las de gres, para revestir muros, etc. Sin olvidar también el baldosín, que se utiliza en cuartos de aseo, cocinas, etc., y que no es sino una baldosa fina, de menor tamaño y casi siempre de colores claros.

Primitivamente se llamó baldosa al ladrillo cuadrado y fino, de forma rectangular ó poligonal y de distintos tamaños, usado para pavimentos. En arqueología se define como ladrillo poco grueso o azulejo para cubrir suelos y paredes, y por lo general de superficie pulida. En el campo lingüístico, Corominas lo supone derivado de piedra baldosa o «ladrillo superpuesto», por oposición a la piedra natural que conformara una superficie habitable.

El embaldosado o proceso de cubrir superficies con baldosa, tiene una larga tradición arqueológica y artística en interiores y una presencia distintiva en la arquitectura metropolitana (calles, plazas, aceras, parques, escalinatas, etc.).

Las baldosas de barro cocido más antiguas datan de la Babilonia del s. IX a. C. Haciendo abstracción de lo que pudo ofrecer en este campo el Lejano Oriente y siguiendo a las grandes culturas occidentales, hay que mencionar la gran industria romana de baldosas de terracota, técnica y uso que quedaron en estado latente hasta el s. XIII, cuando los árabes los reintrodujeron en la península ibérica. Los imperativos de austeridad del Corán estimularían la creación de deslumbrantes diseños geométricos en los suelos y las paredes de los palacios reales y las mezquitas de Al-Ándalus.

El barro cocido con barniz al estaño también es una técnica originada en Oriente Medio. Después de cocida, la baldosa se cubría con barniz blanco y se decoraba con pigmentos antes de cocerla de nuevo para lograr una superficie brillante. A su vez, la mayólica italiana se considera una versión europea de esta técnica.

El formato típico de las baldosas de terracota hechas a mano era un cuadrado de 25 cm de lado. Con la industrialización, las opciones uniformes como las baldosas sin vitrificar sustituyeron a las fabricadas a mano. En época muy reciente, el gusto por formas de decoración naturales, más auténticas, ha recuperado la fabricación artesanal. No obstante, las históricas baldosas de terracota, clásicas, austeras, elegantes, se utilizan casi exclusivamente para la pavimentación de suelos, en tanto que la baldosa vidriada, con su variedad de colores, estilos y diseños, acapara la mayor parte del mercado. Ya desde finales del s. XX, siguiendo los imperativos de la comodidad, las baldosas de fácil limpieza y mantenimiento se impusieron sobre los criterios estéticos. Sin embargo, la baldosa pequeña, el mosaico, ha experimentado un resurgimiento en los últimos años.

La historia de la pintura flamenca en los s. XVII y XVII es rica en documentación visual sobre los gustos y, en consecuencia, el volumen de producción, en materia de solería. El modelo básico y más popular era el jaquelado, un viejo diseño renacentista que los comerciantes flamencos importaron de Italia.

Ya en el umbral del s. XVII, la potencia industrial y comercial de la porcelana de Delft en los Países Bajos, desarrolló en el universo de la baldosa una colección de diseños azules y blancos de inspiración oriental. Las piezas se hicieron más finas y delicadas. Técnicamente, se introdujo un tipo de ornamentación con líneas de color púrpura de manganeso sobre la arcilla antes de que alcanzara el estado biscuit y luego se aplicaba un azul bajo cubierta. Finalmente se cubría todo con un barniz de plomo y estaño.

El suelo de baldosa se fija a la superficie del piso o pared con un proceso elemental de albañilería, en su especialidad de solería: un mortero básicamente compuesto de cal o cemento (conglomerantes), arena y agua, que al secarse adquiere una constitución muy dura, aunque menor que la del hormigón, lo que permite la transferencia de peso y calor a través de todo el enlosado.

Materiales

Piedra

Debido a su resistencia y a que no sufren desgastes notorios con el paso del tiempo, las baldosas de piedra, muy indicadas para exteriores, también pueden ser utilizadas en interiores o en zonas donde haya mucho tránsito de personas.

Terrazo

El terrazo es una imitación de la piedra. Se limpia fácilmente y es un material muy duro que soporta bastante bien las inclemencias del tiempo. Ha caído en desuso frente a otros materiales más modernos.

Gres porcelánico

El gres porcelánico fabricado es duro, resistente y poco poroso. Su precio es elevado frente a otros materiales. Se limpia fácilmente y soporta cualquier producto de limpieza.

Metal

Menos utilizadas, las baldosas metálicas se emplean en paneles de proteccíon de la cocina y en zonas expuestas al vertido de productos químicos porque es fácil de limpiar.

Mármol

El mármol es un material calizo, poroso y bastante delicado. Inconvenientes, muchos: sus altos precios, difícil de limpiar (por ser un material poroso absorbe los líquidos con bastante facilidad dejando marcas), se raya con facilidad y soporta pocos productos de limpieza. Ventajas: su belleza y el distintivo de categoría social.

Cerámica

La cerámica es el material más utilizado, ya que se comercializa con diferentes acabados, diseños y estilos. Se compone de arcillas, fundentes, sílice, productos colorantes y otros materiales. Es un material impermeable y resistente en función del grosor.

Al contrario que las antiguas baldosas de pared de las edificaciones romanas, amplias y artísticamente trabajadas, la baldosa moderna tiende a ser más pequeña (baldosín) y menos elaborada. En este apartado cabría citar al azulejo.

