De Badiale Alessandro a Baixeras Verdaguer, Dionisio

Badiale, Alessandro, pintor y grabador italiano (nacido en Bolonia en el s. XVII)

Fue discípulo de Flaminio Torre, y dejó muy buenos grabados, entre los que se cita un Descendimiento, y una Sacra Familia, copias de Torre; una Virgen con el niño, copia de Cignani, etc.

Badii, Libero, pintor y escultor italiano (Arezzo, 1916 – Buenos Aires, 2001)

Destacado representante del arte abstracto de Argentina, su riqueza expresiva se manifiesta en los variados materiales con los que trabaja: el yeso, el mármol, la madera o el bronce adquieren formas inimaginables en las distintas etapas creativas del artista. 

Siendo todavía un joven muchacho, su familia se trasladó a Argentina, país del que adoptó la nacionalidad en 1947. En el taller paterno de marmolería aprendió a tallar la piedra buscando la armonía de las formas y la belleza que encierra la naturaleza. 

Con diecinueve años, Badii ingresó en la Escuela Nocturna de Artes Decorativas de la Nación y, cinco años más tarde, continuó sus estudios en la Escuela Superior de Bellas Artes de Buenos Aires. Gracias a la ayuda de las becas de esta escuela realizó varios viajes por países de América y Europa, lo que le llevó a conocer otras culturas que enriquecieron su estilo y ayudaron a madurar al artista. En 1953 recibió un premio del Ministerio de Educación por su labor gráfica. Muy pronto quedó vinculado al ámbito educativo, donde llegó a ocupar la Cátedra de Escultura y Pintura de la Escuela Superior de Bellas Artes. 

Pronto comenzó a ser reconocido por los críticos. Su talla de piedra Torrente obtuvo el premio del XLIII Salón Nacional de Artes Plásticas y la escayola El Deseo le valió el premio Adquisición de Escultura Provincia de Santa Fe (1959) y el Premio Palanza. En 1962 inauguró la exposición Los Retratos en el Museo Nacional de Bellas Artes. Esta temática -junto con la exposición conformada por quince dibujos sobre La Madre- fue recogidos en un filme. 

En 1971 ganó el Premio Nacional Bienal de San Pablo (Brasil) con su escultura Los Muñecos y fue nombrado Académico y Caballero de la Orden de las Artes y las Letras francesas.

Según sus propias palabras, "el gran premio que ha llenado mi vida con satisfacción es el de hacer lo que pertenece al campo del Arte". Siete años más tarde recogió el Premio de la Consagración Nacional. 

El reconocimiento a su trabajo se vio también compensado cuando, en 1988, le confiaron la reconstrucción de Museo Altamaller. En él se albergan numerosos objetos de arte que se encontraban abandonados. 

Miembro del grupo Artesur, él mismo afirma “dejando la estética por la estética quizás vuelva el Arte en su camino”. 

En el taller de marmolería de su padre comenzó el aprendizaje de la escultura, y más tarde estudió en la Escuela Nacional de Artes Decorativas, para continuar, entre 1941 y 1944, los estudios en la Escuela Superior de Bellas Artes Ernesto de la Cárcova, donde tuvo como maestros a Ernesto Soto Avendaño y Carlos de la Cárcova. 

En 1962, el Museo Nacional de Bellas Artes presentó una muestra retrospectiva de su obra. Además de su producción gráfica y sus dibujos, publicó una gran cantidad de folletos y libros autobiográficos editados con esbozos y gráficos que constituyen una parte de su trabajo de notorio interés. 

Hacia comienzos de los años cincuenta, con esculturas como "El prisionero político desconocido" (1952), Badii se instala en la vía de los seguidores de Henry Moore. 

Según coincidentes interpretaciones, lo esencial de su obra son sus grandes esculturas simbólicas. Se destacan "El deseo" (1955), "El tiempo" (1959), "La gloria" (1960) y "La libertad" (1961). Para la misma época realiza "La fecunda" (1953), que denota su interés por las culturas arcaicas de América. Fue muy particular su concepción de "Lo siniestro", sobre cuya base realizó una muestra con el pintor Luis Centurión en 1966. Una de sus obras cumbres -"El Ave Fénix"- se exhibe en el Memorial de Kennedy, en Washington. 

Badii expuso en el Instituto Di Tella (1968) y en el Museo de Arte Moderno de París (1977). Hacia 1979 abandonó la escultura para dedicarse a la pintura. Un año más tarde realizó su primera muestra individual con obras de este género y en 1999, en el Centro Cultural Borges, se realizó una muestra con los momentos clave de toda su trayectoria. 

En 1982 ganó el Gran Premio Fondo Nacional de las Artes y, en 1987, el Premio Consagración Nacional. Un año más tarde, su taller en Buenos Aires fue convertido en museo. Badii será recordado como un gran hombre de familia (estaba casado con Alicia Margot Daulte y tenían siete hijos) y un amigo excepcional: cualquiera que pasara por su casa de la calle Ramseyer los fines de semana sabía que siempre lo encontraría rodeado de sus seres queridos.

Badiola, Txomín, escultor español (Bilbao, 1957 – )

Licenciado por la Facultad de Bellas Artes de Bilbao, ejerció allí de profesor entre los años 1982-1988. En 1982 fue becado por el Ministerio de Cultura y la Diputación de Guipúzcoa, y en 1985 por el Gobierno Vasco. Es miembro fundador de la E.A.E. (Asociación de Artistas Vascos), junto a Morquillas, Fernando y Vicente Roscubas y Txupi Sanz. 

Aunque desarrolló una importante actividad expositiva en el País Vasco durante la década de los ochenta, en los últimos años su obra ha alcanzado mayor proyección, no sólo en el resto del país, sino a escala internacional. En 1989 fue comisario de la Exposición Antológica de Oteiza para la Fundación Caja de Pensiones, que se exhibió en Madrid, Barcelona y Bilbao, y autor de la catalogación de su obra.

Comenzó su profesión artística dentro de la pintura, para centrarse posteriormente en el trabajo tridimensional. Estudió la tradición constructiva de las vanguardias históricas internacionales y de la escultura vasca contemporánea. Sus esculturas en hierro se encuentran bajo la influencia del constructivismo y la concepción escultórica de Oteiza.

Ese acento constructivo se combina en sus últimas piezas con una libertad de planteamientos, introduce tensiones y líneas oblicuas en la composición, aunque mantiene como notas permanentes de su escultura su gran sencillez y perfecto acabado.

En marzo de 2002 y bajo el nombre de Malas formas presentó su primera retrospectiva en el Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona (Macba).

Baegert, Derick, pintor alemán (Wessel, 1440 – 1515)

Escasamente documentado, debió de nacer hacia 1440 y en Wesel, ciudad hanseática en la que se encuentran rastros documentales entre 1476, cuando cobró por un estandarte pintado para el ayuntamiento, y 1515, última fecha conocida de su actividad. En su taller, desde el que trabajó para otras ciudades alemanas de la región de Renania, como Dortmund o Kalkar, colaboró su hijo Jan con quien viajó en 1482 a los Países Bajos.

Influido por la pintura flamenca y quizá formado en Utrecht, desarrolló un estilo personal de dibujo preciso y extraordinaria minuciosidad en los detalles. Su primera obra conocida, el altar para el convento de los dominicos de Dortmund, ahora en la iglesia prebostal de San Juan Bautista de Dortmund, se data hacia 1475. Se trata de un tríptico de grandes dimensiones (cerca de ocho metros de ancho por 2,30 de alto) con una escena de la Crucifixión en la tabla central, poblada de figuras anecdóticas, en la que se advierten recuerdos de Rogier van der Weyden en el grupo de san Juan y la Virgen, la Santa Parentela en el panel izquierdo, formada por veinticinco miembros de la familia de Cristo y al fondo, en el horizonte, la primera vista pintada de la ciudad de Dortmund, y la Epifania en la puerta derecha. En la tabla central, la cabeza de un varón que asoma entre las mujeres en el grupo del velo de la Verónica sería, en opinión de Baxhenrich-Hartmann, un autorretrato, el primero de la pintura alemana.3​

Poco posterior es el gran Calvario pintado en 1477 para la Mathenakirche o iglesia de San Nicolás en Mathen, suburbio de Wesel, destruida durante la Segunda Guerra Mundial, aunque el gran altar había sido ya desmontado y troceado en fecha desconocida, restando cinco fragmentos de diferentes medidas, conservados todos ellos en el Museo Thyssen-Bornemisza, a cuya colección se incorporaron en distintos momentos y desde distintas procedencias. De 1493 a 1494 pintó un Juicio Final para el ayuntamiento de Wesel, conservado ahora en el Städtischen Museum de la ciudad.

Baena, Fernando, pintor español (Fernán – Nuñez, Córdoba, 1962 – )

Su obra principalmente utiliza la fotografía como soporte, la luz eléctrica, los sonidos y la pintura, en un única mezcla, siguiendo las últimas tendencias expresadas, entre otros, por pintores como Juan Hugalde. 

Su primera Exposición individual la realizó en su pueblo natal, en el palacio Ducal en 1985, a ésta siguió en 1986 una realizada en el Colegio de Arquitectos de Córdoba; en 1987 expuso por primera vez en Madrid en el Centro Cultural Huerta de la Salud. Posteriormente su trabajo se volvió a ver, en 1988, en Fernán-Nuñez, en 1990, en la Galería Carmen Romero, de Marbella, y, en 1991, nuevamente en Madrid en el Centro de Recursos Culturales.

Baena, Pedro de, pintor español (que vivía en Madrid hacia 1670)

Pintó el Tránsito de San Francisco, que estaba en un altar colateral del convento de los Capuchinos de Palencia, de mediano mérito, así en el dibujo como en el colorido y composición.

Baertsoen, Albert, pintor belga (Gante, 1866 – 1922)

Hijo de un exitoso industrial textil y excelente músico, fue alumno y amigo de Gustave Den Duyts en 1882, y más tarde, en la Academia de Gante, de Jean Delvin. En 1887 estuvo involucrado en la sociedad de exhibiciones L'Essor en Bruselas así como en los salones trienales mantenidos en Bruselas, Amberes y Gante en rotación. Entre sus primeras obras importantes están “El río Escalda en Dendermonde” (1887), que pintó junto a Isidore Meyers (1836-1917) y Franz Courtens en un estilo Realista característico de la escuela de Dendermonde.

En 1889-90 asistió al estudio de Alfred Roll en Paris, donde conoció a Jacques-Emile Blanche y Charles Cottet, y llegó a estar particularmente muy asociado con Fritz Thaulow, Emile-René Ménard y Edmond Aman-Jean. Expuso regularmente en el Salon de Paris. Aunque Baertsoen es considerado uno de los primeros Impresionistas belgas, no perteneció a ninguna escuela en particular.

Fue más que un paisajista descriptivo, porque buscaba evocar a través de la pintura del mundo natural un ánimo de melancolía y resignación. Junto con James Ensor, Henri Permeke, Frantz Charlet y Emile Spilliaert fundó en 1894 el Cercle des Beaux-Arts de Ostende.

Pintó calles silenciosas, rocas, ríos y canales en Brujas, Lieja, Nieuwpoort, Diksmuide y en Londres, donde permaneció durante la Primera Guerra Mundial. Sus pinturas más importantes, sin embargo, fueron inspiradas por su ciudad natal, Gante, de la cual construyó un notable retrato a través de los años en obras tales como “Barcos en la nieve” (1901) y “Gante al atardecer” (1903; ambos en Bruselas, Museo de Arte Moderno). Entre 1896 y 1901 participó en Ferias Internacionales en Venecia (1896), obteniendo medallas de oro en Dresde, Salon de Paris (1900) y Munich (1901)

Una técnica amplia, espontánea, gran delicadeza de matices, profunda sinceridad, así como una cierta cualidad meditativa caracterizan su obra, que es limitada en cantidad. Baertsoen jugó un papel importante en la vida cultural de Bélgica de su período y fue elegido miembro de la Académie Royale des Beaux-Arts en 1919.

Baes, Firmin, pintor belga (1874-1943)

Fue un pintor realista y del art noveau que, en su carrera, cumplió diferentes etapas adaptándose al gusto imperante. Mujeres con hijos y campesinas, en ambientes sencillos, se contraponen a sus desnudos, llenos de erotismo y de un aire algo extravagante, y a la sofisticación de las mujeres burguesas que pintó.

