De Baj, Enrico a Balazote, Bicha de

Baj, Enrico, pintor y escritor de arte italiano (Milán, 1924 – Vergiate, 2003)

Asociado al Movimiento Nuclear. Estudió en la Academia de Brera y comenzó a pintar a los catorce años. En 1951 fue uno de los promotores del Movimiento Nuclear y realizó su primera exposición individual en la galería San Fedele de Milán; el movimiento estuvo promovido por el crítico Giorgio Kaisserlian y Baj participó en casi todas las exposiciones del grupo junto a Fontana, Asger Jorn, Manzoni, Klein, etc. En 1953, junto a su amigo Asger Jorn, impulsó un Movimiento por la Bauhaus Imaginativa, en oposición a las nuevas ideas de Max Bill, y en 1957, en colaboración con numerosos artistas y escritores (Klein, Restany, Arman, Pomodoro, etc) publicó el manifiesto Contra el estilo.

En la década de los cincuenta experimentó con diversos estilos y técnicas que fueron desde el dripping de las telas de la época Nuclear, pasando por los espejos rotos y recompuestos o las modificaciones, en las que intervino con pintura y collage sobre cuadros kitsch. A principios de los sesenta construyó los generales utilizando todo tipo de materiales que pudieran congeniar (medallas, condecoraciones, galones, cordones). En 1961 fue invitado a participar en la exposición The Art of the Assemblage en el Museo de Arte Moderno de Nueva York; en esta ocasión conoció a Marcel Duchamp y al año siguiente, en París, a Breton, que le dedicó un ensayo publicado primero en la revista L'Oeil y después en Le Surrealisme et la Peinture. Tras estos contactos, Baj se aproximó más al mundo literario, realizando numerosas ediciones limitadas de poesía ilustrada con grabados, collages y libros-objeto.

Muchas de sus obras muestran una obsesión con la guerra nuclear. Creó grabados, esculturas, pero especialmente collages. Estuvo próximo a los movimientos surrealista y dadá, y más tarde se relacionó con el arte pop. Como escritor, ha sido descrito como un promotor líder de la vanguardia. Trabajó con Umberto Eco entre otros. Tuvo un largo interés en el movimiento pseudofilosófico llamado patafísica.

Nació en el seno de una rica familia milanesa, pero dejó Italia en el año 1944 tras disgustar a las autoridades y para evitar la conscripción. Estudió en la facultad de derecho de la Universidad de Milán y en la Academia de Bellas Artes de Brera.

En 1951 fundó el movimiento arte nuclear con Sergio Dangelo, que a diferencia del arte abstracto era abiertamente político. El propio Baj se alineó con el movimiento anarquista. Sus obras más conocidas son probablemente una serie de «Generales»: personajes absurdos realizados con objetos encontrados como cinturones o medallas.

Hizo numerosas obras usando motivos de otros artistas, desde Leonardo da Vinci a Picasso. A veces recreó obras enteras de otros pintores.

En 1972 la exposición pública de una gran obra, Funeral por el anarquista Pinelli (una referencia a la famosa pintura de Carlo Carrà El funeral del anarquista Galli de 1911) fue prohibida después del asesinato del oficial de policía que se creía responsable de la muerte de Giuseppe Pinelli bajo custodia. Sin embargo, su obra siguió siendo política. En sus últimos años creó una serie de pinturas a modo de protesta por la elección de Silvio Berlusconi.

Bajorrelieve

Relieve en que el motivo escultórico sobresale menos de la mitad de su grosor sobre la superficie del fondo. También se denomina bajorrelieve a las formas o figuras que resaltan levemente del plano general, talladas en tablas de madera o realizadas en los trabajos de troquelado en monedas.

Historia

Esta técnica fue concebida y profusamente utilizada con maestría en el Antiguo Egipto, donde una vez erigidos los muros y pilares de los templos un experto artista, buen conocedor del canon de perfil y las proporciones sacras, procedía a dibujar el perímetro de las figuras y los rasgos principales, incluso los jeroglíficos que describían la escena; una vez rebajado el contorno y tallado el interior de las figuras, se pintaba todo el conjunto en vivos colores.

Importancia

Este tipo de arte tiene gran importancia, mediante su empleo han llegado hasta la actualidad informaciones arqueológicas de gran importancia que han ayudado a comprender como era la vida de antiguas civilizaciones. son una herramienta fundamental para los historiadores y arqueólogos para descubrir la vida de los hombres del pasado.

En la actualidad es utilizado por numerosos artistas y arquitectos para decorar complejos arquitectónicos y urbanísticos en todo el mundo.