Baldovinetti, Alessio, pintor y mosaista italiano (Florencia, 1425 – 1499)

Sus cuadros se distinguen por un verismo exagerado y material, en los que no se observaba ninguna belleza. Se conocen todas sus obras gracias a sus Ricordi, manuscrito en el que escribió todo cuanto se refería a sus trabajos, deudas, honorarios y contratos. En la historia de la pintura ocupa un lugar importante entre los quatrocentistas italianos. Produjo en gran cantidad objetos de arte (cofrecillos, escudos y vidrieras pintadas); entre las obras que se conservan, destacan: un tríptico en la colección Carrand (Museo Nacional, Florencia), las pinturas de la capilla del cardenal de Portugal de San Miniato (Florencia) y en la colección Duchâtel (Louvre, París). Sus contemporáneos le eligieron como uno de los jueces en el concurso para la fachada del Duomo de Florencia (1491), sin duda por su indiscutible autoridad y conocimientos técnicos.

A Alessio Baldovinetti le influyó el pintor Fra Angélico con quien colaboró en las pequeñas puertas del armario de las platas para la Santissima Annunziata de Florencia. Las tres escenas que pintó están en el Museo de San Marcos de Florencia. Por otro lado, Baldovinetti fue discípulo y colaborador de Domenico Veneciano en los frescos perdidos de la capilla mayor de san Egidio, que terminó después de la muerte del maestro Andrea del Castagno. La influencia mayor que tuvo de Domenico Veneciano fue en el uso de la perspectiva y la luminosidad. En esa época pintó la Virgen con el Niño que está en París en el Museo del Louvre, y el fresco de la Natividad en el Claustro de la Santísima Annunziata también en Florencia. Baldovinetti es recordado sobre todo porque fue el que hizo que volviera el arte del mosaico a Florencia en la segunda mitad del Quattrocento.

Su quehacer, aunque era contadas veces innovador, ejemplifica el cuidadoso modelado de la forma y la precisa representación de la luz, característica general del estilo progresivo de la pintura florentina durante la última mitad del s. XV. También diseñó la decoración de mosaico colocada sobre las puertas de bronce que Lorenzo Ghiberti hizo para el Baptisterio de San Juan entre 1453 y 1455, además de crear vitrales y taraceas.

 

De Baj, Enrico a Balazote, Bicha de

Baj, Enrico, pintor y escritor de arte italiano (Milán, 1924 – Vergiate, 2003)

Asociado al Movimiento Nuclear. Estudió en la Academia de Brera y comenzó a pintar a los catorce años. En 1951 fue uno de los promotores del Movimiento Nuclear y realizó su primera exposición individual en la galería San Fedele de Milán; el movimiento estuvo promovido por el crítico Giorgio Kaisserlian y Baj participó en casi todas las exposiciones del grupo junto a Fontana, Asger Jorn, Manzoni, Klein, etc. En 1953, junto a su amigo Asger Jorn, impulsó un Movimiento por la Bauhaus Imaginativa, en oposición a las nuevas ideas de Max Bill, y en 1957, en colaboración con numerosos artistas y escritores (Klein, Restany, Arman, Pomodoro, etc) publicó el manifiesto Contra el estilo.

En la década de los cincuenta experimentó con diversos estilos y técnicas que fueron desde el dripping de las telas de la época Nuclear, pasando por los espejos rotos y recompuestos o las modificaciones, en las que intervino con pintura y collage sobre cuadros kitsch. A principios de los sesenta construyó los generales utilizando todo tipo de materiales que pudieran congeniar (medallas, condecoraciones, galones, cordones). En 1961 fue invitado a participar en la exposición The Art of the Assemblage en el Museo de Arte Moderno de Nueva York; en esta ocasión conoció a Marcel Duchamp y al año siguiente, en París, a Breton, que le dedicó un ensayo publicado primero en la revista L'Oeil y después en Le Surrealisme et la Peinture. Tras estos contactos, Baj se aproximó más al mundo literario, realizando numerosas ediciones limitadas de poesía ilustrada con grabados, collages y libros-objeto.

Muchas de sus obras muestran una obsesión con la guerra nuclear. Creó grabados, esculturas, pero especialmente collages. Estuvo próximo a los movimientos surrealista y dadá, y más tarde se relacionó con el arte pop. Como escritor, ha sido descrito como un promotor líder de la vanguardia. Trabajó con Umberto Eco entre otros. Tuvo un largo interés en el movimiento pseudofilosófico llamado patafísica.

Nació en el seno de una rica familia milanesa, pero dejó Italia en el año 1944 tras disgustar a las autoridades y para evitar la conscripción. Estudió en la facultad de derecho de la Universidad de Milán y en la Academia de Bellas Artes de Brera.

En 1951 fundó el movimiento arte nuclear con Sergio Dangelo, que a diferencia del arte abstracto era abiertamente político. El propio Baj se alineó con el movimiento anarquista. Sus obras más conocidas son probablemente una serie de «Generales»: personajes absurdos realizados con objetos encontrados como cinturones o medallas.

Hizo numerosas obras usando motivos de otros artistas, desde Leonardo da Vinci a Picasso. A veces recreó obras enteras de otros pintores.

En 1972 la exposición pública de una gran obra, Funeral por el anarquista Pinelli (una referencia a la famosa pintura de Carlo Carrà El funeral del anarquista Galli de 1911) fue prohibida después del asesinato del oficial de policía que se creía responsable de la muerte de Giuseppe Pinelli bajo custodia. Sin embargo, su obra siguió siendo política. En sus últimos años creó una serie de pinturas a modo de protesta por la elección de Silvio Berlusconi.