Baes, Rachel, pintora belga (Brusellas, 1912 – Brujas, 1983)

Pintora surrealista belga nacida en Bruselas. Su marido, el pintor paisajista Émile Baes, la alentó en sus esfuerzos artísticos desde muy temprana edad, aunque nunca estudió arte formalmente. En 1929, y con sólo 17 años, logró su primer reconocimiento como artista cuando exhibió algunas obras en el Salón des Indépendants de París. Allí fue una de las integrantes del grupo surrealista de René Magritte, llegando a conocer a André Bretón, Jean Cocteau, Max Ernst, Georges Bataille, Irène Hamoir y Paul Éluard. Entre 1936 y 1940, tuvo un romance con Joris Van Severen, líder del partido derechista Verdinaso en Bélgica. En 1940 Van Severen fue asesinado por "fuego amigo" de las tropas francesas y el incidente nubló su reputación. Después de 1961, Baes se retiró de la vida pública y vivió sola en Brujas.

Baesu, Aurel pintor rumano (Băeşu Falticeni, 1896 – Piatra Neamt, 1928)

Era hijo de un funcionario público. Se graduó en la Academia de Bellas Artes de Bucarest en 1919 y el Instituto de Bellas Artes en Roma desde 1922. Sus pinturas, muchos muestran la influencia de Nicolae Grigorescu, se puede admirar en los museos de Bucarest, Bacau, Piatra Neamt, Galati, y aparece en las colecciones de todo el mundo privado. Murió de tuberculosis en Piatra Neamt Cuando tenía sólo 32 años de edad. En 2006, 110 Aurel Băeşu la exposición retrospectiva de año fue organizada por el Museo de Arte de Bacau.

Con una muerte temprana que interrumpe su evolución, muestra un significativo talento. Buen dibujante, buscador de nuevas formas de expresión, rastreando personajes y temas propios de su país, Baesu intenta una simplificación en beneficio de lo que representa, en lo cual se expresa su fina sensibilidad.

Bagally, Santiago, grabador de medallas inglés (que vivió en el s. XIX)

Llegó a México en 1847, como profesor de grabado de la reorganizada Academia de San Carlos. El conocimiento de este arte prácticamente había desaparecido; gozó de un nutrido grupo de discípulos entre los que se distinguieron Cayetano Ocampo y Sebastián Navalón, este último sería más adelante el sustituto del maestro. Ninguno de los dos pupilos alcanzó el nivel de las obras de Bagally, pero sus trabajos fueron excelentes. Navalón grabó las monedas del Imperio con la figura de Maximiliano y Ocampo la medalla conmemorativa del centenario del establecimiento de la Academia (1881).

Bagard, César, escultor francés (1639 – 1709)

Era conocido como el Gran César. Sus principales obras son: un busto de Luis XIV; Jesús con los discípulos en Emaús; San Juan de la Cruz y Santa Teresa; San Pedro y San Pablo; Sacra Familia; Hércules niño; San Pedro; Ecce Homo; etc.

Bagaría, Luis, dibujante y caricaturista español (Barcelona, 1882 – La Habana, Cuba, 1940)

Fue el dibujante de más impacto y popularidad de la década de los años veinte y treinta. Trabajó principalmente en el diario El Sol, al que le costó algún disgusto durante la Dictadura la colaboración de este artista.

Considerado un renovador del género por sus trazos sintéticos y expresivos que publicó en la prensa catalana (hasta 1912) y madrileña (hasta 1936). Fue una de las principales firmas de la revista España y el diario El Sol. Al estallar la guerra civil regresó a Barcelona para dibujar en el diario La Vanguardia.

Co-fundador el 11 de febrero de 1933 de la Asociación de Amigos de la Unión Soviética, creada en unos tiempos en que la derecha sostenía un tono condenatorio en relación a los relatos sobre las conquistas y los problemas del socialismo en la URSS.

De vida bohemia y siempre escaso de dinero, no tenía piedad con los personajes que dibujaba y durante la guerra atacó sin piedad de los sublevados, por lo que tuvo que exiliarse en París y en La Habana, donde murió a los pocos meses de su llegada.

Bagetti, José Pedro, pintor y arquitecto italiano (Turin, 1764 – 1831)

Fue un pintor y arquitecto italiano, mejor conocido como un pintor de paisajes. Aunque se formó como arquitecto en la Universidad de Turín, es conocido por su colaboración con el ejército francés durante la campaña napoleónica de Italia en primer lugar. Sus paisajes son la historia de la vida cotidiana en el s. XIX y principios del XVIII. A este periodo pertenece una exitosa serie de puntos de vista que representan las batallas victoriosas de Napoleón en el 1796 año de 1800. Hay que decir que para la ejecución de sus diseños, Bagetti estudiado directamente en los mapas topográficos. Él también, antes de dibujar sus bocetos en el campo, la recopilación de información de los testigos o protagonistas de la historia. Gracias a la experiencia obtenida en los estudios como arquitecto, fue capaz de mostrar una realidad sobre todo leal. Sus acuarelas son nítidas y detalladas. El acto de equilibrio entre las distintas partes del conjunto, da la impresión de un todo armónico en el que no hay percepción de los detalles que afectan a la unidad de efecto. Aunque la descripción es, todo es proporcionado y diseñado para permitir al espectador a abrazar a todos con una sola mirada. Formado en la música bajo la dirección de Bernard octano que se dedicó a la pintura, José Pedro Bagetti aprendió la técnica de Pietro Giacomo Palmieri. El 23 de diciembre 1782 obtuvo de la Universidad Real de Turín, el título de arquitecto, civiles y militares. Desde 1792 fue profesor de diseño y estaba inspeccionando el servicio de Víctor Amadeo III, como un diseñador de puntos de vista regionales y paisajes. Entre 1793 y siguió a los ejércitos reales de Cerdeña, en el condado de Niza y Toulon con la tarea de elaborar todos los hechos de armas en esa campaña. Después de volver a Turín en 1797 fue nombrado profesor de topografía en la Escuela de Ingenieros y el Real Cuerpo de Artillería. Tras la ocupación francesa se convirtió en parte del ingeniero topográfico Oficina de Piamonte con el rango de capitán geógrafo. Se le asignó posteriormente el arma de Italia, Encargado de Negocios artista Executer vues des sitios les les des más intéressants Principales auxiliar Negocios Quelles la guerra va donner lugar. Una de las primeras tareas fue confiada a la representación de la batalla de Marengo, enfrentamiento simbólico que dio lugar al mito de Napoleón. Por sus méritos en el campo fue nombrado Capitán ingénieur artistas Geografía. De 1802 a 1805, publicado en la sección topográfica del Piamonte, bajo el mando del capitán Joseph Marie François de Martinel, cruzó el territorio entre la Liguria, los Alpes Marítimos y el valle del Po, aprovechando las opiniones de las principales batallas libradas durante el Ejército francés primera campaña de Italia. Luego siguió el ejército del norte de Alemania y Rusia participaron en la campaña, la producción de la documentación gráfica de las operaciones militares más importantes en esos frentes. En 1806 se trasladó a París. Entre 1806 y 1807 crearon una segunda serie de puntos de vista de la antigua República de Venecia. En 1807, a instancias de Napoleón, el conjunto de sus acuarelas se colocó 68 en la Galería del Castillo de Fontainebleau. En 1811 el emperador le dio la Legión de Honor por haber realizado un mapa a vista de pájaro de Italia desde los Alpes hasta Nápoles, mientras que en 1812 expuso en el Salón de París y fue galardonado con una medalla 'oro. En 1815, después de la caída del Imperio regresó a Turín para isegnare Topografía Academia Militar, y la acuarela en la Academia de Bellas Artes fue también al servicio de los Saboya, donde pintó paisajes para decorar el castillo Moncalieri, incluyendo Vista de Moncalieri y la fiesta de San Michael. En 1827 publicó un tratado titulado Análisis de la unidad de efecto en la pintura y la imitación de las bellas artes . Sus bocetos en el campo se utilizaron como base para una serie de acuarelas y gouaches realizados por el ingeniero y geógrafo Gautier d'Albe Bucler Pasquier y agrimensores. Desde mediados del s. XIX, los pares de su trabajo multiplicado por el trabajo de Morel y los Padres. Alrededor de 1830, bajo la dirección del Director del Departamento de la guerra con Francia, Pelet general, se inició el grabado obras Bagetti, quien se desempeñó en el catálogo, Vues des champs de bataille. El pintor murió en Turín 29 de abril 1831. En 1834, Luis Felipe de Francia había transferido el 68 acuarelas en el Castillo de Versalles renovado como el Musée de l'Histoire de France. Sus obras se conservan en el Musée de l'Armée de Vincennes, cerca de París, el Musée de l'Histoire de France de Versalles y Trianon, y la Galería Cívica de Arte Moderno y Contemporáneo, la Academia Albertina, el Palacio Real, el Museo Nacional del Risorgimento italiano y de la Biblioteca Real de Turín.

Baglione, César, pintor italiano (Bolonia, 1525 – 1590)

Fue un pintor italiano del período del Renacimiento. Se formó con su padre Sobresalió en las flores y frutos y en los paisajes. Sus principales obras se encuentran en el palacio ducal de Parma. Se hizo amigo de Agostino y Annibale Carracci.

Baglione, Giovanni, pintor e historiador del arte italiano (Roma, 1566 – 1643)

Nace en 1566 en Roma, Italia. Escribe las biografías de artistas, pintores Vite de escultores, arquitectos (1642), y un estudio de las iglesias romanas, las nueve iglesias de Roma (1639). Baglione se describió como una familia noble descendiente de habiendo Perugia. En su autobiografía, añadió a su vida de los artistas, Vidas de 1642, así Baglione afirmó que estudió arte en el pintor Francesco Morelli, en Roma. Trabajó como pintor, Caravaggio El empleo de un estilo, y recibió numerosos encargos. 

Fue alumno de Francesco Morelli, trabajó principalmente en Roma, en el estilo manierista, el estilo de Caravaggio influyó mucho en su obra. Caravaggio fue obligado a abandonar Roma después de que Baglione le acusara de sodomía. En 1600 era un miembro de la Academia de S Luca. Él trajo a demandas por difamación en 1603 por Caravaggio contra las supuestas algunos versos escritos por él contra Baglione. En ese contexto Orazio Gentileschi, de demandante en el juicio, admitió Baglione a "pintor de primera clase." Baglione fue nombrado caballero de la Orden de Cristo en 1606. 

Entre 1621 y 1622 viajó a Mantua. En la década de 1630, se comenzó a recopilar las notas para dos de sus obras de historia de arte. Publicó por primera vez, las nueve iglesias de Roma, una discusión sobre la pintura y escultura contemporánea en nueve iglesias románicas más importantes, con algunas referencias a las obras antiguas y medievales, en 1639. Esto es lo único que lo podría haber asegurado el sobrenombre de "el primer historiador del barroco romano", porque las nueve iglesias es más que una guía devocional para los peregrinos, el género de la época. 

Su obra más importante, La vida de los "pintores, escultores y arquitectos, una biografía de los artistas, apareció en 1642 en Roma, que contiene más de 200 biografías de los artistas que trabajaron en Roma entre 1572 y 1642. Una segunda edición con una sección ampliada sobre los logros del Papa Urbano VIII se emitió, como se ha visto desde Roma en 1649. Ediciones posteriores fueron emitidas desde Nápoles en 1733, 1739 y 1743. 

Las nueve iglesias de Roma, en las palabras de Roberto Longhi (qv), la "primera guía estrictamente artístico de las iglesias de Roma." Hoy en día es importante es la instantánea que ofrece de las iglesias romanas a las que se modificó significativamente. Baglione de "guías" y evita la hagiografía y la discusión religiosa se centra en el arte y los artistas de las iglesias. Vida de los "pintores, escultores y arquitectos convirtió en una importante fuente primaria para el 17 de arte del s. en Roma. 

Un crítico de mente amplia que evita excesivamente discusiones teóricas del arte, escribe muchas biografías a diferencia de otros biógrafos de la época utiliza como la práctica de su conocimiento para evaluar el artista, singularmente A menudo, las transformaciones estilísticas importantes que se producen en el momento de escribir la suya. Limitó la discusión de las pinturas de los públicos a quienes pueden ver (con algunas excepciones) a los lectores a apreciar mejor su propia crítica. 