Curiosidades

Los bajorrelieves egipcios se usan para inscripciones jeroglíficas, representaciones de dioses y faraones, de la vida doméstica, de faenas agrícolas o escenas de ultratumba y sobre todo para conmemorar las victorias de los faraones.

Ya en las obras prehistóricas comienzan a insinuarse las características propias del arte egipcio. Los bajorrelieves forman bandas paralelas y los personajes mas importantes adquieren mayor tamaño. Durante la época menfita se desarrolla la estatuaria en relación con la arquitectura funeraria.

Las estatuas dobles del difunto, que aseguraban su supervivencia, debían lograr un gran parecido. Para dar mayor veracidad las pintaban y esmaltaban los ojos. Sus características varían según el rango: el faraón, por ejemplo, adoptaba una actitud ritual hierática y solemne; muchos más libres y realista son las estatuas de particulares realizadas en madera o en piedra caliza pintada.

La estatuaria del Imperio Nuevo creció con la arquitectura, que emprendió monumentales templos. Aparecen esfinges y estatuas colosales de carácter frontal (apreciables solo de frente) y simétrico, que se antepone a los pilones. Otra novedad son las estatuas- bloques, figuras en cuclillas envueltas en un manto y sosteniendo alguna divinidad u objeto oculto.

Bajorrelieves mesoamericanos

Los petroglifos son el tipo de sistema utilizado habitualmente en los trabajos en la roca que se realizaron en época prehispánica. Frente a esta técnica que supone exclusivamente la excavación mecánica de la pared para grabar un determinado diseño, también podemos observar ocasiones en que parte del diseño delimitado por el grabado sobresale de la pared.

Si estudiamos con detalle el trabajo, podemos observar que la solución adoptada por el artista puede ser de dos tipos: usar relieves naturales de la piedra y delimitarlos con líneas excavadas, o en otras ocasiones, literalmente esculpir la parte del diseño que se pretende resaltar, haciéndola salir del plano original de la roca que se trabaja.

Después de este rápido vistazo a los bajorrelieves de La Española, podemos deducir que la técnica de la escultura fue un arte que se dominó con exquisito detalle en el Caribe antes de la llegada de los colonizadores europeos. Aun queda mucho por estudiar en este campo y son multitud las cavernas todavía anónimas que esperan la llegada de los arqueólogos para revelarnos su maravilloso arte rupestre.

Espero que la presentación de este trabajo colabore a valorar en su justa medida el arte rupestre caribeño y a abrir un nuevo filón para la investigación en la rica mina rupestre de las Antillas.

Bakalowicz, Wladyslaw, pintor polaco (1831, Chrzanów - 1904, Paris)

Es uno de los pintores más importantes de la escuela clásica polaca, radicado en forma definitiva en Francia desde los treinta años. Ha pintado retratos, desnudos, escenas históricas y de género.

De 1846 a 1852 se matriculó en la Escuela de Bellas Artes de Varsovia, donde siguió asistiendo a clases de auditoría hasta 1854[1]. Inicialmente pintó retratos, sobre todo de la nobleza polaca, y luego se interesó por el género y las escenas históricas. También creó algunos iconos de iglesias.

En 1863, tras el comienzo de la Gran Sublevación de Enero, pasó a formar parte de la Gran Emigración y se trasladó a París[2], tomando la ciudadanía francesa. Sus obras más populares fueron las miniaturas, que consistían en gran parte en escenas de trajes de los siglos XVI y XVII; especialmente escenas de la corte del rey Enrique II[1].

Más tarde, pintó escenas de obras literarias, especialmente Los Tres Mosqueteros de Dumas. Expuso en el Salón de 1865 a 1883 y tuvo muestras en todo el norte de Europa[1] La mayoría de sus obras se encuentran en los Museos Nacionales de Cracovia y Varsovia.

Su esposa fue la popular actriz de teatro, Wiktoryna Bakałowiczowa. Su hijo, Stefan, también se convirtió en un pintor muy conocido.

Bakema, Jacob Berend, arquitecto holandés (Groningen, 1914 – 1981)

De origen modesto, estudió arquitectura y obras hidráulicas en la Universidad de su ciudad natal, la cual le estimuló poco pero le dio la base del conocimiento del detalle y de la construcción. Conoció a Ernest May y estudió con Mart Stam en la Escuela Superior de Arquitectura de Amsterdam. También asistió como alumno a la Escuela Superior Técnica de Delf.