Bajorrelieve

Relieve en que el motivo escultórico sobresale menos de la mitad de su grosor sobre la superficie del fondo. También se denomina bajorrelieve a las formas o figuras que resaltan levemente del plano general, talladas en tablas de madera o realizadas en los trabajos de troquelado en monedas.

Historia

Esta técnica fue concebida y profusamente utilizada con maestría en el Antiguo Egipto, donde una vez erigidos los muros y pilares de los templos un experto artista, buen conocedor del canon de perfil y las proporciones sacras, procedía a dibujar el perímetro de las figuras y los rasgos principales, incluso los jeroglíficos que describían la escena; una vez rebajado el contorno y tallado el interior de las figuras, se pintaba todo el conjunto en vivos colores.

Importancia

Este tipo de arte tiene gran importancia, mediante su empleo han llegado hasta la actualidad informaciones arqueológicas de gran importancia que han ayudado a comprender como era la vida de antiguas civilizaciones. son una herramienta fundamental para los historiadores y arqueólogos para descubrir la vida de los hombres del pasado.

En la actualidad es utilizado por numerosos artistas y arquitectos para decorar complejos arquitectónicos y urbanísticos en todo el mundo.

Curiosidades

Los bajorrelieves egipcios se usan para inscripciones jeroglíficas, representaciones de dioses y faraones, de la vida doméstica, de faenas agrícolas o escenas de ultratumba y sobre todo para conmemorar las victorias de los faraones.

Ya en las obras prehistóricas comienzan a insinuarse las características propias del arte egipcio. Los bajorrelieves forman bandas paralelas y los personajes mas importantes adquieren mayor tamaño. Durante la época menfita se desarrolla la estatuaria en relación con la arquitectura funeraria.

Las estatuas dobles del difunto, que aseguraban su supervivencia, debían lograr un gran parecido. Para dar mayor veracidad las pintaban y esmaltaban los ojos. Sus características varían según el rango: el faraón, por ejemplo, adoptaba una actitud ritual hierática y solemne; muchos más libres y realista son las estatuas de particulares realizadas en madera o en piedra caliza pintada.

La estatuaria del Imperio Nuevo creció con la arquitectura, que emprendió monumentales templos. Aparecen esfinges y estatuas colosales de carácter frontal (apreciables solo de frente) y simétrico, que se antepone a los pilones. Otra novedad son las estatuas- bloques, figuras en cuclillas envueltas en un manto y sosteniendo alguna divinidad u objeto oculto.

Bajorrelieves mesoamericanos

Los petroglifos son el tipo de sistema utilizado habitualmente en los trabajos en la roca que se realizaron en época prehispánica. Frente a esta técnica que supone exclusivamente la excavación mecánica de la pared para grabar un determinado diseño, también podemos observar ocasiones en que parte del diseño delimitado por el grabado sobresale de la pared.

Si estudiamos con detalle el trabajo, podemos observar que la solución adoptada por el artista puede ser de dos tipos: usar relieves naturales de la piedra y delimitarlos con líneas excavadas, o en otras ocasiones, literalmente esculpir la parte del diseño que se pretende resaltar, haciéndola salir del plano original de la roca que se trabaja.

Después de este rápido vistazo a los bajorrelieves de La Española, podemos deducir que la técnica de la escultura fue un arte que se dominó con exquisito detalle en el Caribe antes de la llegada de los colonizadores europeos. Aun queda mucho por estudiar en este campo y son multitud las cavernas todavía anónimas que esperan la llegada de los arqueólogos para revelarnos su maravilloso arte rupestre.

Espero que la presentación de este trabajo colabore a valorar en su justa medida el arte rupestre caribeño y a abrir un nuevo filón para la investigación en la rica mina rupestre de las Antillas.

Bakalowicz, Wladyslaw, pintor polaco (1831, Chrzanów - 1904, Paris)

Es uno de los pintores más importantes de la escuela clásica polaca, radicado en forma definitiva en Francia desde los treinta años. Ha pintado retratos, desnudos, escenas históricas y de género.

De 1846 a 1852 se matriculó en la Escuela de Bellas Artes de Varsovia, donde siguió asistiendo a clases de auditoría hasta 1854[1]. Inicialmente pintó retratos, sobre todo de la nobleza polaca, y luego se interesó por el género y las escenas históricas. También creó algunos iconos de iglesias.

En 1863, tras el comienzo de la Gran Sublevación de Enero, pasó a formar parte de la Gran Emigración y se trasladó a París[2], tomando la ciudadanía francesa. Sus obras más populares fueron las miniaturas, que consistían en gran parte en escenas de trajes de los siglos XVI y XVII; especialmente escenas de la corte del rey Enrique II[1].

Más tarde, pintó escenas de obras literarias, especialmente Los Tres Mosqueteros de Dumas. Expuso en el Salón de 1865 a 1883 y tuvo muestras en todo el norte de Europa[1] La mayoría de sus obras se encuentran en los Museos Nacionales de Cracovia y Varsovia.

Su esposa fue la popular actriz de teatro, Wiktoryna Bakałowiczowa. Su hijo, Stefan, también se convirtió en un pintor muy conocido.

Bakema, Jacob Berend, arquitecto holandés (Groningen, 1914 – 1981)

De origen modesto, estudió arquitectura y obras hidráulicas en la Universidad de su ciudad natal, la cual le estimuló poco pero le dio la base del conocimiento del detalle y de la construcción. Conoció a Ernest May y estudió con Mart Stam en la Escuela Superior de Arquitectura de Amsterdam. También asistió como alumno a la Escuela Superior Técnica de Delf.