Escribe anécdotas sobre la vida de los artistas, características necesarias, entonces como ahora - también proporciona información sobre las realidades de las comisiones y las condiciones para el éxito artístico en el s. XVII. En su propio tiempo Giovanni Pietro Bellori que se utiliza Vidas Baglinone para su libro La vida de los "pintores, escultores y otros arquitectos modernos de 1672, a pesar de Bellori estaba celoso de la autoridad Baglione le acusó de tener el trabajo de escritor fantasma por el anticuario Ottavio Tronsarelli.

Otros incluyeron el uso de Baglione Carlo Malvasia por sus biografías publicadas a partir de 1678, Giovanni Battista Passeri de 1678 y por su obra en España, Antonio Palomino de Castro y Velasco) en su museo Pictor y Escala óptica, 1715 -1724. Su trabajo se convirtió en una importante fuente para el estudio de los historiadores de arte moderno de su edad, incluyendo a Luigi Lanzi, Jerome Baruffaldi, Hermann Voss, Jacob Hess y Anthony Blunt. La importancia de su trabajo es atestiguado por el hecho de que un índice separado de su aparición en 1924 (Roma), una edición fácil en 1935 (también en Londres), y el comentario de Hess en 1995. 

Obras suyas son: San Pedro resucita a Tabitha (1607, Basílica de San Pedro), obra por la que consiguió su rango de caballero. Autorretrato con símbolos Vanitas. San Esteban (Catedral de Perugia). Frescos de la Basílica de Santa María la Mayor de Roma, en la Capilla Borghese. Judith con la cabeza de Holofernes (1608, Galleria Borghese, Roma). Virgen con el Niño y ángeles (Royal Collection, Windsor). Frescos de la Iglesia de Santa Maria dell’ Orto. Última cena para la iglesia de San Nicola in Carcere, Roma. Amor Sacro y Amor Profano (1602, Galleria Nazionale d’ Arte Antica, Roma), que es una respuesta al más conocido El amor victorioso de Caravaggio. Martirio de San Mauro (Colegio del Corpus Christi, Valencia). Santa Catalina de Alejandría (Catedral de Loreto). Frescos del Salon de la Giustizia de Rocca dei Rossi. Hércules en la encrucijada (1640-1642, National Gallery of Slovenia, Ljubljana). San Sebastián curado por un ángel (Colección Privada). 

Giovanni Baglione también fue escritor. Su Vite de' pittori... es una fuente inestimable de datos biográficos sobre diversos artistas contemporáneos suyos, aunque su valoración sobre ellos es en muchos casos claramente tendenciosa. El ejemplo más destacado de ello es su eterna enemistad hacia Caravaggio. Parece que tuvo el claro objetivo de desacreditarlo ante la posteridad. A pesar de ello, su obra tiene un importante valor histórico. Tales fueron las obras escritas por Baglione: Le nove chiese di Roma (1639). Le vite de' pittori, scultori et architetti dal pontificato di Gregorio XIII del 1572 in fino a tempi di Papa Urbano VIII nel 1642.

Bagnacavallo, Bartolomé Ramenghi, pintor italiano (Bagnacavallo, 1484 – Bolonia, 1542

Aprendió el oficio en el próspero taller de Francesco Francia, donde ingresó en 1503. Sus primeras obras denotan una dependencia del estilo del maestro.

Durante la segunda década del s., se instaló en Bolonia. La obra más antigua producida ya en esta ciudad es una Crucifixión datada en 1522, para la Capilla Boncompagni en San Pietro. Según Giorgio Vasari, realizó un viaje a Roma, acompañado por su colega Biagio Pupini, que colaboró con él en una serie de frescos en San Pietro in Vincoli (destruidos). Parece que durante esta estancia en la Ciudad de los Papas mantuvo algún tipo de contacto con Rafael, pero no se sabe si efectivamente trabajó como ayudante suyo en la decoración de las Loggie vaticanas. Lo que sí es cierto es que Bagnacavallo sufrió una influencia decisiva en su estilo por parte del pintor de Urbino.

A partir de la década de 1530 son perceptibles nuevas influencias en su arte: Giulio Romano, Dosso Dossi y Parmigianino.

Su hijo Giovanni Battista Ramenghi (Bagnacavallo el Joven), también fue pintor.

Obras suyas son: Crucifixión (1522, Capilla Boncompagni, San Pietro, Bolonia) Virgen entronizada con San Roque y San Sebastián (Santa Maria della Purificazione, Bolonia) Virgen en gloria con niño y santos (San Donnini, Bolonia)Transfiguración (San Michele in Bosco, Bolonia) Sagrada Familia (Palacio Ducal, Urbino).

Bagnacavallo, el Joven, pintor italiano (Bolonia, 1521 – 1601),

Giovanni Battista Ramenghi fue un pintor manierista italiano. Hijo del también pintor Bartolomeo Ramenghi, il Bagnacavallo, se formó junto a su padre. Acompañó a Primaticcio en su viaje a Francia, donde residió algún tiempo. Su estilo estuvo a partir de entonces muy marcado por el de la Escuela de Fontainebleau.

Ramenghi representó en su tiempo a la facción más conservadora de la Escuela boloñesa, todavía anclada en los postulados post-rafaelescos cuando ya surgían nuevos impulsos dentro del panorama pictórico. Dentro de la misma Bolonia comenzaba a despuntar el joven Annibale Carracci, que llevaría nuevos tiempos de gloria artística a su ciudad. Mientras, Bagnacavallo el Joven se limitó a adaptarse a las exigencias del movimiento contrarreformista, que impuso serias restricciones a la libertad artística en la Italia de fines del s. XVI (véase contramanierismo).

Obras suyas son: Desposorios místicos de Santa Catalina (1543-46, Pinacoteca Nacional de Bolonia) Virgen entronizada con santos (1563, Pinacoteca Nacional de Bolonia)

Pentecostés con los santos Petronio y Gregorio Magno (1567, Pinacoteca Comunale di Faenza) Martirio de San Anacleto (San Antonio Abate, Bolonia).

Bagnadore, Pedro María, pintor italiano (Brescia, 1550 – 1616)

Pintor de la escuela veneciana, natural de Brescia, donde dejó varias obras, entre ellas una Degollación de los inocentes, que existen en la iglesia de San Francisco.

Bagnara, Pedro de, pintor italiano (s. XVI)

Pintor de la escuela romana, discípulo de Rafael Sanzio. Llegó a imitar el estilo de su maestro hasta el punto de confundirse algunas obras suyas con las de éste. Escribió una obra titulada Naturaleza, uso y diferencia de los colores.

Bagnoli, Enrico, dibujante, guionista y editor de comics italiano (Milan, 1925 – 2010)

Los responsables de la editorial italiana Traini reciben unas muestras de su trabajo y lo contratan cuando sólo cuenta quince años de edad. Tan temprana vocación se ve recompensada con importantes oportunidades profesionales, que sabrá aprovechar con un creciente talento artístico. Firma la serie de aventuras Volpe (1943) y, sólo dos años después, repite el éxito conseguido con ese cómic lanzando una nueva colección, Il Solitario. A partir de 1954 su fama cruza las fronteras italianas y recibe encargos procedentes de Inglaterra y Francia. Diez años después, la editorial italiana Mondadori le encomienda la dirección de las revistas dedicadas a los superhéroes americanos, como Superman y Batman. En 1969, el diario Corriere della Sera pone en sus manos el suplemento infantil de este periódico, “Il Corriere dei Ragazzi”. Tras continuar durante varios años una prestigiosa carrera en el mundo editorial, vuelve al dibujo en 1985, con el encargo de dibujar uno de los cómics de mayor éxito en Italia, Martin Mystère, creado por el guionista Alfredo Castelli y el dibujante Giancarlo Alessandrini en 1982.

Obras suya es: de 1943: Volpe, de 1945: Il solitario; Il Terrore di Alla Galla.

1946: L’Intrepido; Sunda e Apasunda, de 1954: À tout coeur y de 1985, Martin Mystere.

Baída

Del árabe baida 'casco, capacete' (originariamente, “huevo, casquete blanco”. Se dice de una bóveda esférica sobre una planta cuadrada rematada por cuatro planos verticales y paralelos dos a dos: los arcos en los que se apoya la bóveda baída reciben el nombre de formeros.

La Bóveda Baída (denominada también bóveda de pañuelo) es un tipo de bóveda que resulta de seccionar un hemisferio con cuatro planos verticales cuyas trazas en planta corresponden al cuadrado inscrito en la circunferencia base de dicho hemisferio. Recibe también el nombre popular de "bóveda de pañuelo" por su parecido con la forma inversa a la que adquiere un pañuelo mojado colgando de sus vértices. En la bibliografía anglosajona se la denomina sail vault o sail dome ("bóveda de vela" o "cúpula de vela" -siendo en este caso la analogía formada a partir de la forma de una vela de barco cuadrada inflada por el viento-). También se usan las denominaciones pendentive domes y Byzantine domes ("cúpulas de pechinas" y "cúpulas bizantinas").

Su concatenación lineal formando galerías o naves fue introducida por Filippo Brunelleschi. En España fue usada por Andrés de Vandelvira.Bóvedas Vaídas (de vela)

Esta bóveda es una casquete esférico limitado por los planos verticales de las embocaduras. Se suele sujetar a las paredes adyacentes con estribos denominados pechinas. Debido a su planta cuadrada sirve para techar espacios cuadrados. Se caracteriza por definir arcos de medio punto en su encuentro con los planos verticales que la contienen. De hecho, si se seccionase por un plano horizontal tangente a los arcos laterales sólo quedarían cuatro triángulos esféricos que no son sino las pechinas que se utilizan para montar cúpulas sobre bases cuadradas.

Baierl, Theodor, pintor alemán (1881 – 1932)

Baierl realizó estudios académicos y con Franz Von Stuck. Sus pinturas, de cierto simbolismo, están trabajadas de una manera cercana a los artistas cuatrocentistas. Baierl parece querer alejarse de la realidad que le rodea y poner distancia sumergiéndose en un mundo pasado e idealizado, lo que otorga, dentro de su tiempo, un carácter singular a sus obras.

Provenía de un entorno humilde, pero pudo asistir a la Academia de Bellas Artes de Munich, donde estudió con Martin von Feuerstein, Carl von Marr, Hugo von Habermann y Franz von Stuck. Se convirtió en miembro de la Secesión de Munich. Sin embargo, también le gustaba el arte de la Edad Media y del Quattrocento, que influyeron mucho en su estilo y contenido temático. Varias pinturas, como "Ritter mit Tod" (Caballero con la Muerte), son obvios homenajes a Alberto Durero.

Su dominio de las técnicas antiguas le llevó a su popularidad como pintor de iglesias y muchos de los frescos que ejecutó en toda Baviera se confunden a menudo con piezas más antiguas. Algunas de sus obras más destacadas son: el ábside de la iglesia de San Maximiliano (Munich), el Vía Crucis de la Iglesia de Herz-Jesu (Augsburgo), el ábside de la Iglesia de San Juan (Schweinfurt) y el retablo de la capilla Fugger de Kirchheim en Schwaben. También diseñó pinturas en vidrio.

Durante la Primera Guerra Mundial, sus encargos relacionados con la iglesia desaparecieron y nunca fueron completamente restaurados. Como resultado, cambió su enfoque, dedicándose a las pinturas de caballete de naturaleza alegórica o histórica, eventualmente modernizando su estilo; aunque nunca retuvo su anterior nivel de popularidad y murió en la oscuridad.

Bailey, Ray, dibujante y guionista de comics estadounidense (New York, 1913 – San Francisco, California, 1975)

El mundo de los dibujos animados le fascina desde muy joven, así que decide emplearse en los estudios de animación Fleischer, los más prestigiosos del primer tercio del s. XX, en dura competencia con la compañía de Walt Disney. Entre los personajes más populares que Bailey dibuja en este periodo se cuentan Betty Boop y Popeye. Cuando este tipo de colaboraciones deja de serle rentable en lo económico, dedica todo su tiempo a la historieta, como ayudante de dibujantes de prestigio, de la talla de Milton Caniff, junto a quien trabaja en uno de los cómics más importantes de la historia de este medio, Terry y los piratas. Esa presencia de Caniff en el trabajo de Bailey será beneficiosa para el desarrollo de su estilo, pero también lo condicionará, hasta el extremo de ser considerado una suerte de imitador. No obstante, trabajos dibujados total o parcialmente por Bailey, como Bruce Gentry (1945) y Steve Canyon (1953) acreditan un talento extraordinario en el uso del pincel.