  Fue después de ver al casa Schröder de Gerrit Rietveld cuando Bakema decidió convertirse en arquitecto. Su formación se desarrolló más que en las academias, en un ambiente espiritual. Conoció las ideas del teósofo indio Krishnamurti y de los filósofos Ferdinand Domela Nieuwenhis y L. Bähler, pero, sobre todo, fueron sus conversaciones con su esposa las que influyeron en este ambiente.

Se asoció con J.H. van den Broek en 1948, con el que retomó en su obra la tradición de la arquitectura holandesa. Fueron muy influyentes en el desarrollo de la arquitectura de este país: con la revista Forum, que dirigió Bakema de 1959 a 1963, se abrió el debate sobre la arquitectura de los Países Bajos.

Tras la Segunda Guerra Mundial fue invitado al C.I.A.M. (Congreso Internacional de Arquitectura Moderna) donde conoció a A. Aalto, Le Corbusier, E. Rogers, M. Bill, A. Roth y K. Moser. Participó activamente en la décima muestra del CIAM, denominada Team X. Junto a Aldo van Eyck reformó los objetivos de la Carta de Atenas, en la que se decía: El objetivo de la CIAM es la gestión de una vivienda que satisfaga las necesidades materiales y emocionales del hombre. A lo que ellos añadieron: y que sea capaz de promover su capacidad espiritual. Esto reflejaba la idea que él tenía sobre el papel de la arquitectura, que debía modificar las actuales estructuras de la sociedad.

Para él la forma no venía determinada por la función, como pensaba su socio van den Broek, sino que estaba dirigida a orientar la conducta del hombre. También planteó ideas originales, como la de una casa en crecimiento: sugería construir núcleos habitacionales que el individuo pudiera ampliar de manera personal. Así, esperaba que surgieran casas que reflejaran la vida de sus habitantes en toda su heterogeneidad, en lugar de esas fachadas lisas y monótonas que postulaba el Estilo Internacional.

Se hizo famoso por la construcción de viviendas sociales y su involucración en la reconstrucción de Roterdam después de la Segunda Guerra Mundial.

Trabajó como profesor a partir de 1964 en la Delft University of Technology, y en 1965 también en Staatliche Hochschule de Hamburgo.

Baker, Cyril Ralph (llamado Rigby), pintor estadounidense (North Attleboro, Massachusetts, 1895 – Riverside, California, 1986

Era descendiente del padre colonizador de Rhode Island, Roger Wiliams, y fue el quinto entre diez hermanos.

Alrededor de los treinta años Cyril se instaló en Glendale, California, al norte de Los Angeles, donde vivió el resto de su vida. Abrió una tienda de pintura de letreros y pintaba telones de fondo de escenografías para uno de los estudios cinematográficos, al principio para películas mudas. Estos trabajos pagaban la renta y le dejaban tiempo para seguir su carrera de pintor.

Le gustaba pintar en plein air en el Desierto de California, pero la logística de los estudios le exigía la pintura de fotografías en Glendale.

Como muchos artistas de tiempo parcial actualmente, era renuente a participar en exhibiciones y asociaciones debido a las limitaciones de tiempo. Vendía sus pinturas fuera de su estudio.

Baker, George Herbert, pintor estadounidense (Muncie, Indiana, 1878 – Richmond, Indiana, 1943)

George Baker se trasladó a Richmond, Indiana siendo adolescente. Considerado un brillante colorista, Baker demostró habilidades artísticas desde pequeño. Este interés en el dibujo le permitió conseguir un trabajo en la Gaar-Scott Company, donde conoció a Charles Conner; pintaba escenas sobre los equipos de labranza. Los equipos de labranza podían ser decorados con cualquier cosa desde telas a rayas hasta paisajes completos. Fue Mr. Scott quien presentó a Baker al decano del Richmond Group, John Elwood Bundy.

Además de instrucción de arte con Bundy, Baker estudió en la Cincinnati Art Academy y en la Boothbay Art School, Maine. Trabajó por un tiempo en y es asociado a veces con ese grupo de artistas. Baker vivió en Richmond y Centerville la mayor parte de su vida. Brown County, Indiana

Baker fue miembro fundador del Richmond Palette club, sirviendo como presidente de la organización. Fue conocido por sus paisajes de todas las épocas y estados de ánimo, pintando la naturaleza alrededor de Wayne County. Su uso audaz de colores vivos condujo a rumores de alcoholismo, sin embargo, estos no pueden ser confirmados. Cuando se le preguntaba acerca de su uso del color, Baker respondía: "Yo no pinto la naturaleza tal como es. Yo pinto la naturaleza como yo desearía que fuera. "Considerado como uno de los mejores pintores de paisaje en Indiana, Baker fue invitado a servir como instructor visitador durante dos semestres en la Universidad de Miami, Oxford, Ohio, en 1925.