  Fue después de ver al casa Schröder de Gerrit Rietveld cuando Bakema decidió convertirse en arquitecto. Su formación se desarrolló más que en las academias, en un ambiente espiritual. Conoció las ideas del teósofo indio Krishnamurti y de los filósofos Ferdinand Domela Nieuwenhis y L. Bähler, pero, sobre todo, fueron sus conversaciones con su esposa las que influyeron en este ambiente.

Se asoció con J.H. van den Broek en 1948, con el que retomó en su obra la tradición de la arquitectura holandesa. Fueron muy influyentes en el desarrollo de la arquitectura de este país: con la revista Forum, que dirigió Bakema de 1959 a 1963, se abrió el debate sobre la arquitectura de los Países Bajos.

Tras la Segunda Guerra Mundial fue invitado al C.I.A.M. (Congreso Internacional de Arquitectura Moderna) donde conoció a A. Aalto, Le Corbusier, E. Rogers, M. Bill, A. Roth y K. Moser. Participó activamente en la décima muestra del CIAM, denominada Team X. Junto a Aldo van Eyck reformó los objetivos de la Carta de Atenas, en la que se decía: El objetivo de la CIAM es la gestión de una vivienda que satisfaga las necesidades materiales y emocionales del hombre. A lo que ellos añadieron: y que sea capaz de promover su capacidad espiritual. Esto reflejaba la idea que él tenía sobre el papel de la arquitectura, que debía modificar las actuales estructuras de la sociedad.

Para él la forma no venía determinada por la función, como pensaba su socio van den Broek, sino que estaba dirigida a orientar la conducta del hombre. También planteó ideas originales, como la de una casa en crecimiento: sugería construir núcleos habitacionales que el individuo pudiera ampliar de manera personal. Así, esperaba que surgieran casas que reflejaran la vida de sus habitantes en toda su heterogeneidad, en lugar de esas fachadas lisas y monótonas que postulaba el Estilo Internacional.

Se hizo famoso por la construcción de viviendas sociales y su involucración en la reconstrucción de Roterdam después de la Segunda Guerra Mundial.

Trabajó como profesor a partir de 1964 en la Delft University of Technology, y en 1965 también en Staatliche Hochschule de Hamburgo.

Baker, Cyril Ralph (llamado Rigby), pintor estadounidense (North Attleboro, Massachusetts, 1895 – Riverside, California, 1986

Era descendiente del padre colonizador de Rhode Island, Roger Wiliams, y fue el quinto entre diez hermanos.

Alrededor de los treinta años Cyril se instaló en Glendale, California, al norte de Los Angeles, donde vivió el resto de su vida. Abrió una tienda de pintura de letreros y pintaba telones de fondo de escenografías para uno de los estudios cinematográficos, al principio para películas mudas. Estos trabajos pagaban la renta y le dejaban tiempo para seguir su carrera de pintor.

Le gustaba pintar en plein air en el Desierto de California, pero la logística de los estudios le exigía la pintura de fotografías en Glendale.

Como muchos artistas de tiempo parcial actualmente, era renuente a participar en exhibiciones y asociaciones debido a las limitaciones de tiempo. Vendía sus pinturas fuera de su estudio.

Baker, George Herbert, pintor estadounidense (Muncie, Indiana, 1878 – Richmond, Indiana, 1943)

George Baker se trasladó a Richmond, Indiana siendo adolescente. Considerado un brillante colorista, Baker demostró habilidades artísticas desde pequeño. Este interés en el dibujo le permitió conseguir un trabajo en la Gaar-Scott Company, donde conoció a Charles Conner; pintaba escenas sobre los equipos de labranza. Los equipos de labranza podían ser decorados con cualquier cosa desde telas a rayas hasta paisajes completos. Fue Mr. Scott quien presentó a Baker al decano del Richmond Group, John Elwood Bundy.

Además de instrucción de arte con Bundy, Baker estudió en la Cincinnati Art Academy y en la Boothbay Art School, Maine. Trabajó por un tiempo en y es asociado a veces con ese grupo de artistas. Baker vivió en Richmond y Centerville la mayor parte de su vida. Brown County, Indiana

Baker fue miembro fundador del Richmond Palette club, sirviendo como presidente de la organización. Fue conocido por sus paisajes de todas las épocas y estados de ánimo, pintando la naturaleza alrededor de Wayne County. Su uso audaz de colores vivos condujo a rumores de alcoholismo, sin embargo, estos no pueden ser confirmados. Cuando se le preguntaba acerca de su uso del color, Baker respondía: "Yo no pinto la naturaleza tal como es. Yo pinto la naturaleza como yo desearía que fuera. "Considerado como uno de los mejores pintores de paisaje en Indiana, Baker fue invitado a servir como instructor visitador durante dos semestres en la Universidad de Miami, Oxford, Ohio, en 1925.

Más adelante en su carrera trabajó en pastel y representó escenas marinas. Baker, pintó en la costa de Nueva Inglaterra y en las montañas durante el verano de 1931. En ese mismo año, sesenta óleos de escenas marinas y pasteles fueron puestos en exhibición en el Hotel Westcott. Expuso en Cincinnati, Nueva York, Chicago, Detroit, Indianápolis y varias ciudades a través de Indiana y Ohio, ganando numerosos premios, incluyendo el premio Howard Spaulding Jr. de 100 dólares en el Salón de Exposiciones Hoosier, Premio Nye, en 1930 y el Premio de Muncie en 1910. Baker fue un destacado artista local de su época e influyó en muchos artistas del Hoosier Group. Artistas que estudiaron con Baker incluyen a Harry Townsend, Zeb E. Pottenger, Lawrence McConaha y Howard Leigh. Falleció a los 65 años de edad.