  Obras suyas son: 1934: Terry y los piratas. 1942: Vesta West. 1943: Male Call. 1945: Bruce Gentry. 1952: Space Cadet. 1953: Steve Canyon. 1958: The Gray Ghost. 1959: Ripcord.

Baillie, Guillermo, dibujante y grabador inglés (Killbride, condado de Carlow, 1723 – 1810)

Adquirió gran reputación como grabador. Pasó el inicio de su vida en el ejército, del cual él se retiró como capitán de caballería. Abandonó la carrera militar para dedicarse completamente a las artes. Gracias a él se conservan varios platos grabados en varias maneras; pero sus producciones más admiradas son aquellos él ejecutó en el estilo de Rembrandt, y sus copias encantadoras después de las aguafuertes de aquel maestro. Él murió en 1810. Los trabajos del Capitán Baillie fueron publicados en dos volúmenes de folio por Boydell, en 1792, titulados, 'Una Serie de 225 Letras y Aguafuertes después de Rembrandt, Teniers, G. Dou, Poussin, y otros

Bailly, Alice, pintora suiza (Ginebra, 1872 – 1938)

Pintora modernista, crea en estilos fovista y con una peculiar visión cubista. Cercana e influenciada por Juan Gris y Marie Laurencin, sus obras están hechas con delicadeza, figuras estilizadas y, en muchas, con rica gama de color. Se le ocurre la "pintura de la lana", nombre que acuña para designar sus trabajos en los que usa finos hilos de lana en vez de pinceladas, evitando así que se los trate como tapices.

Estuvo próxima a los movimientos de vanguardia de principios del s. XX (cubismo, dadaísmo) que ella contribuyó a divulgar en la Suiza francófona.

Estudió en la escuela de Bellas Artes de Ginebra y luego en Múnich. Estuvo en París en 1906 y, en 1914, ideó las wool paintings («pinturas de lana»), término que acuñó para evitar que sus cuadros «pintados con lana», fueran calificados como bordados. Quedó en Suiza con el estallido de la Primera Guerra Mundial. Fijó su residencia de Lausana en el año 1923, pero conservó un apartamento en París hasta 1936.

En 1946 se creó la Fundación Alice Bailly para sostener a jóvenes artistas suizos y franceses.

Baily, Edward Hodges, escultor inglés (Bristol, 1788 – 1867)

Hijo de un tallista de mascarones de barco de Bristol. Fue el discípulo favorito de John Flaxman y realizó una carrera de gran éxito en el retrato y la escultura de carácter público. Sus dos obras más conspicuas son también las más inaccesibles: las estatuas que rematan la Columna de Nelson en Trafalgar Square (1843) en Londres, y el Monumento de Grey, de casi la misma altura, en Newcastle upon Tyne (1837). Su Eva en la fuente (1822, Bristol, City Art Galery) fue profundamente admirada por sus contemporáneos. Su prolífica producción de retratos de busto incluye muchos de otros artistas.

Baixas Carraté, Juan Manuel, pintor español (Barcelona, 1863 – 1925)

Se formó en la Escuela de Bellas Artes de su ciudad natal, bajo la dirección de Antonio Caba. Pasó luego a Madrid, para ampliar estudios en la de San Fernando y como copista del Museo del Prado. Viajó luego por Venezuela y París. Practicó la pintura de paisajes y asuntos de género. Fundó en Barcelona la academia "Baixas". Concurrió a las exposiciones de Madrid y Munich en 1913 y fue Segunda Medalla en la de Barcelona de 1911. El grueso de su obra se encuentra en el Museo de Arte Moderno de Barcelona.

Baixeras Verdaguer, Dionisio, pintor español (Barcelona 1862 – 1943). 

Fue un pintor y dibujante naturalista español especializado en óleo sobre lienzo. Con quince años ingreso en la Escuela de la Lonja de su ciudad natal. Defendió un arte de inspiración cristiana. Fue uno de los fundadores del Círculo de Sant Lluc. Su pintura es de tipo historicista, influenciada por la Escuela de Olot. Sus obras se exponen en diversos museos como: Musée d'art et d'industrie de Roubaix, Francia, Museo de Bellas Artes de Asturias. Retrato de un botero en la Barceloneta, (1890), Biblioteca Museo Víctor Balaguer. Boatmen of Barcelona», (1886), The Metropolitan Museum of Art, Nueva York.

De Bacon, Francis a Badi, Aquiles

Bacon, Francis, pintor inglés (Dublín, 1909 – Madrid, 1992)

Pintor figurativo británico de tendencia expresionista. Debido a su asma infantil fue poco a la escuela, pero trabajó en la granja de su padre, de entrenador de caballos. En 1925 se traslada a Londres y trabaja como diseñador de muebles y decorador de interiores. En 1927-1928 empieza a hacer algunas acuarelas y visita Berlín y París. Al año siguiente comienza a pintar al óleo. Hacia 1931 ha abandonado su trabajo como decorador en favor de la pintura y en 1933 una de sus crucifixiones es reproducida por Herbert Read, aunque su trabajo todavía no tiene éxito comercial.

En 1934 hace su primera exposición individual en la Sunderland House de Londres. Un tanto decepcionado, deja de pintar y destruye muchos cuadros. Durante los años de la guerra trabaja en la Defensa Civil en Londres. Vuelve a la pintura en 1944 y al año siguiente expone en la Lefevre Gallery el tríptico Three Studies for Figures at the Base of a Crucifixion. A lo largo del año sigue tratando este tema, que le interesa no por religioso, sino porque es un ejemplo de la innata crueldad humana, y hace una Magdalena en la que representa una figura de volúmenes modelados, inspirada en Giotto, en una habitación que parece una galería de arte. En esta obra aparecen ya muchos de los temas que Bacon desarrolla más tarde, como su devoción por lo monstruoso, lo deforme y lo enfermizo.

En 1948 el Museo de Arte Moderno de Nueva York le compra Painting, de 1946. En 1949 hace el primero de sus cuadros de la serie basada en el Papa Inocencio X, de Velázquez, y en 1954, junto a Nicholson y Freud, representa a su país en la Bienal de Venecia. Desde los años cincuenta expone internacionalmente y empieza a ser considerado por muchos críticos como el más grande pintor británico vivo.

En 1953 hace su primera exposición individual en Nueva York en la Durlacher Brothers y en 1955 el Instituto de Arte Contemporáneo de Londres organiza su primera retrospectiva.

A finales de los años cincuenta la mayor preocupación del artista es lo vulnerable de la condición humana y la soledad del hombre. La violencia de su iconografía se extiende también a la manera en que aplica la pintura, barrida, arañada y, a veces, tirada encima del lienzo. Lee mucho y sus fuentes de inspiración son la poesía de T. S. Eliot y las cartas de Van Gogh. Los maestros que más admira son Rembrandt, Grünewald y Picasso.

En 1957 pinta la serie de seis Estudios para un Retrato de Van Gogh, basada en el autorretrato de éste titulado El pintor de camino a Tarascon, creando un supremo ejemplo de homenaje de un artista a otro.

En 1962 el tríptico Three Studies for Crucifixion resume los motivos y formas desarrollados en la década anterior: figuras en espacios arquitectónicos, las piezas de carnicería y el desnudo sobre una cama, que en esta ocasión es un cadáver ensangrentado. "Es absurdo hablar de una nueva figuración en relación con la deliberada y atroz desfiguración de Bacon, que saca a colación a la figura sólo para desvalorizarla, envilecerla y deshacerla ante los ojos asombrados del espectador", (Argan).

A partir de los años setenta los espacios en su pintura se hacen más libres, aunque las figuras continúan encerradas expresando las limitaciones de la condición humana.

A lo largo de su carrera pinta numerosos autorretratos y retratos de gente que conoce bien, hechos a partir de fotografías o de la memoria ("si no fueran mis amigos no podría violentarles de esta forma"). En ellos no busca el parecido sino la equivalencia. No hace dibujos preparatorios, sino que pinta directamente en el lienzo distorsionando e improvisando la imagen durante el proceso (la pintura es pura intuición). Las fuentes de su iconografía son periódicos, fotos y el libro de Muybridge de 1887 de fotografías de personas y animales en movimiento.

La obra de Bacon ha sido objeto de numerosas retrospectivas, entre ellas la del Solomon R. Guggenheim Museum de Nueva York de 1963, las dos de la Tate Gallery de Londres en 1962 y 1985 y la itinerante de 1972 por Canadá y los Estados Unidos. Durante más de veinticinco años ha trabajado con la galería Marlborough de Londres y Nueva York.

Bacon, John Henry Frederick, pintor inglés (1868-1914)

Fue un pintor de la época victoriana, dedicado a los retratos, las obras históricas y las escenas de género.

Fue el segundo hijo del litográfo John Cardanall Bacon, y su talento artístico se mostró desde una edad joven. Entrenó su talento en la Escuela de Arte de Westminster y la Real Academia en Londres. En su adolescencia adquiere reputación como un ilustrador excepcional en el estilo blanco y negro, y a la edad de 18 años es llevado a una gira profesional a la India y a Birmania.

En su regreso a Inglaterra, en 1889, Bacon exhibió "El Pueblo Verde" y "Nevermore" en la Real Academia y en aquel entonces era un exhibicionista regular. Fue un exitoso pintor de trabajos religiosos, como "La Paz esta en vosotros" (1897), Gethsemane (1899); escenas históricas, como "el homenaje que da, Abadía de Westminster" (por la coronación de Eduardo VII), "La ceremonia de Coronación de Jorge V" (1911), "Voluntarios de la Ciudad Imperial de Londres regresando a Londres de Sudáfrica el lunes 29 de octubre de 1900"; así como retratos y escenas de género - como "Una Mañana de Boda" (1892) "Una Confesión de Amor" (1894), Rivales (1904) etc.2​3​4​ Fue un miembro de la Real Academia (ARA) y se le otorgó el MVO (Miembro de la Real Orden Victoriana) por destacado servicio al Rey.1​ Bacon ilustró libros así como revistas y periódicos.

Bacon se casó en 1894 y tomó su residencia en "Casa de Pilar" en Harwell, Berkshire (actual Oxfordshire). tuvo 7 hijos. Murió de una bronquitis aguda el 24 de enero de 1914 con sólo 49 años.

Entre sus obras se puede citar a “La Mañana de Boda”, de la Galería de Arte de Palanca de Señora y el Retrato de Michael Lewis Myers, 1906 (Tate Britain).

Entre sus ilustraciones, las más importantes son: Ebbutt, Maud Isabel. Héroe-leyendas & de mitos de la carrera británica (Nueva York: T.Y. Crowell & Company, 1910). Squire, Charles. Mitos y Leyendas celtas, poesía & romance (Londres: Gresham) y  Dickens, Charles. Little Dorrit (Gresham, 1912)

Bacon, Juan, escultor inglés (Southwark, 1740 – 1799)

De 1763 a 1767 obtuvo nueve premios en escultura y en 1768 fue nombrado miembro de la Academia de las Artes. Sus principales obras son las estatuas de Marte y de Venus, el monumento al conde de Chatham en la abadía de Wetsminster y la estatua de Sterne. Publicó en el Diccionario de Chamber un trabajo titulado: Investigaciones acerca del carácter de la Pintura y de la Escultura.

Bacon, Lucy, pintora estadounidense (Pitcairn, New York, 1857 – San Francisco, California, 1932)

Lucy Bacon asistió a la escuela de arte en la Art Students League de New York y en la National Academy of Design de New York City antes de viajar a Francia en 1892. En Paris se matriculó en la Académie Colarossi. Sin embargo, no estaba satisfecha con sus estudios allí y pidió consejo y ayuda técnica a la expatriada pintora estadounidense Mary Cassatt. Ms. Cassatt la presentó al Impresionista Camille Pissarro y Lucy acabó estudiando con él en Éragny, donde hizo algunas pinturas que son claramente Impresionistas.