Más adelante en su carrera trabajó en pastel y representó escenas marinas. Baker, pintó en la costa de Nueva Inglaterra y en las montañas durante el verano de 1931. En ese mismo año, sesenta óleos de escenas marinas y pasteles fueron puestos en exhibición en el Hotel Westcott. Expuso en Cincinnati, Nueva York, Chicago, Detroit, Indianápolis y varias ciudades a través de Indiana y Ohio, ganando numerosos premios, incluyendo el premio Howard Spaulding Jr. de 100 dólares en el Salón de Exposiciones Hoosier, Premio Nye, en 1930 y el Premio de Muncie en 1910. Baker fue un destacado artista local de su época e influyó en muchos artistas del Hoosier Group. Artistas que estudiaron con Baker incluyen a Harry Townsend, Zeb E. Pottenger, Lawrence McConaha y Howard Leigh. Falleció a los 65 años de edad.

Su obra está representada en las colecciones del Richmond Art Museum, Earlham College, Miami University Art Museum, Morrisson-Reeves Library, Centerville, Indiana Library y un ferviente grupo de coleccionistas privados. Un cuadro titulado "November Meadows" pintado durante el tiempo en que fue instructor en la Universidad de Miami cuelga hoy día sobre el palio del salón principal de la casa del presidente de Miami, Lewis Place.

El Richmond Art Museum presentó una retrospectiva de su obra en 2001, que fue la mayor exhibición de sus trabajos jamás montada.

Bakhuysen, Ludolf, pintor holandés (Emden, Hánover, 1631 – Amsterdam, 1708)

Bakhuysen comenzó su carrera como contable. Tenía una bella caligrafía y amaba la aritmética. Trabajando para un rico comerciante de Ámsterdam descubrió una inclinación tan fuerte hacia la pintura que abandonó el negocio y se dedicó al arte. Estudió primero con Allart van Everdingen y luego con Hendrik Dubbels, dos eminentes maestros de la época, y pronto elogiaron sus marinas.

Fue un ardiente estudioso de la naturaleza, y frecuentemente se expuso en el mar en un bote abierto para estudiar los efectos de las tormentas. Sus composiciones, que son numerosas, son casi todas variaciones sobre el mismo tema, el mar, y en un estilo peculiarmente suyo, marcado por un intenso realismo o fiel imitación de la naturaleza. En sus últimos años, Backhuysen empleó sus habilidades en el grabado y la caligrafía.

En vida, Backhuysen recibió la visita de Cosme II de Médici y Pedro el Grande. En 1699 abrió una galería en la planta superior del famoso ayuntamiento de Ámsterdam. Tras una visita a Inglaterra, falleció en Ámsterdan el 17 de noviembre de 1708.

Hay varias obras suyas en la National Gallery de Londres y puede que su Bote en una Tormenta (Londres, Dulwich) ejerciera una importante influencia sobre Joseph Mallord William Turner. 

Consigue captar el dramatismo y el movimiento de los barcos, tanto en ensenadas como en una regata o en alta mar, sacudidos por el viento, pero rara vez alcanza los efectos poéticos de Van de Velde el Joven o de Jan Van de Capelle.

Bakker Korff, Alexander Hugo, pintor holandés (La Haya, 1824 –Leiden, 1882)

Es un pintor de escenas de género. Sus pinturas reflejan interiores en los que se encuentran mujeres realizando alguna actividad. Realiza un trabajo sobresaliente describiendo las vestimentas y los detalles de los salones.

Fue discípulo de los pintores Kruseman Cornelis y Huib van Hove que se hizo conocido por sus "Korffjes Bakker" - piezas de género de las señoras de las tapas en los interiores, que comenzó a pintar en 1856 mientras vivía en Oegstgeest con su hermanas como modelos.

Se formó en la década de 1840 en la Koninklijke Academie van Beeldende Kunsten de La Haya y la Koninklijke Academie voor Schone Kunsten de Amberes, donde siguió las lecciones de Nicolaes de Keyser, entre otros. En 1870, se le concedió el título de Ridder en Leopoldsorde después de que sus obras fueron presentadas en una exposición en Bruselas en 1869, y fue miembro del estudio Pulchri que más tarde se convirtió en miembro de la junta de la Leids Schilder-en Tekengenootschap Ars aemula Naturae, un grupo de artistas que data de 1799. Discípulos suyos eran Dirk Leonardus Kooreman, Jan Hendrik van Rossum du Chattel, Stark Elias, Jan Jacob Zuidema Broos y Tonnet Mathilde.