Su obra está representada en las colecciones del Richmond Art Museum, Earlham College, Miami University Art Museum, Morrisson-Reeves Library, Centerville, Indiana Library y un ferviente grupo de coleccionistas privados. Un cuadro titulado "November Meadows" pintado durante el tiempo en que fue instructor en la Universidad de Miami cuelga hoy día sobre el palio del salón principal de la casa del presidente de Miami, Lewis Place.

El Richmond Art Museum presentó una retrospectiva de su obra en 2001, que fue la mayor exhibición de sus trabajos jamás montada.

Bakhuysen, Ludolf, pintor holandés (Emden, Hánover, 1631 – Amsterdam, 1708)

Bakhuysen comenzó su carrera como contable. Tenía una bella caligrafía y amaba la aritmética. Trabajando para un rico comerciante de Ámsterdam descubrió una inclinación tan fuerte hacia la pintura que abandonó el negocio y se dedicó al arte. Estudió primero con Allart van Everdingen y luego con Hendrik Dubbels, dos eminentes maestros de la época, y pronto elogiaron sus marinas.

Fue un ardiente estudioso de la naturaleza, y frecuentemente se expuso en el mar en un bote abierto para estudiar los efectos de las tormentas. Sus composiciones, que son numerosas, son casi todas variaciones sobre el mismo tema, el mar, y en un estilo peculiarmente suyo, marcado por un intenso realismo o fiel imitación de la naturaleza. En sus últimos años, Backhuysen empleó sus habilidades en el grabado y la caligrafía.

En vida, Backhuysen recibió la visita de Cosme II de Médici y Pedro el Grande. En 1699 abrió una galería en la planta superior del famoso ayuntamiento de Ámsterdam. Tras una visita a Inglaterra, falleció en Ámsterdan el 17 de noviembre de 1708.

Hay varias obras suyas en la National Gallery de Londres y puede que su Bote en una Tormenta (Londres, Dulwich) ejerciera una importante influencia sobre Joseph Mallord William Turner. 

Consigue captar el dramatismo y el movimiento de los barcos, tanto en ensenadas como en una regata o en alta mar, sacudidos por el viento, pero rara vez alcanza los efectos poéticos de Van de Velde el Joven o de Jan Van de Capelle.

Bakker Korff, Alexander Hugo, pintor holandés (La Haya, 1824 –Leiden, 1882)

Es un pintor de escenas de género. Sus pinturas reflejan interiores en los que se encuentran mujeres realizando alguna actividad. Realiza un trabajo sobresaliente describiendo las vestimentas y los detalles de los salones.

Fue discípulo de los pintores Kruseman Cornelis y Huib van Hove que se hizo conocido por sus "Korffjes Bakker" - piezas de género de las señoras de las tapas en los interiores, que comenzó a pintar en 1856 mientras vivía en Oegstgeest con su hermanas como modelos.

Se formó en la década de 1840 en la Koninklijke Academie van Beeldende Kunsten de La Haya y la Koninklijke Academie voor Schone Kunsten de Amberes, donde siguió las lecciones de Nicolaes de Keyser, entre otros. En 1870, se le concedió el título de Ridder en Leopoldsorde después de que sus obras fueron presentadas en una exposición en Bruselas en 1869, y fue miembro del estudio Pulchri que más tarde se convirtió en miembro de la junta de la Leids Schilder-en Tekengenootschap Ars aemula Naturae, un grupo de artistas que data de 1799. Discípulos suyos eran Dirk Leonardus Kooreman, Jan Hendrik van Rossum du Chattel, Stark Elias, Jan Jacob Zuidema Broos y Tonnet Mathilde.

Bakst, León Nicolaievich, pintor ruso (San Petesburgo, 1866 – París, 1924)

Su verdadero nombre era Lev Samoylovich Rosemberg. Comenzó sus estudios de Arte en San Petersburgo y los continuó en la capital francesa. Amigo de Sergei Diágilev, fundó con él una revista sobre el arte de vanguardia llamada Mir Iskusstva (El mundo del arte). En 1908 se instaló en París como refugiado político, y allí creó las escenografías para los Ballets Rusos de Diágilev, que causaron sensación en toda Europa por sus decorados exóticos inspirados en el arte persa y griego. Entre ellas destacaron Sheherazade (1910), El espectro de la rosa (1911), Dafnis y Cloe (1912) y La siesta de un fauno (1912), Cleopatra y la producción londinense de Diàgilev, The Sleeping Beauty. También creó la escenografía para la ópera Borís Godunov de Mussorgski. Gran innovador, es tenido por no pocos teóricos como el mejor decorador de la historia.

Ha sido pintor, ilustrador y notable diseñador teatral, en este sentido, un gran innovador con sus colores brillantes, combinaciones de opuestos, orientalismo y suntuosidad. Como pintor, con influencias iniciales de Gérome y Serov, realiza retratos logrados y pinturas modernistas, con toques simbolistas y, en algunos casos, de art noveau. "Cena" y "Terror antiguo" son trabajos que merecen atención.

Balaca, familia de pintores españoles

Balaca y Carrión, José, pintor español (Cartagena, Murcia, 1810 – Madrid, 1869)

Fue padre de los pintores Eduardo y Ricardo Balaca y Canseco. Estudió en la Escuela Superior de Bellas Artes de San Fernando de Madrid y se especializó en retratos. Como retratista, vivió en Lisboa, Londres y París antes de establecerse de nuevo en Madrid, donde permaneció hasta su muerte. De su producción destaca el retrato de la reina Maria de la Glória de Portugal.