Alrededor de 1898, estaba exhibiendo pinturas en estilo Impresionista como "A San Jose Garden" en la Art Association de San Francisco. Pero las cartas a su familia indican que estaba teniendo problemas de salud que le impedían pintar todo el tiempo. Pensando que el clima de California pudiera aliviar sus enfermedades crónicas, se mudó a San José. Soltera, enseñó en la Washburn School y pintó en el estudio en su casa.

Su sobrina, Ruth, se casó con Robert (Bob) Vickery, hijo de William Kingston Vickery, quien en 1891 y 1893 organizó las primeras exhibiciones de Impresionismo en San Francisco (adquiridas, al menos en parte, a través de los contactos de Lucy, junto con la ayuda de Mrs. William H. Crocker.). La familia Vickery era dueña de Vickery, Atkins & Torrey, una importante galería en San Francisco en los años 1890. En 1897, Lucy Bacon recibió una pintura de “Fortifications à la Glacière” pintada por Paul Cézanne. Ms. Bacon legó esta pintura a su sobrino, Bruce Jeremiah Bacon (hijo de su hermano, Albert Bacon y Mary E. Bacon.) Esta pintura ha permanecido en la familia y ha pasado por diversas manos de generación en generación.

En 1905, mientras Lucy Bacon renunciaba a su carrera de pintora y se dedicaba a la religión, posiblemente encontrando alivio a sus problemas de salud, continuó enseñando arte. Hacia 1909, estaba viviendo en San Francisco, donde murió en 1932. Es la única de los artistas californianos que se sabe que haya estudiado directamente con uno de los grandes Impresionistas franceses.

Bacon Tacon, Pedro Juan, arquéologo francés (1738 – 1817)

Viajó a Egipto y Grecia, de donde trajo un busto de Alcibíades; en la época de la Revolución desempeñó algunos cargos públicos. Su obra más notable se titula Investigaciones acerca de los orígenes célticos.

Bacoreinfeind, Jorge Guillermo, pintor y grabador danés (s. XVIII)

Su cuadro más célebre es un Moisés ante la zarza encendida que fue premiado por la Academia de Copenhague.

Bada y Navajas, José de, arquitecto español (Lucena, Córdoba, 1691 – Granada, 1755)

Hijo de Toribio de Bada, emigrante asturiano que se estableció en Lucena en busca de trabajo, aunque su familia gozaba de hidalguía en el municipio de Llanes (Asturias), trasladándose poco después a Cabra (Córdoba), donde casó con Ana María Roldán, la cual era hija de Francisco Rodríguez Navajas y hermana de canteros lucentinos. Este matrimonio tuvo dos hijos y dos hijas, de los cuales José Marcelo fue arquitecto y Pedro, aparejador. En Lucena, el padre, Toribio de Bada, junto con Juan Navajas y Hurtado Izquierdo, contratan obras de cantería para Córdoba, como son el retablo de San Pedro de Alcántara y la portada del santuario de la Fuensanta. Más tarde la familia se traslada a Granada, en vísperas de la boda de José con su prima María Rodríguez Navajas, de cuyo enlace nacieron quince hijos: siete varones y ocho mujeres, de los que los tres primeros mueren a corta edad y solamente siete sobreviven al padre.

José de Bada fue cantero desde su niñez, al igual que su padre, el cual poseía dos canteras en la sierra Elvira (Granada). Pero sus dotes artísticas personales y las relaciones familiares lo condujeron al ejercicio de la arquitectura, no en vano su tío y suegro, Francisco Rodríguez Navajas, trabajó como maestro mayor de la catedral de Granada.

Efectivamente, preocupado por el espacio, la luz y la armonía del conjunto arquitectónico, fue culto, poseedor de principios arquitectónicos, mediante el estudio de las fuentes escritas, al tiempo que artista experimentado, dotado de cualidades excepcionales. Su aprendizaje no solamente fue teórico, sino que desde muy pronto tuvo contactos con obras y artistas, dentro del primer barroco granadino. No fue polifacético, únicamente arquitecto. Aunque podría considerársele retablista, ya que el diseño de portadas podría ser considerado como auténticos retablos en piedra. Para él, la escultura se encuentra al servicio de la arquitectura, como ornamentación de los edificios.

Se sintió arquitecto en el más puro sentido del término. Siempre se consideró maestro y dueño de su arte. Su personalidad artística y humana fue notable y algo incontrolada. Por ello fue un hombre discutido por muchos, aunque tras un carácter irónico, altivo y tenaz, casi todos sus contemporáneos adivinarán al gran arquitecto de quien se podría decir que la supervivencia clásica era insuficiente para satisfacer las iniciativas nuevas, no obstante su clara tendencia hacia aquellas estructuras.

Dentro de su producción arquitectónica se debe establecer el conjunto de las grandes obras debidas a la maestría de Bada, las cuales duraron tanto como su vida profesional, como son la iglesia del Sagrario de la catedral de Granada, sus intervenciones en la catedral de Málaga y el conjunto del hospital e iglesia de San Juan de Dios, de la misma Granada. De su restante producción arquitectónica, figuran como obras ciertas: el pasadizo de la iglesia del Sagrario hasta la Capilla Real (1717), la torre de la iglesia de la Compañía de Jesús, actual parroquia de los Santos Justo y Pastor (1719) y el trascoro de la catedral de Granada. Como obras no documentadas, aunque atribuidas y en las que se advierte su estilo, cabe citar: el camarín de Nuestra Señora del Rosario de Granada (1727-1756), el retablo de Nuestra Señora de las Angustias de Granada (1729-1760), el hospital de San Juan de Dios de Lucena (1747-1755), la portada del convento de Madre de Dios de Antequera (1747-1751) y la portada del hospital de San Juan de Dios de Martos (Jaén). A esto hay que añadir la extensa relación de informes periciales, que realizó a cerca de diferentes construcciones en diversas poblaciones andaluzas y de los que se dará constancia más adelante.

La documentación señala el otoño de 1717 como la fecha en que José de Bada se hizo cargo de las obras dependientes del cabildo eclesiástico, cuando solamente tenía veintiséis años y gozaba ya entonces de buena reputación como arquitecto. La primera obra de la que se hace cargo es el pasadizo del Sagrario de Granada. Las obras de la iglesia del Sagrario habían sido proyectadas e iniciadas por Francisco Hurtado Izquierdo en 1705 y cuando abandonó el proyecto los trabajos se encontraban, aproximadamente, en las bóvedas de la cripta. La iglesia es un cuadrado, en el que se inscribe una cruz griega, reservándose el centro geométrico a la cúpula de media naranja sobre un cuerpo de luces ochavado. La portada se encuentra en la fachada principal, situada a los pies de la iglesia, realizada en mármol gris de la sierra Elvira, la cual no se ajusta al modelo de Hurtado. Consta de dos cuerpos, en los que dos pares de columnas corintias enmarcan la puerta de medio punto, en el inferior, y tres nichos en el superior.

En 1719 es llamado a la catedral de Málaga con el fin de que se hiciera cargo de la finalización de la misma. El 11 de abril de 1722 es nombrado maestro mayor de la catedral de Granada y el 8 de octubre del mismo año consigue idéntico cargo para la de Málaga. La catedral malagueña estaba parcialmente acabada, pero se había perdido la planta primitiva. También se encontró con un problema urbanístico en el entorno de la misma. Las obras las inició por los pies, es decir, por la fachada principal. Bada prolongó las naves, haciéndolas de nueva planta, las cuales cubrió con un total de doce bóvedas, distribuidas en tres naves, desde el comienzo del coro hasta la fachada. En los costados del templo proyectó cuatro torres más de cantería, rematadas en cúpulas, más dos grandes portadas laterales.

La autoría de las obras del hospital e iglesia de San Juan de Dios, por parte de José de Bada, se conocen gracias al cronista oficial de la Orden Hospitalaria. Posiblemente, Alonso Pantoja, canónigo tesorero de la catedral y juez conservador del hospital de San Juan de Dios, fue el que puso en contacto a José de Bada con fray Alonso de Jesús y Ortega, prior del hospital y luego superior general de la Orden. Las obras del hospital consistieron, fundamentalmente, en la escalera principal, que comunica entre sí los dos claustros, un nuevo claustro contiguo al primero, en el solar que había sido patio de carros. En la primera planta del primer claustro se construyó un oratorio y en la planta baja, junto a la escalera, la celda del padre Ortega. Además de estas dependencias, se realizaron reformas en determinadas enfermerías, así como se construyeron otras nuevas. Todas las obras se efectuaron entre 1734 y 1748. En cambio, los trabajos de la nueva iglesia se prolongaron hasta 1759. De planta de cruz latina, la iglesia se halla todavía dentro de un barroco sin estridencias arquitectónicas fundamentales. Toda la obra forma un conjunto bellamente ensamblado entre sí, en el que la luz muy alta, como en todos los trabajos de Bada, se tamiza a través de vidrieras, para resbalar después en la superficie cóncava de la bóveda. Completan el conjunto la enorme media naranja sobre tambor y las pinturas que decoran los muros, así como las imágenes intercaladas en la cúpula y los pilares centrales. Formas, luz y color producen el milagro de un espacio característico, dinámico, en el que el horror vacui es el punto perenne de partida y la meta, la movilidad del conjunto.

Los contactos que Bada tuvo con otros arquitectos contemporáneos ponen de manifiesto el concepto que les merecía. Para ellos fue el maestro indiscutible, quien se avenía con la opinión del entendido y rechazaba lo que no era conforme a arte. Para algunos de ellos era “sujeto versado en las reglas que proceden de la buena arquitectura”. Así, su obra del Sagrario granadino está hecha “con perfección y atildamiento en las Reglas de Arquitectura, gobierno y disposición en la simetría de las líneas”.

La muerte le sorprendió en plena actividad. Así, en 1755 deja terminadas las cuatro bóvedas mayores de la catedral de Málaga, el tabernáculo del Sagrario y el correspondiente cancel, y es inaugurado el convento-hospital de San Juan de Dios de Lucena. El propio Bada solicita del Cabildo de Granada el nombramiento de maestro mayor perpetuo, al tiempo que declara su personalidad como arquitecto. Finalmente, el 26 de diciembre de 1755 recibe sepultura en la parroquia de Nuestra Señora de las Angustias de Granada.

Badajoz, Juan de, escultor y arquitecto español (entre 1495-1498 - 1552)

Apodado el Mozo, era miembro de una familia de maestros de obras del periodo tardogótico, con estilos arquitectónicos característicos en los que preponderaban los detalles decorativos sobre los estructurales o tectónicos. Uno de los miembros más destacados de esta familia fue su padre, Juan de Badajoz el Viejo, de cuya obra fue continuador.2​3​ La continuación de las obras del padre (a partir del año 1525) arroja dudas acerca de si algunas obras y trabajos son autoría de la vejez del padre o de la juventud del hijo.

Juan de Badajoz el Mozo, ya en solitario, estuvo activo en la ciudad de León en las primeras décadas del siglo XVI, ejerciendo como maestro de obras en la catedral de esta ciudad, y siendo uno de los últimos representantes del estilo plateresco en la zona.5​

Realizó el diseño y decoración de algunos importantes edificios en el norte de España durante la primera mitad del siglo XVI. Fue maestro de obras comisionado por el cabildo catedralicio de León.3​En la catedral leonesa, son de su autoría la coronación del imafronte de la fachada principal (proyectado hacia el año 1537 por el mismo Juan de Badajoz el Mozo y concluido en 1567 por Juan de Rojas; fue desmontado en el siglo XIX y sustituido por otro neogótico del arquitecto Demetrio de los Ríos). Intervino también en el trascoro, y rehízo casi enteramente el claustro, rematándolo con bóvedas renacentistas de abigarrado diseño.

Realizó también algunos proyectos urbanísticos en la misma ciudad,7​ interviniendo asimismo en la bóveda de la librería de la Basílica de san Isidoro1​ y en la sacristía mayor del Convento de san Marcos, obra realizada a partir de 1549, siendo probable su participación en la monumental fachada del mismo.

Otras de sus obras destacadas son el claustro del Monasterio de San Zoilo en Carrión de los Condes, realizado hacia 1537, muy emparentado con el claustro catedralicio de León aunque de líneas más depuradas;8​ y la capilla funeraria de los Manuel en el Convento de san Pablo de Peñafiel, con rica decoración interior basada en motivos italianizantes.