Bakst, León Nicolaievich, pintor ruso (San Petesburgo, 1866 – París, 1924)

Su verdadero nombre era Lev Samoylovich Rosemberg. Comenzó sus estudios de Arte en San Petersburgo y los continuó en la capital francesa. Amigo de Sergei Diágilev, fundó con él una revista sobre el arte de vanguardia llamada Mir Iskusstva (El mundo del arte). En 1908 se instaló en París como refugiado político, y allí creó las escenografías para los Ballets Rusos de Diágilev, que causaron sensación en toda Europa por sus decorados exóticos inspirados en el arte persa y griego. Entre ellas destacaron Sheherazade (1910), El espectro de la rosa (1911), Dafnis y Cloe (1912) y La siesta de un fauno (1912), Cleopatra y la producción londinense de Diàgilev, The Sleeping Beauty. También creó la escenografía para la ópera Borís Godunov de Mussorgski. Gran innovador, es tenido por no pocos teóricos como el mejor decorador de la historia.

Ha sido pintor, ilustrador y notable diseñador teatral, en este sentido, un gran innovador con sus colores brillantes, combinaciones de opuestos, orientalismo y suntuosidad. Como pintor, con influencias iniciales de Gérome y Serov, realiza retratos logrados y pinturas modernistas, con toques simbolistas y, en algunos casos, de art noveau. "Cena" y "Terror antiguo" son trabajos que merecen atención.

Balaca, familia de pintores españoles

Balaca y Carrión, José, pintor español (Cartagena, Murcia, 1810 – Madrid, 1869)

Fue padre de los pintores Eduardo y Ricardo Balaca y Canseco. Estudió en la Escuela Superior de Bellas Artes de San Fernando de Madrid y se especializó en retratos. Como retratista, vivió en Lisboa, Londres y París antes de establecerse de nuevo en Madrid, donde permaneció hasta su muerte. De su producción destaca el retrato de la reina Maria de la Glória de Portugal.

Comenzó cultivando, por pura afición, el género de retratos en miniatura, que no abandonaría nunca. A los 28 años de edad se trasladó a Madrid para ingresar en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando. Tras acabar sus estudios se marchó a Lisboa en 1844 y, posteriormente, a Inglaterra y Francia, regresando a España en 1850 y concurriendo desde entonces a las exposiciones nacionales con retratos.

De entre sus obras destacan un marfil con los retratos de los diecinueve alabarderos que, con sus jefes Dulce y Barrientos, defendieron el Palacio Real el 7 de octubre de 1841, y el retrato de cuerpo entero que hizo a la reina María de la Gloria de Portugal, por el cual fue condecorado con la Orden de Villaviciosa de dicho país. En el Museo de Bellas Artes de Murcia está expuesto el óleo Retrato de dama"(1850-1860), y en el Ayuntamiento de Cartagena se conservan otros dos cuadros del mismo Balaca: Retrato de un militar y Autorretrato, según recoge J.F.C.G., quien señala como bibliografía el Catálogo de los profesores de Bellas Artes murcianos de Andrés Baquero Almansa, fechado en 1913.

Balaca y Canseco, Eduardo, pintor español (Madrid, 1840 – ?)

Fue hijo del pintor José Balaca y hermano del también pintor Ricardo Balaca y Canseco. Destacó como retratista y decorador. De su primera faceta, son especialmente reordados los retratos de Alfonso XII y su primera esposa, la reina María de las Mercedes, así como los de varios de los presidentes del senado (Álvaro Gómez Becerra, Joaquín de Ezpeleta y Laureano Figuerola) y de la segunda el techo del Ateneo madrileño, para el que pintó la alegoría La Filosofía, y la cúpula de la desaparecida iglesia del Buen Suceso.

Pintó para el Ateneo La Filosofía; para la cúpula del Buen Suceso, dos evangelistas; posteriormente es notable su gran números de retratos, entre los que se encuentran el de Alfonso XII y el de María de las Mercedes.

Balaca y Canseco, Ricardo, pintor español (Lisboa, 1844 – Aravaca, Madrid, 1880)

Fue hijo y hermano de los pintores José Balaca y Eduardo Balaca y Canseco, respectivamente, y que está considerado una de las figuras de primera línea entre los dibujantes ochocentistas. 