Comenzó cultivando, por pura afición, el género de retratos en miniatura, que no abandonaría nunca. A los 28 años de edad se trasladó a Madrid para ingresar en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando. Tras acabar sus estudios se marchó a Lisboa en 1844 y, posteriormente, a Inglaterra y Francia, regresando a España en 1850 y concurriendo desde entonces a las exposiciones nacionales con retratos.

De entre sus obras destacan un marfil con los retratos de los diecinueve alabarderos que, con sus jefes Dulce y Barrientos, defendieron el Palacio Real el 7 de octubre de 1841, y el retrato de cuerpo entero que hizo a la reina María de la Gloria de Portugal, por el cual fue condecorado con la Orden de Villaviciosa de dicho país. En el Museo de Bellas Artes de Murcia está expuesto el óleo Retrato de dama"(1850-1860), y en el Ayuntamiento de Cartagena se conservan otros dos cuadros del mismo Balaca: Retrato de un militar y Autorretrato, según recoge J.F.C.G., quien señala como bibliografía el Catálogo de los profesores de Bellas Artes murcianos de Andrés Baquero Almansa, fechado en 1913.

Balaca y Canseco, Eduardo, pintor español (Madrid, 1840 – ?)

Fue hijo del pintor José Balaca y hermano del también pintor Ricardo Balaca y Canseco. Destacó como retratista y decorador. De su primera faceta, son especialmente reordados los retratos de Alfonso XII y su primera esposa, la reina María de las Mercedes, así como los de varios de los presidentes del senado (Álvaro Gómez Becerra, Joaquín de Ezpeleta y Laureano Figuerola) y de la segunda el techo del Ateneo madrileño, para el que pintó la alegoría La Filosofía, y la cúpula de la desaparecida iglesia del Buen Suceso.

Pintó para el Ateneo La Filosofía; para la cúpula del Buen Suceso, dos evangelistas; posteriormente es notable su gran números de retratos, entre los que se encuentran el de Alfonso XII y el de María de las Mercedes.

Balaca y Canseco, Ricardo, pintor español (Lisboa, 1844 – Aravaca, Madrid, 1880)

Fue hijo y hermano de los pintores José Balaca y Eduardo Balaca y Canseco, respectivamente, y que está considerado una de las figuras de primera línea entre los dibujantes ochocentistas. 

Nacido fortuitamente en Lisboa, durante una estancia de su padre en la capital portuguesa; allí pasó sus primeros años, y se inició en la pintura en el estudio paterno. Ya en Madrid, ingresó en la de San Fernando para completar su formación, en la que fue un alumno aventajado. Se dio a conocer con tan sólo trece años, cuando presentó sus dibujos en la Exposición Nacional de 1857. Precisamente sería su habilidad en este género la que le procuraría encargos como los de las ilustraciones para la edición del Quijote de la editorial Montaner y Simón de Barcelona o las colaboraciones en revistas como La Ilustración Española y Americana o La Academia (Barcelona), y en el semanario Un tros de paper.

En 1858, presenta su primer lienzo a la Exposición, La batalla de Las Navas de Tolosa, que será adquirido por el estado. En 1866, obtendrá tercera medalla y, a lo largo de su corta vida, varias menciones honoríficas y la Cruz de Carlos III, así como primeros premios en exposiciones regionales de Sevilla y Cádiz en 1865 y 1871 y otros más en los Juegos Florales de Murcia de 1876 y 1877.

De su obra pictórica destaca la serie de cuadros fruto de un encargo del Ministerio de Guerra en 1876 en la que se le solicitaba pintara los momentos más destacados de la última guerra carlista. El encargo formaba parte del intento de imagen nueva y estable que el sistema de la Restauración trataba de dar. En esta serie, logró Balaca un muy buen resultado debido a la el magnífico tratamiento de los caballos y las figuras de los soldados, el ardor de las escenas de batalla y la autenticidad de los paisajes, a lo que hay que añadir la miparcialidad con la que abordó tema tan espinoso como es una guerra civil. Destaca del conjunto la pintura dedicada a la batalla de Treviño. También de tema bélico es La Batalla de Almansa, conservado en el Palacio del Senado (Madrid). De entre sus retratos, cabe destacar el que de Alfonso XII conserva el Ministerio de Hacienda y en el que el rey, recién coronado, aparece todavía sin la barba con la que se lo recuerda habitualmente.

Balaguer, Juan Bautista, escultor español (que vivió en el s. XVIII)

Fué discípulo de Francisco Estebe y muy aplicado en su profesion: así logró dar movimiento y buena gracia á sus estatuas. Dejó algunas de mérito en Valencia: la resurreccion del Señor para la cofradía de los albañiles, que trabajó compitiendo con Francisco Vergara, que murió en Roma: el Eccehomo del convento del Pilar: las cuatro estatuas del retablo mayor del monasterio de San Miguel de los Reyes y las de los colaterales: un santo Cristo en las monjas de Jerusalen: toda la escultura de la capilla de San Francisco de Borja en la casa profesa; y fuera de esta ciudad el San Miguel del retablo mayor de la parroquia del lugar de Simat, y la Virgen del Remedio para la de la villa de Albaida. Falleció en Valencia el año de 1747, y está enterrado en la iglesia de San Estéban.