Badalocchio, Sisto-Rosa, pintor y grabador italiano (Parma, 1581 – 1647)

Fue amigo y discípulo de Aníbal Carracci, y de Lanfranc, con quien grabó varias obras de Rafael; es muy estimado su cuadro Galatea, así como Los Trabajos de Hércules; La Virgen de Santa Ana; San José, San Joaquín y San Felipe Neri; San Francisco, etc.

Nacido en Parma, trabajó en un primer momento bajo la dirección de Agostino Carracci en Bolonia, y luego se trasladó a Roma con Annibale Carracci. Permaneció junto a este último hasta 1609, fecha en la que regresó a Parma.

Su obra más conocida como grabador es la llamada "Biblia de Rafael", una serie de planchas creadas junto a Giovanni Lanfranco. Representan los frescos realizados por Rafael Sanzio y sus ayudantes en las "Loggias" del Vaticano.

Como pintor, su obra más destacada corresponde a los frescos de la iglesia de San Juan Evangelista en Reggio Emilia, basados en la obra temprana de Caravaggio.

Badariense

Es la denominación de una cultura del periodo neolítico que surge en el Alto Egipto en torno a 4400 a. de J.C., hasta 3800 a. de J.C. y cuyo nombre tomó de los arcaicos asentamientos y necrópolis de El-Badari, en las inmediaciones de Asiut, en la margen derecha del río Nilo.

Es considerada la más importante cultura prehistórica del Alto Egipto y fue origen de los que posteriormente colonizarán todo Egipto.

Egipto comprendía dos zonas muy diferentes, una fértil y rica, el delta del Nilo, propicia para asentamientos estables, siendo región de encuentro entre Asia y África, con una incipiente cultura que se desarrollará rápidamente gracias a la relación con otras culturas. Y el sur, más árido, una franja fértil junto al Nilo, entre dos cadenas montañosas desérticas, con una población semisedentaria de cazadores con costumbres aún cercanas a los cazadores de épocas antiguas. En este escenario surge, a finales de la cultura merimdense, la badariense.

Actividad económica

Por las evidencias encontradas en los yacimientos de El-Badari, la economía de esta cultura se fundamentó principalmente en la agricultura y ganadería. Se ha encontrado trigo, cebada, lentejas y tubérculos en sus almacenes. La pesca fue primordial y pudo haber sido la principal actividad económica en algunos periodos del año. Al parecer, la caza empezaba a ser una actividad eventual.

Cerámica badariense

La cerámica badariense está muy bien elaborada, con recipientes de pared muy delgada y gran calidad; eran de tonos rojizos, marrones, o negros, aunque la más característica era de color rojo con el borde superior y el interior en negro. Sin embargo las herramientas de piedra badarienses conocidas son muy toscas.

Esos colores rojizos se deben al tipo de arcilla elegida, y el color negro se debía al sistema de elaboración de las piezas de cerámica, las cuales ponían a cocer boca abajo, por lo que el "borde" de estas se ennegrecía debido a la acción del fuego, y al estar invertidas, el aire no podía penetrar en el interior de la vasija, por lo que la arcilla no se oxidaba, y no adquiría esa coloración rojiza.

Tumbas

Las tumbas badarienses eran de forma ovalada o rectangular, poco profundas y podían contener más de un cuerpo; estos, en posición fetal, sobre su costado izquierdo y mirando al sur, se envolvían con pieles o esteras y junto a ellos se depositaban alimentos y enseres funerarios como joyas, collares, amuletos cerámicos, paletas de piedra, vasijas cerámicas y cucharas de marfil o piedra. También se han hallado restos de alimentos, como pan, trigo y cebada. La vestimenta solía ser de lino y pieles.

Yacimientos

Próximos a El-Badari se encuentran los yacimientos de Deir Tasa y El-Mostagedda, donde se han encontrado utensilios badarienses de un tipo más antiguo: Tasiense. También se han hallado restos badarienses en El-Hammamiya, El-Matmar y El-Qau y en otras zonas más alejadas, como Hieracómpolis y Armant.

La civilización badariense se dividió, hacia 4000 a. de J.C., en dos culturas: Naqada I en el Alto Egipto y Maadi-Buto en el Bajo Egipto.

Badami

Lugar arqueológico de la India (Karnataka), en el emplazamiento de una de las ant. cap. de los Chalukya. Santuarios rupestres brahmánicos (ss. VI- VII).

Los acantilados bermellón dan forma a esta tierra, en otrora capital de la poderosa dinastía Chalukya que gobernó la región entre los siglos VI y VII, dejando tras de sí un vasto legado de templos dravídicos y santuarios tallados en roca. Fue en aquellos tiempos de esplendor cuando la arquitectura sacra hinduista experimentó grandes y destacables innovaciones, que hoy hacen de Badami un destino único para adentrarse en aquella época gloriosa.

La mayor atracción sin duda de la localidad son sus templos-cueva construidos en la propia roca.

La primera de estas cuevas está dedicada al dios Siva, es probablemente la más antigua de las cuatro existentes y en ella se puede observar una impresionante figura de Nataraja, realizando 81 movimientos de danza en una sola pose. En la segunda cueva, consagrada a Visnú, se halla una escultura de Vahara, avatar de Visnú y emblema de la dinastía Chalukya, así como otras de Naga y Trivikrama.

La tercera cueva es la mayor de todas, la más impresionante. Está dedicada a Visnú y cuenta con tallas de este dios así como de Indra -montado sobre un elefante-, Siva -sobre un toro- y Brahma -sobre un cisne- en los paneles que conforman su techo. Por último, el santuario número cuatro, destinado a los santos jaimistas, es el que presenta las dimensiones más reducidas de las cuatro cuevas, si bien sus columnas son realmente similares a las anteriores.

Estos templos-cueva se orientan al Agastyatirtha y al Buthanatha Temple, alrededor del cual nos topamos con rocas talladas con relieves de Visnú durmiendo. Otro de los enclaves de interés para el viajero en Badami es su museo arqueológico, ubicado en la parte norte del estanque. En él se hallan interesantes ejemplos de la escultura local, que permiten acercarse más si cabe a aquellos siglos gloriosos dirigidos por la dinastía Chalukya.

Bada Shanren, pintor chino (Nanchang 1626- 1705)

Fue un pintor chino nacido con el nombre de Zhu Da 

Debido a sus relaciones familiares con la familia imperial y la caída de la dinastía Ming (1644) ingresó en un monasterio budista con el objetivo de huir de las persecuciones. Tras el fallecimiento de su padre perdió el habla, aunque no se sabe si esta pérdida fue real o no, debido al desconocimiento de múltiples de sus datos biográficos.Su comunicación con el mundo exterior se limitaba a gestos y gritos y mediante sus obras. Adoptó diversos nombres con los que firmaba sus obras: Lu (mono), Wu Lu (mono en casa),Xue-Ge (copito de nieve), Ge Shan (esta montaña).

En el año 1685, comenzó a firmar sus obras con el nombre de Ba Da Shan Ren (ermitaño del Gran Octavo)éste fue, sin duda, su seudónimo más conocido.

Entre los años 1680-1684, abandonó su vida retirada, viviendo con la esperanza de la restauración de la antigua dinastía Ming. En 1689,el emperador Kangxi efectuó su segundo viaje por el sur, triunfando y desmoronando todas las ilusiones de los leales a la dinastía Ming. Con ese viaje coincide una de las obras más reconocidas de Bada Shanren, o Zhu Da, denominada Luna y melón.

Las obras de su juventud ligan muy claramente a Zhu Da con pintores importantes como Dong Qichangy Ni Zan, especialmente en los métodos que se refieren a la pincelada y composición. Sin embargo, pronto abandonó ese estilo.

Su obra fue escasamente valorada en su época, pero ha tenido una gran influencia en la pintura china del siglo XX.

Badham, Herbert , pintor australiano (Watsons Bay, 1899 – 1961).

Es un pintor que ha realizado una obra concentrada en escenas de interior y mundanas tratadas con minuciosidad y, en parte de ellas, empleando colores chillones, creando una imagen de irrealidad y con cierta presencia de lo siniestro.

Era hijo de Herbert Lewis Badham (c. 1870 – 1937) y su esposa Mary. Fue uno de los cinco hijos de la familia. Se alistó en la Marina Real Australiana en 1917 para servir en la Primera Guerra Mundial. De 1925 a 1938, estudió pintura en la Escuela de Arte Julian Ashton, donde fue tutelado por Julian Ashton, George Washington Lambert y Henry Gibbons.

Era un pintor realista, y se centró en la pintura de escenas de la vida cotidiana. Su trabajo fue exhibido en la Sociedad de Artistas desde 1927 hasta su muerte. Más tarde, en 1939, su primera exposición individual tuvo lugar en la Galería Grosvenor, Sydney.

    Badham enseñó pintura en el East Sydney Technical College de 1938 a 1961. Publicó dos libros sobre arte australiano.

    En abril de 1950 vivía en Darling Point Rd., Darling Point. Se casó con la modista Enid Wilson en Sydney en 1927. Su hija, Chebby Badham, se convirtió en artista y animadora.

Actualmente, dos de sus pinturas se exhiben en la Galería de Arte de Nueva Gales del Sur en Sydney. Otra pintura se encuentra en la Galería de Arte de Ballarat en Ballarat. Otra pintura se exhibe en el Museo de Guerra Canadiense en Ottawa.

Badi, Aquiles, pintor argentino (Buenos Aires, 1894 – 1976)

Es un pintor modernista, cercano a la pintura metafísica italiana. Sus pinturas se caracterizan por ser geométricas, esquemáticas, evitando lo accesorio, llenas de sugestión e irrealidad.

Estudio en Italia y Argentina. Refleja en sus obras composiciones de resonancias clásicas italianas, y obras que revelan la preocupación por la guerra civil española.

Vive su niñez en Milán (Italia) y estudia en el Regio Collegio Tomasseo en el que obtiene una Licencia Técnica en 1909. Ese mismo año, a los 15 años de edad regresa a Buenos Aires para estudiar en la Academia Nacional de Bellas Artes y así donde se hace intimo amigo de los pintores Horacio Butler y Héctor Basaldúa.

Tras la muerte de su padre, regreso a Italia en el año 1921, donde recorre Europa con su amigo Butler. Continua sus estudios en París en la academia Julian y el Taller de Le Fauconier. Durante los próximos años de su vida radica en Francia la localidad de Cagnes y Sanary-Sur-Mer, donde se les unen Raquel Forner, Alfredo Bigatti, Pedro Domínguez Neira, Alberto Morera y Leopoldo Marechal.

En 1928, viaja a Buenos Aires con sus amigos al Primer Salón de Pintura Moderna que se realiza en Buenos Aires, en las salas de la Asociación Amigos del Arte. En este año también interviene en el Salón de los Independientes de París. En la década de 1930 Badi establece su residencia en Milán y en París donde se constituye como activo participante del «Grupo de París». Junto a Héctor Basaldúa, Antonio Berni, Horacio Butler, Lino E. Spilimbergo y Juan Del Prete. Durante el transcurso de la Segunda Guerra Mundial reside en Milán y colabora intensamente en la ilustración de libros y revistas como La Lettura, revista mensual del Nuevo Corriere della Sera y en Martedi, seminario literario de la casa Editora Bonpiani.

En 1936, se radica definitivamente en Buenos Aires, y abre en la calle Corrientes al 1309 –junto a Horacio Butler– el «Atelier Libre de Arte Contemporáneo». A los pocos días su obra La plaza es elogiada por Gilles de la Tourette en el diario La Nación. También en ese año gana el Premio de la sección de Acuarelistas concedido por la Comisión Nacional de Bellas Artes, alcanza otra distinción en el Segundo Salón Nacional de artistas decoradores y el Primer Premio de Pintura Mural de la Comisión Nacional de Cultura. El Museo del Castello Sforzesco de Milán adquiriere una de sus obras para su colección.