Nacido fortuitamente en Lisboa, durante una estancia de su padre en la capital portuguesa; allí pasó sus primeros años, y se inició en la pintura en el estudio paterno. Ya en Madrid, ingresó en la de San Fernando para completar su formación, en la que fue un alumno aventajado. Se dio a conocer con tan sólo trece años, cuando presentó sus dibujos en la Exposición Nacional de 1857. Precisamente sería su habilidad en este género la que le procuraría encargos como los de las ilustraciones para la edición del Quijote de la editorial Montaner y Simón de Barcelona o las colaboraciones en revistas como La Ilustración Española y Americana o La Academia (Barcelona), y en el semanario Un tros de paper.

En 1858, presenta su primer lienzo a la Exposición, La batalla de Las Navas de Tolosa, que será adquirido por el estado. En 1866, obtendrá tercera medalla y, a lo largo de su corta vida, varias menciones honoríficas y la Cruz de Carlos III, así como primeros premios en exposiciones regionales de Sevilla y Cádiz en 1865 y 1871 y otros más en los Juegos Florales de Murcia de 1876 y 1877.

De su obra pictórica destaca la serie de cuadros fruto de un encargo del Ministerio de Guerra en 1876 en la que se le solicitaba pintara los momentos más destacados de la última guerra carlista. El encargo formaba parte del intento de imagen nueva y estable que el sistema de la Restauración trataba de dar. En esta serie, logró Balaca un muy buen resultado debido a la el magnífico tratamiento de los caballos y las figuras de los soldados, el ardor de las escenas de batalla y la autenticidad de los paisajes, a lo que hay que añadir la miparcialidad con la que abordó tema tan espinoso como es una guerra civil. Destaca del conjunto la pintura dedicada a la batalla de Treviño. También de tema bélico es La Batalla de Almansa, conservado en el Palacio del Senado (Madrid). De entre sus retratos, cabe destacar el que de Alfonso XII conserva el Ministerio de Hacienda y en el que el rey, recién coronado, aparece todavía sin la barba con la que se lo recuerda habitualmente.

Balaguer, Juan Bautista, escultor español (que vivió en el s. XVIII)

Fué discípulo de Francisco Estebe y muy aplicado en su profesion: así logró dar movimiento y buena gracia á sus estatuas. Dejó algunas de mérito en Valencia: la resurreccion del Señor para la cofradía de los albañiles, que trabajó compitiendo con Francisco Vergara, que murió en Roma: el Eccehomo del convento del Pilar: las cuatro estatuas del retablo mayor del monasterio de San Miguel de los Reyes y las de los colaterales: un santo Cristo en las monjas de Jerusalen: toda la escultura de la capilla de San Francisco de Borja en la casa profesa; y fuera de esta ciudad el San Miguel del retablo mayor de la parroquia del lugar de Simat, y la Virgen del Remedio para la de la villa de Albaida. Falleció en Valencia el año de 1747, y está enterrado en la iglesia de San Estéban.

Balamkú, yacimiento arqueológico de

Yacimiento arqueológico maya, uno de los más recientemente descubiertos, situado en México, en la península del Yucatán, a la altura del poblado de Conhuas, sobre la carretera Escárcega-Chetumal. Es famoso por albergar, en el edificio conocido como Casa de los cuatro reyes, un friso estucado del periodo Clásico temprano que fue dado a conocer por Florentino García Cruz.

El edificio tiene planta rectangular y cuenta con tres puertas en la fachada occidental, que es la principal. El friso mencionado adorna la parte superior de esta fachada, desde los dinteles hasta el techo, y tiene 16,8 m de largo por 1,75 m de alto. En el borde del techo se disponen además cuatro remates rectangulares de mampostería de 2,35 m de altura. El friso estaba pintado en su totalidad de rojo; luego se le añadieron otros detalles en rojo más oscuro y algunos en negro.

En la composición del friso destacan las figuras de tres jaguares que se alternan con cuatro representaciones de la ascensión al trono de cuatro reyes; éstos parecen salir de las fauces del monstruo de la tierra, representado a su vez en cuatro mascarones. En su conjunto, el friso pretende ilustrar ciertos aspectos opuestos y complementarios del inframundo, a la par que equiparar el ciclo dinástico con el ciclo solar. Mientras que los mascarones simbolizan la fertilidad y riqueza de la tierra, los jaguares, símbolos del sol nocturno y subterráneo, ilustran el aspecto bélico y sacrificial. Ambos tipos de figuras se sitúan simbólicamente bajo el nivel de la superficie terrestre, como pertenecientes al inframundo. El primer jaguar y el tercero aparecen en posturas semejantes, arrodillados como cautivos, con las manos y pies atados, representando un patrón de sacrificio. El segundo jaguar, situado en el centro del friso, justo encima de la puerta principal del edificio, aparece sin embargo sentado, con una atadura alrededor de la muñeca izquierda, pero sin las patas atadas.