Balamkú, yacimiento arqueológico de

Yacimiento arqueológico maya, uno de los más recientemente descubiertos, situado en México, en la península del Yucatán, a la altura del poblado de Conhuas, sobre la carretera Escárcega-Chetumal. Es famoso por albergar, en el edificio conocido como Casa de los cuatro reyes, un friso estucado del periodo Clásico temprano que fue dado a conocer por Florentino García Cruz.

El edificio tiene planta rectangular y cuenta con tres puertas en la fachada occidental, que es la principal. El friso mencionado adorna la parte superior de esta fachada, desde los dinteles hasta el techo, y tiene 16,8 m de largo por 1,75 m de alto. En el borde del techo se disponen además cuatro remates rectangulares de mampostería de 2,35 m de altura. El friso estaba pintado en su totalidad de rojo; luego se le añadieron otros detalles en rojo más oscuro y algunos en negro.

En la composición del friso destacan las figuras de tres jaguares que se alternan con cuatro representaciones de la ascensión al trono de cuatro reyes; éstos parecen salir de las fauces del monstruo de la tierra, representado a su vez en cuatro mascarones. En su conjunto, el friso pretende ilustrar ciertos aspectos opuestos y complementarios del inframundo, a la par que equiparar el ciclo dinástico con el ciclo solar. Mientras que los mascarones simbolizan la fertilidad y riqueza de la tierra, los jaguares, símbolos del sol nocturno y subterráneo, ilustran el aspecto bélico y sacrificial. Ambos tipos de figuras se sitúan simbólicamente bajo el nivel de la superficie terrestre, como pertenecientes al inframundo. El primer jaguar y el tercero aparecen en posturas semejantes, arrodillados como cautivos, con las manos y pies atados, representando un patrón de sacrificio. El segundo jaguar, situado en el centro del friso, justo encima de la puerta principal del edificio, aparece sin embargo sentado, con una atadura alrededor de la muñeca izquierda, pero sin las patas atadas.

El friso supone, por una parte, la glorificación del reinado y la legitimación de su origen terrestre que lo vincula con la fertilidad; por otra parte, se trata de una bella ilustración de las creencias cosmológicas de los mayas. A este respecto, el nivel del techo representa la superficie terrestre, de forma que todo el edificio bajo ha de entenderse como una representación del inframundo.

Balat, Alphonse François Hubert, arquitecto belga (Gocheneé, Namur, 1818 – Ixelles, Brusellas, 1895)

Es uno de los más importantes representas de la arquitectura neoclásica en Bélgica. Estudió arquitectura en las Academias de Bellas Artes de Namur y de Amberes entre 1831 y 1838. En 1840 se trasladó a París donde permaneció hasta 1846. Tras este viaje inició su vida profesional en Namur donde trabajó un tiempo hasta que se traslada a Bruselas. En 1852 se convirtió en el arquitecto de duque de Brabante, quien en 1865 fue coronado rey de los belgas con el nombre de Leopoldo II. Balat recibió importantes encargos de la Casa Real, como el jardín de invierno del palacio de Laeken, edificio de hierro y vidrio; así como otros de la administración de país, como el Palais de Beaux Arts de Bruselas de 1875. También se le encomendó la reforma y restauración de los palacios reales. 

Balat fue maestro del también arquitecto Víctor Horta que trabajó en su taller como asistente.

Balaustrada

Dícese de un tipo de antepecho o baranda que está realizado a base de columnas pequeñas, llamadas balaustres, de formas poligonales o perfiles estrangulados, aunque también puede ser con figuras de cariátides o atlantes.

Balaustre

Cada una de las columnitas que, junto con los barandeles, forman los antepechos de balcones, corredores, escaleras y terrazas. Consta de una mensula o pie, panza, cuello y capitel. Cuando es muy largo y forma el enrejado de las verjas que cierran el coro o las capillas en algunas iglesias, se llaman balaustres de verjas. El balaustre jónico está formado por 2 volutas en la cara lateral de un capitel jónico.

Pequeño pilar que, junto a otros y unidos por un pasamanos, forma una balaustrada. Los balaustres actúan a modo de barandilla en balcones, escaleras y terrazas. En ellos, se diferencian tres partes: capitel, en la zona superior; vaso o tallo, en la que se distinguen la panza y el cuello; y la ménsula o pie. Los balaustres aparecieron por primera vez a finales del Renacimiento, durante el Manierismo italiano, y tuvieron su apogeo en el barroco (s. XVII y s. XVIII), época en que escaleras y balaustradas se convirtieron en elementos principales de cualquier arquitectura. Su uso perdura aún hoy en día.

El creador del balaustre para Diego de Sagredo fue Cristóbal de Andino, rejero burgalés a quien se debe la reja de la capilla del Condestable en la catedral de Burgos. El investigador Starkie Gardner se lo atribuye a Fray Francisco de Salamanca, también rejero renacentista, como el primero, aunque de distinta época, por lo que no hay una seguridad cierta en cuanto a su origen.

Desde el punto de vista técnico hay que señalar que la elaboración del balaustre resultaba compleja y difícil, pues hasta 1550, en que son ya trabajados a torno, el herrero para conseguir la forma tenía que martillar una serie de pedazos de metal de distinto diámetro, lo cual conllevaba un ímprobo esfuerzo. Hay que tener en cuenta que el actual metal, fácilmente laminable, era desconocido al trabajador del s. XVI. Una vez que había conseguido el diámetro, poco saliente y esbelto, tenía que esculpir y forjar el follaje sobre esa superficie y finalmente limarlo y dorarlo.