En 1937 comienza a presidir la recientemente creada Sociedad Argentina de Artistas Plásticos (SAAP). Con su obra El hombre verde consigue el Premio Adquisición Martín Rodríguez Galisteo en el XIII Salón Anual de Santa Fe. Además viaja a París a la Exposición Internacional de París realizando paneles decorativos junto a Lino Enea Spilimbergo. En esta importantísima exposición es distinguido, junto a otros artistas argentinos, con Medalla de Oro. En 1939 regresa a Italia y realiza pinturas murales y se dedica a la ilustración de diversas publicaciones entre las que cabe citar La lettura, revista mensual del Nuovo Corriere della Sera y Martedi, semanario literario de la editorial Bompiani. Sin embargo, se mantiene en contacto con nuestro medio, realizando exposiciones y consecutivos envíos al Salón Nacional.

Entre sus obras cabe destacar: Descendimiento, 1937, óleo, 1,55 x 1,20 m, Museo Municipal de Artes Plásticas, Eduardo Sívori. Cristo de los Escombros, 1949, óleo, 0,74 x 0,60 m, . colección privada. Composición italiana, óleo, 0,80 x 1,02 m, colección privada. Naturaleza muerta con antifaz, 1929, óleo, 1 x 0,81 m, Museo Nacional de Bellas Artes, Buenos Aires.

Ha ganado algunos premios, entre ellos, en 1927 participa en el Salón Nacional con El saltimbanqui y Naturaleza muerta, obteniendo con esta última obra el Segundo Premio. 1936 Primer Premio del Salón Nacional 1937 Primer Premio en el Salón de Acuarelistas, El Primer Premio de Pintura Mural en el Salón de Decoradores y la Medalla de Oro en la Exposición Internacional de París 1957 la Academia Nacional de Bellas Artes le otorga el Premio Palanza (Milán).

Sus obras integran importantes colecciones argentinas, entre otras las del Museo Nacional de Bellas Artes, el Museo Municipal de Buenos Aires, Museo Eduardo Sívori de Buenos Aires, Museo Provincial de Bellas Artes de La Plata, Museo Rosa Galisteo de Rodríguez en Santa Fe, Museo Juan B. Castagnino de Rosario y Museo Emilio Caraffa de Córdoba, y numerosas galerías y colecciones particulares.

De Baalbek a Bacler de Alba, Luis Alberto

Baalbek

Ciudad situada en el Valle de la Beqaa, al Este de Líbano, a la orilla de los ríos Litani y Asi, a 1.XVII0 metros de altitud. Su nombre significa "ciudad de Baal", la divinidad semita principal de la ciudad. La protección de esta divinidad hizo que griegos y romanos la pusieran el apodo de la "Ciudad del Sol".

Historia

Por algunos restos encontrados en las excavaciones arqueológicas, se atribuye su fundación a los fenicios. Pero la primera información escrita que se refería a la ciudad databa del 332 a. de J.C., cuando fue conquistada por las tropas de Alejandro de Macedonia. Con la desmembración de su Imperio tras su muerte, la ciudad se incluyó entre las posesiones de la Dinastía Ptolemaica. La identificación de su divinidad principal, Baal, con el dios del Sol, hizo que fuese rebautizada con el nombre de Heliópolis. En el 206 a. de J.C., la ciudad fue conquistada por las tropas del soberano seleúcida Antioco el Grande, que la tuvieron en su poder hasta la llegada de los romanos en el 64 a. de J.C., con motivo de la tercera guerra de Roma contra Mitriades VI, rey del Pronto. La entonces llamada fue integrada en la provincia romana de Siria. Los romanos dedicaron el templo de Baal a Júpiter, bajo la advocación de Júpiter, y la fama del santuario se extendió por todo el Imperio. Augusto asentó en el 16 a. de J.C. en su territorio a los veteranos de la legión VIII Augusta. Fue precisamente con este Emperador cuando alcanzó la categoría de colonia con el nombre de Colonia Julia Augusta Félix Heliopolitana. Teodosio convirtió el templo en un lugar de culto cristiano. Los árabes la ocuparon en el 637 a. de J.C. Baalbek fue saqueada en 1400 por las tropas del gran mongol Tamerlán. Los árabes pusieron a la cabeza de la población a un gobernador que dependía de la provincia de Siria, situación que pervivió hasta principios del s. XX. En 1759 sufrió un terremoto que destrozó las ruinas que quedaban a la vista. Tras la I Guerra Mundial, los franceses la unieron a su protectorado en las costas de Palestina, y pasó a estar bajo administración libanesa cuando el Líbano alcanzó su independencia. Las tropas Sirias la convirtieron en una fortaleza durante la Guerra Civil libanesa. Actualmente tiene 50.000 habitantes.

Arqueología

Las excavaciones en busca de materiales para las colecciones particulares comenzaron en el s. XVI, pero las excavaciones sistemáticas no comenzaron hasta 1898, cuando una expedición alemana excavó durante cinco años la zona de los templos. Los franceses prosiguieron con la labor tras la Primera Guerra Mundial. Actualmente es el Servicio de Antigüedades de Líbano quien realiza los trabajos. En la acrópolis de la ciudad destacaba el Templo de Júpiter Heliopolitano, al cual se accedía mediante unos propileos; el templo en sí era peristilo y se encontraba rodeado por cincuenta y cuatro columnas de estilo corintio (véase en Órdenes arquitectónicos). Actualmente todavía se pueden ver seis de ellas en pie. Estaba situado sobre un podio que le elevaba nueve metros sobre el nivel del suelo. Las dimensiones eran de 86 x 50 m. De la cella principal apenas quedan restos. Delante del templo había un altar para la realización de los sacrificios.

Antonino Pío le añadió un patio rectangular y un gran pórtico hexagonal En la acrópolis también se encuentra el templo de otra divinidad importante en la ciudad, el de Baco. Este también es de estilo corintio, pero con unas medidas menores. Su cella, con una dimensión de 35 x 20 m, es la mejor conservada de todo el Imperio Romano. El templo era peristilo, con ocho columnas en los lados menores y quince en los grandes. Finalmente, fuera de la acrópolis, se encuentra el templo de la tercera divinidad de la triada de Baalbek, Venus. Éste, construido a finales del s. II, tiene la particularidad de poseer una cella de forma circular. La importancia en el mundo romano de esta ciudad fue tan grande que el Templo de Júpiter apareció en monedas de algunos emperadores, como Septimio Severo, Galieno y Gordiano III.

Baan, Juan de, pintor holandés (1633 – 1702)

Sobresalió en los retratos, e hizo los de varios príncipes de Europa, como los de Nassau y de Orange, y el Duque de York, que luego fue rey de Inglaterra; estuvo a punto de ser asesinado por haber pintado los de Cornelio y Juan Witt, que eran aborrecidos en los Países Bajos.

Baba, Corneliu, pintor rumano (Cracovia, 1906 – Bucarest, 1997)

Baba fue un muy destacado pintor de retratos y, también, de escenas de género. Su primera formación artística la recibió de su padre, el pintor académico Gheorge Baba. En su obra tuvo la influencia del art noveau, el impresionismo, el neoimpresionismo, el expresionismo y de Goya, Rembrandt y El Greco. Su concepción del arte le hizo recibir críticas y advertencias ya que se encontraba en un país comunista en el que el arte que se impulsaba era el realismo socialista. De todas maneras, recibió condecoraciones por su trabajo e incluso (lo que era muy raro en ese tiempo) se le permitió salir del país para exponer.

Babarovic, Natalia, pintora chilena (Santiago de Chile, 1966- )

Es una representante destacada de una generación de artistas de su país que desde la década de 1990 ha creado un estilo propio basado en la percepción subjetiva de la mirada, a través de la recuperación de la temática paisajística y la utilización de técnicas tradicionales. 

Natalia Babarovic realizó estudios en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Chile, centro donde recibió clases de Gonzalo Díaz y Adolfo Couve, siendo este último pintor quien más influyó en su arte, especialmente en lo que atañe a las técnicas de representación. En 1990 se licenció en artes plásticas con una mención en pintura, y en 1992 realizó su primera obra de relevancia, apoyado por el Fondo Regional para las Artes: un mural en la ciudad de Rancagua, en el que comienza a definir lo que será su pintura. Al año siguiente (1993) exhibió en la Galería Gabriela Mistral otra de sus obras capitales, El cautiverio feliz. En 1994 recibió el grado de Magister en Artes Visuales por la Escuela de Postgrado, y este mismo año ganó una beca del Fondo para el Desarrollo de la Cultura y las Artes (Fondart) con la que pudo continuar su actividad artística. En 1995 fue una de las artistas premiadas con el Premio Gunther en el transcurso de la III Bienal de Arte celebrada en el Museo Nacional de Bellas Artes de Santiago. 

Ya con cierta notoriedad en su país, en 1998 fue elegida como una de las participantes en el proyecto Puertas Abiertas a Chile, una iniciativa cultural organizada por la Embajada chilena en Francia con el fin de propiciar el intercambio de ideas artísticas entre pintores de ambas nacionalidades; en el marco de esta experiencia, Babarovic expuso en algunas de las más prestigiosas galerías de París.

Perteneciente a la que algunos autores han denominado "Generación Emergente de los Noventa", junto a figuras como Francisco Valdés, Victoria Polanco, Carolina Bassi, Voluspa Jarpa y Pablo Langlois, la obra de Natalia Babarovic se caracteriza por una vuelta al paisaje como motivo canalizador de la sensibilidad artística, si bien introdujo una óptica personal que va más allá del realismo academicista, aunque no por ello deja de ser deudora de éste. Así, la posición subjetiva frente a uno de sus paisajes es la de un viajero que reconstruye visualmente una intrascendente sucesión de imágenes; los campos labrados, una hilera de postes telegráficos, una laguna, etc., son percepciones fugaces, instantáneas, como fotogramas de un instante en el que el movimiento juega un papel fundamental y las coordenadas de espacio y tiempo adquieren una dimensión diferente. Siguiendo esta línea de expresión, cobran sentido recursos como la mezcla de planos o la descomposición conceptual del objeto; el emborronamiento o la extensión de la mancha de color, de lo que constituye un magnífico ejemplo Camino de Huentelauquén. Babarovic plantea así la eterna relación entre el artista y su postura ante la representación del objeto, el lenguaje de la plástica, en su caso más relacionada con la impresión que con el resultado de la contemplación u observación detenida, en la línea intimista influjo de su maestro Adolfo Couve. En El sitio de Rancagua, obra capital en su carrera, se acercó a la tradición del muralismo americano, pero haciendo mayor hincapié en la condensación de una idea histórica que en la propia épica del acontecimiento.

Babbit, Arthur , dibujante estadounidense (Omaha, Nebraska, 1907 – Los Ángeles, California, 1992)

Animador estadounidense que trabajó para The Walt Disney Company. En los años 30 se especializó en la realización de cortometrajes del personaje Goofy, al que dio su personalidad definitiva en cortos como On Ice (1935) y Moving Day (1936). Su película de 1936 The Country Mouse obtuvo un Oscar al mejor cortometraje de animación. Participó también en los primeros largometrajes de Disney: Blancanieves y los siete enanitos (1937), en la que fue el responsable de la animación de la madrastra de Blancanieves; Pinocho (1940)—fue el creador gráfico del personaje Geppetto—; Fantasía (1940), película de la que animó varias secuencias, como la danza de los hongos; y Dumbo (1941).

En 1941 fue despedido por Walt Disney a causa de su actividad sindical. El despido de Babbitt fue una de las causas de la huelga de los estudios Disney en 1941. Posteriormente volvió a ser admitido, e intervino en algunas películas hasta 1948, en que decidió incorporarse a los estudios UPA, fundados años atrás por otros trabajadores también despedidos por Disney. Intervino en el primer corto en el que hizo su aparición el personaje de Mr. Magoo (Ragtime Bear, 1949)

Fue enterrado en el cementerio Forest Lawn Memorial Park de Los Ángeles.

Babilonios

Antiguos habitantes de la ciudad de Babilonia y de la región homónima. Constituían la rama meridional de las poblaciones semíticas de Mesopotamia; tenían, como los sumerios, una escritura cuneiforme, y su lengua, muy parecida a la asiria, era una derivación del acadio. Menos guerreros que los asirios, se dedicaron a las ciencias astronómicas, las matemáticas y las artes.