El friso supone, por una parte, la glorificación del reinado y la legitimación de su origen terrestre que lo vincula con la fertilidad; por otra parte, se trata de una bella ilustración de las creencias cosmológicas de los mayas. A este respecto, el nivel del techo representa la superficie terrestre, de forma que todo el edificio bajo ha de entenderse como una representación del inframundo.

Balat, Alphonse François Hubert, arquitecto belga (Gocheneé, Namur, 1818 – Ixelles, Brusellas, 1895)

Es uno de los más importantes representas de la arquitectura neoclásica en Bélgica. Estudió arquitectura en las Academias de Bellas Artes de Namur y de Amberes entre 1831 y 1838. En 1840 se trasladó a París donde permaneció hasta 1846. Tras este viaje inició su vida profesional en Namur donde trabajó un tiempo hasta que se traslada a Bruselas. En 1852 se convirtió en el arquitecto de duque de Brabante, quien en 1865 fue coronado rey de los belgas con el nombre de Leopoldo II. Balat recibió importantes encargos de la Casa Real, como el jardín de invierno del palacio de Laeken, edificio de hierro y vidrio; así como otros de la administración de país, como el Palais de Beaux Arts de Bruselas de 1875. También se le encomendó la reforma y restauración de los palacios reales. 

Balat fue maestro del también arquitecto Víctor Horta que trabajó en su taller como asistente.

Balaustrada

Dícese de un tipo de antepecho o baranda que está realizado a base de columnas pequeñas, llamadas balaustres, de formas poligonales o perfiles estrangulados, aunque también puede ser con figuras de cariátides o atlantes.

Balaustre

Cada una de las columnitas que, junto con los barandeles, forman los antepechos de balcones, corredores, escaleras y terrazas. Consta de una mensula o pie, panza, cuello y capitel. Cuando es muy largo y forma el enrejado de las verjas que cierran el coro o las capillas en algunas iglesias, se llaman balaustres de verjas. El balaustre jónico está formado por 2 volutas en la cara lateral de un capitel jónico.

Pequeño pilar que, junto a otros y unidos por un pasamanos, forma una balaustrada. Los balaustres actúan a modo de barandilla en balcones, escaleras y terrazas. En ellos, se diferencian tres partes: capitel, en la zona superior; vaso o tallo, en la que se distinguen la panza y el cuello; y la ménsula o pie. Los balaustres aparecieron por primera vez a finales del Renacimiento, durante el Manierismo italiano, y tuvieron su apogeo en el barroco (s. XVII y s. XVIII), época en que escaleras y balaustradas se convirtieron en elementos principales de cualquier arquitectura. Su uso perdura aún hoy en día.

El creador del balaustre para Diego de Sagredo fue Cristóbal de Andino, rejero burgalés a quien se debe la reja de la capilla del Condestable en la catedral de Burgos. El investigador Starkie Gardner se lo atribuye a Fray Francisco de Salamanca, también rejero renacentista, como el primero, aunque de distinta época, por lo que no hay una seguridad cierta en cuanto a su origen.

Desde el punto de vista técnico hay que señalar que la elaboración del balaustre resultaba compleja y difícil, pues hasta 1550, en que son ya trabajados a torno, el herrero para conseguir la forma tenía que martillar una serie de pedazos de metal de distinto diámetro, lo cual conllevaba un ímprobo esfuerzo. Hay que tener en cuenta que el actual metal, fácilmente laminable, era desconocido al trabajador del s. XVI. Una vez que había conseguido el diámetro, poco saliente y esbelto, tenía que esculpir y forjar el follaje sobre esa superficie y finalmente limarlo y dorarlo.

Un balaustre o balaústre (del griego, balaustion; latín balaustium, ‘flor de granada’) es una forma moldeada en piedra o madera, y algunas veces en metal, que soporta el remate de un parapeto de balcones y terrazas, o barandas de escaleras. El conjunto de balaustres se denomina balaustrada.

Los ejemplos más antiguos se muestran en bajorrelieves de los palacios asirios, donde se empleaban como balaustradas de ventanas, con lo que en apariencia parecen capiteles de orden jónico. No parecen haber sido utilizados en Grecia antigua ni en el imperio romano.

Ejemplos de finales del s. XV se encuentran en balcones de palazzi en Venecia y Verona. Estas balaustradas del quattroccento1 no tienen todavía precedentes identificados en la arquitectura gótica y forman columnatas como alternativa a las arcadas en miniatura.