Un balaustre o balaústre (del griego, balaustion; latín balaustium, ‘flor de granada’) es una forma moldeada en piedra o madera, y algunas veces en metal, que soporta el remate de un parapeto de balcones y terrazas, o barandas de escaleras. El conjunto de balaustres se denomina balaustrada.

Los ejemplos más antiguos se muestran en bajorrelieves de los palacios asirios, donde se empleaban como balaustradas de ventanas, con lo que en apariencia parecen capiteles de orden jónico. No parecen haber sido utilizados en Grecia antigua ni en el imperio romano.

Ejemplos de finales del s. XV se encuentran en balcones de palazzi en Venecia y Verona. Estas balaustradas del quattroccento1 no tienen todavía precedentes identificados en la arquitectura gótica y forman columnatas como alternativa a las arcadas en miniatura.

Según Rudolf Wittkower, historiador de principios del s. XX, no es posible atribuir el invento del balaustre, pero resalta el antecedente de Giuliano da Sangallo quien las usó profusamente en las terrazas de la Villa Médici, en Poggio a Caiano, alrededor de 1480, las empleó en la reconstrucción de edificios antiguos, y legó el motivo a Bramante y Miguel Angel. Con este último las balaustradas ganaron popularidad ya en el s. XVI. Wittkower distingue dos tipos, uno de perfil simétrico con una forma bulbosa sobre otra invertida, separadas ambas partes con un anillo, y otra con forma de vasija, que fueron empleadas por primera vez, según Wittkower, por Miguel Ángel.

El arquitecto y tratadista español Diego de Sagredo publicó en Toledo (1526) su tratado Medidas del Romano que tendrá una influencia notable tanto en la arquitectura española de la época como en la europea a través de diversas traducciones de la obra. En el capítulo De la formación de las columnas llamadas monstruosas, candelabros y balaustres juega con varias combinaciones entre estos elementos arquitectónicos, llegando a trazar el camino a seguir por un estilo «nacional» para arquitectos posteriores.

El balaustre es a menudo un medio para datar mobiliario o elementos arquitectónicos antiguos. Por ejemplo, el diseño torneado de balaustres en los muebles de roble del período de Carlos II de España, es característico de principios del s. XVII.

El término moderno «forma de balaustre» se aplica a los montantes que dividen una ventana en la arquitectura anglosajona. En el transepto sur de la abadía de San Albán, en Inglaterra, se aprecian algunos de estos montantes, que se supone pueden haber sido tomados de la vieja iglesia sajona. En la arquitectura normanda se agregaron basamentos y capiteles, además de utilizar formas cilíndricas simples para los balaustres, asemejándose, en consecuencia, a pequeñas columnas.

Balazote, Bicha de

Es una escultura ibérica encontrada en el término municipal de Balazote, en la provincia de Albacete. Quienes primero la estudiaron fue un grupo de arqueólogos franceses que la identificaron como una especie de cierva; de ahí que "biche" fuera su primera denominación, castellanizándose posteriormente a bicha. Ha sido datada en el s. VI a. de J.C. Se encuentra depositada en el Museo Arqueológico Nacional de España (situado en Madrid) desde 1910.

Existen pocos datos sobre su hallazgo. Se sabe que fue encontrada en el paraje de los Majuelos, a escasa distancia del núcleo urbano. Recientes excavaciones en la vega de Balazote descubrieron un túmulo ibérico que permite situar tan singular pieza en el contexto de una necrópolis tumular a la que probablemente perteneció. Cerca del lugar también se rescataron importantes mosaicos de una villa romana.

Es una de las muestras escultóricas emblemáticas del Arte ibérico.

Realizada sobre dos bloques de piedra caliza hacia la segunda mitad del s. VI a. de J.C. sus dimensiones son de 93 cm de longitud y 73 cm de altura máxima, es una de las frecuentes síntesis entre animal y hombre, en este caso de cuerpo completo, y representa un toro en reposo que demuestra un buen conocimiento de las características del animal, con las patas delanteras recogidas bajo el pecho y las traseras dobladas hacia el vientre. Algunos detalles formales resaltan las pezuñas o la prominencia del hueso de la cadera. La cola se curva sobre el muslo izquierdo y termina en un mechón puntiagudo de pelo.

Tiene una cabeza de hombre barbudo, vuelta al espectador y ligeramente alzada, con unos pequeños cuernos y orejas también de toro, con las particularidades de las esculturas griegas arcaicas: hierática, con barba y cabellera a base de surcos rectos y geometrizada, de raíces hititas.

No está totalmente tallada, el lado derecho de la pieza no lo está, por lo que parece ser un sillar de esquina y estar pensada para adherirla a algún lugar, de manera similar a los leones de Pozo Moro. Posiblemente fuera de carácter funerario y formase parte de la decoración de un templo. Puede cumplir una función de defensa o ser una representación de la fertilidad: los griegos usaban las estatuas de toros androcéfalos como representación de los ríos, como símbolo de la fecundidad del río fertilizando los campos, y se asociaba al toro, símbolo de fecundidad. En este sentido, la Bicha de Balazote sería un símbolo de la vida que se deseaba al difunto.

Como el resto de la escultura ibérica, es anterior a la llegada de los Bárquidas en el 238 a. de J.C. Según A. García y Bellido, representa a Aqueloo, basándose para ello en su relación con las monedas sicilianas que le representan.

Dentro del contexto arqueológico donde se encontró han aparecido otras figuras escultóricas zoomorfas como la Esfinge de Haches o las Esfinges gemelas de El Salobral.