Según Rudolf Wittkower, historiador de principios del s. XX, no es posible atribuir el invento del balaustre, pero resalta el antecedente de Giuliano da Sangallo quien las usó profusamente en las terrazas de la Villa Médici, en Poggio a Caiano, alrededor de 1480, las empleó en la reconstrucción de edificios antiguos, y legó el motivo a Bramante y Miguel Angel. Con este último las balaustradas ganaron popularidad ya en el s. XVI. Wittkower distingue dos tipos, uno de perfil simétrico con una forma bulbosa sobre otra invertida, separadas ambas partes con un anillo, y otra con forma de vasija, que fueron empleadas por primera vez, según Wittkower, por Miguel Ángel.

El arquitecto y tratadista español Diego de Sagredo publicó en Toledo (1526) su tratado Medidas del Romano que tendrá una influencia notable tanto en la arquitectura española de la época como en la europea a través de diversas traducciones de la obra. En el capítulo De la formación de las columnas llamadas monstruosas, candelabros y balaustres juega con varias combinaciones entre estos elementos arquitectónicos, llegando a trazar el camino a seguir por un estilo «nacional» para arquitectos posteriores.

El balaustre es a menudo un medio para datar mobiliario o elementos arquitectónicos antiguos. Por ejemplo, el diseño torneado de balaustres en los muebles de roble del período de Carlos II de España, es característico de principios del s. XVII.

El término moderno «forma de balaustre» se aplica a los montantes que dividen una ventana en la arquitectura anglosajona. En el transepto sur de la abadía de San Albán, en Inglaterra, se aprecian algunos de estos montantes, que se supone pueden haber sido tomados de la vieja iglesia sajona. En la arquitectura normanda se agregaron basamentos y capiteles, además de utilizar formas cilíndricas simples para los balaustres, asemejándose, en consecuencia, a pequeñas columnas.

Balazote, Bicha de

Es una escultura ibérica encontrada en el término municipal de Balazote, en la provincia de Albacete. Quienes primero la estudiaron fue un grupo de arqueólogos franceses que la identificaron como una especie de cierva; de ahí que "biche" fuera su primera denominación, castellanizándose posteriormente a bicha. Ha sido datada en el s. VI a. de J.C. Se encuentra depositada en el Museo Arqueológico Nacional de España (situado en Madrid) desde 1910.

Existen pocos datos sobre su hallazgo. Se sabe que fue encontrada en el paraje de los Majuelos, a escasa distancia del núcleo urbano. Recientes excavaciones en la vega de Balazote descubrieron un túmulo ibérico que permite situar tan singular pieza en el contexto de una necrópolis tumular a la que probablemente perteneció. Cerca del lugar también se rescataron importantes mosaicos de una villa romana.

Es una de las muestras escultóricas emblemáticas del Arte ibérico.

Realizada sobre dos bloques de piedra caliza hacia la segunda mitad del s. VI a. de J.C. sus dimensiones son de 93 cm de longitud y 73 cm de altura máxima, es una de las frecuentes síntesis entre animal y hombre, en este caso de cuerpo completo, y representa un toro en reposo que demuestra un buen conocimiento de las características del animal, con las patas delanteras recogidas bajo el pecho y las traseras dobladas hacia el vientre. Algunos detalles formales resaltan las pezuñas o la prominencia del hueso de la cadera. La cola se curva sobre el muslo izquierdo y termina en un mechón puntiagudo de pelo.

Tiene una cabeza de hombre barbudo, vuelta al espectador y ligeramente alzada, con unos pequeños cuernos y orejas también de toro, con las particularidades de las esculturas griegas arcaicas: hierática, con barba y cabellera a base de surcos rectos y geometrizada, de raíces hititas.

No está totalmente tallada, el lado derecho de la pieza no lo está, por lo que parece ser un sillar de esquina y estar pensada para adherirla a algún lugar, de manera similar a los leones de Pozo Moro. Posiblemente fuera de carácter funerario y formase parte de la decoración de un templo. Puede cumplir una función de defensa o ser una representación de la fertilidad: los griegos usaban las estatuas de toros androcéfalos como representación de los ríos, como símbolo de la fecundidad del río fertilizando los campos, y se asociaba al toro, símbolo de fecundidad. En este sentido, la Bicha de Balazote sería un símbolo de la vida que se deseaba al difunto.

Como el resto de la escultura ibérica, es anterior a la llegada de los Bárquidas en el 238 a. de J.C. Según A. García y Bellido, representa a Aqueloo, basándose para ello en su relación con las monedas sicilianas que le representan.

Dentro del contexto arqueológico donde se encontró han aparecido otras figuras escultóricas zoomorfas como la Esfinge de Haches o las Esfinges gemelas de El Salobral.