Arte

La arquitectura babilónica no se diferencia en mucho de la del resto de Mesopotamia. Debido a la falta de edificios, palacios y templos (zigurats) con ladrillos de arcilla. Las excavaciones realizadas por los arqueólogos alemanes en Babilonia han pusto en descubierto el plano de la ciudad tal como fue en los tiempos de Nabucodonosor: las grandes murallas y las puertas custodiadas por animales fantásticos son ejemplo del gusto arquitectónico babilónico. Una particularidad de su arte son los relieves sobre ladrillo esmaltado, colocados a lo largo de los muros de las calles y de las paredes de los edificios. Estos relieves murales difieren de los asirios porque no persiguen ninguna finalidad narrativa, sino que tienen un valor puramente ornamental. Sobre ladrillos policromados de colores vivísimos, se destacan figuras de dragones, leones y animales fantásticos.

Durante el período de decadencia en Asiria, después de la muerte de Asurbanipal, Babilonia volvió a ser un reino independiente, fundado por los caldeos, un pueblo semita que conquistó el país adyacente, fundó el Imperio Neobabilónico, luego ayudó a los medos a combatir al Imperio asirio y, tras la caída de Nínive, sometió la mayor parte del antiguo territorio asirio. A partir del 604 antes de Cristo, los babilonios conocieron otra época de bienestar con el gobierno del animoso guerrero y gran arquitecto Nabucodonosor II. Adornó Babilonia con magníficas construcciones. El templo que mandó levantar en Bel-Marduk alcanzó celebridad. Según la costumbre babilónica, junto al complejo del templo se elevaba una alta torre dividida en varias terrazas. La de Babilonia poseía siete terrazas consagradas al Sol, a la Luna y a los demás cinco planetas conocidos en la época. Causaban gran impresión por sus cubiertas de tejas multicolores. La más bella era la terraza dorada del Sol. La terraza argentada de la Luna brillaba en la cima. Las ruinas de esta torre aún existen en nuestros días y han impresionado profundamente la imaginación de los árabes que habitan en sus alrededores. Los árabes veían en ellas los vestigios de la "torre de Babel", construida por los primeros hombres, pero una inscripción descubierta recientemente prueba que fue el rey Nabucodonosor quien ordenó levantar esta torre hasta el cielo. Allí se dice que la torre del templo era anterior a él, pero que sólo se componía de dos terrazas. Nabucodonosor era no solamente un gran rey, sino también un hombre piadoso. Las oraciones dirigidas a Marduk, dueño supremo del mundo, y a su hijo, son tan puras y de tono tan elevado, que la literatura mundial tiene pocas obras comparables.

Nabucodonosor se hizo construir un lujoso palacio v, atendiendo,i los deseos de su esposa, lo rodeó con un jardín colgante en forma de terrazas, los famosos "jardines colgantes de Babilonia", que, como las pirámides egipcias, se cuentan entre las siete maravillas del mundo. Cuando la Biblia y los escritores antiguos hablan de la magnificencia de Babilonia, hacen alusión, sobre todo, a la Babilonia de Nabucodonosor, que les causó una impresión imborrable. Los muros, templos, palacios, y casas particulares que fueron exhumados en nuestros días, datan, en gran parte, de aquella época.

Baburen, Dirck van, pintor holandés (Wijk bij Duurstede, hacia 1595 – Utretch, 1624)

Un pintor barroco holandés, uno de los líderes de la escuela pictórica de Utrecht, que estuvo influenciada por el dramático estilo tenebrista del pintor italiano Caravaggio. También fue conocido como Teodoer van Baburen y Theodor Baburen.

Con toda probabilidad, Dirck van Baburen nació en Wijk bij Duurstede a 1595, pero su familia pronto se trasladó a Utrecht. Su padre, Jasper van Baburen había estado al servicio de la Vizcondesa de Utrecht, Geertruijd van Bronckhorst van Battenburg.

La primera referencia del artista se encuentra en los registros de 1611 de Utrecht del Gremio de San Lucas como un discípulo de Paulus Moreelse (1571 – 1638), un retratista y pintor de escenas históricas.

En algún momento entre 1612 y 1615 viajó a Roma. En 1615 realizó un San Sebastián mártir (actualmente perdido) para la Iglesia del Servicio en Parma; es posible que la imagen fuese pintada en Roma, donde van Baburen pasó varios años. 

        En Roma colaboró con David de Haen (¿? – 1622) originario de Rotterdam, y con Nicolas Régnier. Baburen también llamó la atención de los coleccionistas de arte y los mecenas Vincenzo Giustiniani (1564 – 1637) y el cardenal Scipione Borghese (1576 - 1633) y, posiblemente, bajo sus influencias recibió la comisión junto a su compañero de Haen para realizar las decoraciones de la capilla de la Piedad en el monasterio de San Pietro in Montorio, donde Baburen pintó el retablo de El Entierro alrededor de 1617.

En 1619, Van De Haen y Baburen comparten un apartamento en la parroquia de San Andrea della Fratte, parroquia donde vive Bartolomeo Manfredi (1582 – 1622), cuyo estilo está estrechamente relacionado con ellos, y con quien Baburen entabló una estrecha amistad.

En la "Ciudad Eterna", Baburen fue uno de los primeros miembros del grupo Bentvueghels ("Pájaros de una pluma"), un grupo de artistas de habla holandesa activos en Roma en el s. XVII. En este grupo el apodo de Baburen era "Biervlieg" ("Mosca cervecera", o "el que bebe demasiado").

Una carta sobre arte dirigida por Teodoro Amayden a Giustiniani en 1620, incluye una clasificación de los artistas en orden de importancia; en ella aparece el nombre de "Teodoro", probablemente refiriéndose a Van Baburen, en la undécima posición entre los más grandes.

A finales de 1620, Baburen regresó a Utrecht, y vivió con su madre y hermana en la Jansdam. Recibió encargos y pintó algunas escenas de género.

Entre 1622-3 compartió estudio con Hendrick ter Brugghen (1588 – 1629). Ambos pintores, junto con Gerard van Honthorst (1592 – 1656), ayudaron a establecer el estilo y la temática de las innovaciones caravaggistas ahora conocida como la Escuela de Utrecht.

Aún estaba soltero cuando murió repentinamente en 1624, sin cumplir los 30 años, probablemente víctima de la peste. El 28 de febrero de 1624 fue enterrado en Buurkerk, una iglesia medieval de Utrecht, que hoy alberga el Museo van Speelklok tot Pierement.

Alrededor de 1629, Constantijn Huygens (1596 – 1687) señaló a Baburen como uno de los pintores holandeses importantes activos en las primeras décadas del s. XVII.

Su reputación disminuyó rápidamente después de su muerte, y no fue hasta el s. XX que su trabajo volvió a salir a la luz.

  El arte de Baburen se caracteriza por una cierta tosquedad en la concepción, ritmos irregulares en la composición y una baja calidad atmosférica, pero su manera de pintar se puede decir que se amplia y fortifica. Su estilo está ligado al de Hendrick Ter Brugghen, pero tiene una menor personalidad.

La carrera de Dirck van Baburen fue corta, y sólo unas pocas de sus pinturas son conocidas hoy en día. La mayoría de las que pintó en Roma de temas religiosos, incluida la de San Pietro in Montorio, Entierro, están en deuda con las versiones del mismo tema que Caravaggio presentes en los Museos Vaticanos. Baburen también pintó una Captura de Cristo (Galería Borghese, Roma) para Scipione Borghese y Cristo lavando los pies de los Apóstoles (Gemäldegalerie, Berlín) para Vincenzo Giustiniani. La influencia de Caravaggio también se puede ver en sus dos versiones de Cristo coronado con espinas, sobre la base de una pintura pérdida del maestro italiano.

Las obras de Utrecht realizadas entre 1621-4, los últimos años de la carrera de Baburen, se fusionan las características visuales aprendidas de Caravaggio y Manfredi en el género mitológico y de la pintura histórica. Prometeo siendo encadenado por Vulcano (Rijksmuseum, Ámsterdam), por ejemplo, adapta la figura de Caravaggio de San Pablo de La conversión de San Pablo (Basílica de Santa Maria del Popolo, Roma) a la posición caída de Prometeo, que fue castigado por robar el fuego de los dioses y dárselo a los mortales.

Él fue uno de los primeros artistas en popularizar géneros con temas como músicos y jugadores de cartas. Una de sus obras más conocidas es La procuradora (Museo de Bellas Artes, Boston), que representa a un hombre que ofrece una moneda para los servicios de una tocadora mientras una prostituta vieja, la procuradora de la dama, inspecciona su dinero. Este cuadro (o una copia) era propiedad de la suegra de Johannes Vermeer (1632 – 1675) y aparece reproducido en dos de las obras del artista: El concierto (robado en 1990 del Museo Isabella Stewart Gardner, Boston) y Mujer sentada en un virginal (National Gallery, Londres).

Obras suyas son: Cristo con la corona de espinas(1623) Museo Catharijneconvent, Utrecht. Berger Daifilo dando una bebida a la princesa Granida, óleo sobre lienzo, 166 x 209 cm., entre 1608 y 1624, Museos Reales de Bellas Artes de Bélgica, Bruselas. Berger Daifilo dando una bebida a la princesa Granida, óleo sobre lienzo, 68.5 x 60.5 cm., entre 1609 y 1624, Galería Christie's, Londres. Compañía de músicos, óleo sobre lienzo, atribuido a Dirck van Baburen, 49 x 65 cm., entre 1610 y 1624, Galería Sotheby's, Nueva York. San sebastián atendido por Santa Irene y su criado, 1615, óleo sobre lienzo, atribuido a Dirck van Baburen, 169 x 128 cm., Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid. El entierro, sobre 1617, Monasterio de San Pietro in Montorio, Roma. El entierro, idéntica a la anterior composición, óleo sobre lienzo, 220 x 140 cm., circa 1620, Museo Central de Utrecht. El entierro de Cristo, óleo sobre lienzo, atribuido a Dirck van Baburen y David De Haen, 222 x 142 cm., documentada en 1617 Museo Central de Utrecht. Hombre con una jarra, un cuchillo y un trozo de pan, óleo sobre lienzo, atribuido a Dirck van Baburen, 72 x 59,5 cm., entre 1620 y 1624, Lempertz, Colonia. Captura de Cristo, antes de 1621, Galería Borghese, Roma. Cristo expulsando a los mercaderes del Templo óleo sobre lienzo, firmado, 161 x 199,5 cm., con fecha de 1621, Galería Christie's, Londres. Cristo lavando los pies de los Apóstoles, antes de 1621, Gemäldegalerie, Berlín. Joven tocando un pequeño silbato pintura sobre lienzo, firmado, 65 x 52,5 cm., con fecha de 1621, Museo Central, Utrecht. La muerte Uriah en la batalla, antes de 1621 colección privada. Cantante acompañado con el laúd, óleo sobre lienzo, firmado, 71,2 x 59 cm., con fecha de 1622, Museo Central, Utrecht. Cristo entre los doctores, 1622, Galería Nacional de Noruega, Oslo. El filósofo Demócrito riendo, óleo sobre lienzo, taller Dirck van Baburen y Ter Brugghen, 1622, 71,5 x 56,5 cm., Galería Arcade, Londres. La procuradora, pintura sobre lienzo, 100,2 x 105,3 cm., 1622, Museo de Bellas Artes, Boston, Massachusetts. Pareja tocando música y procuradora, una copia de la anterior pintura sobre tela, posterior a Bavuren, 100 x 90 cm., Rijksmuseum, Ámsterdam. Los jugadores de backgammon, sobre 1622, Residenzgalerie, Bamberga. Compañía perdida, 1623, Gemäldegalerie, Maguncia. Prometeo siendo encadenado por Vulcano, óleo sobre lienzo, 202 x 184 cm., 1623, Rijksmuseum, Ámsterdam. Coronación de espinas, óleo sobre lienzo, 106 x 136 cm., 1622-3, Museo Catharijneconvent, Utrecht. Coronación de espinas, 1623, Museo Nelson-Atkins, Kansas City, Missouri. Jóvenes licenciosos, 1623, Gemäldegalerie, Maguncia. Pere y Cimon o Caridad romana, sobre 1623, 127 x 151 cm., Galería de Arte York, York. Una copia se encuentra en el Museo de la Cartuja, Douai. San Sebastián atendido por Irene, sobre 1623, Kunsthalle, Hamburgo. Santa Irene y su siervo curando las heridas de San Sebastián, óleo sobre lienzo, (copia de la anterior), 111 x 150 cm., entre 1600 y 1624, Galería Sotheby's, Londres. El flautista, óleo sobre lienzo, firmado, 71 x 54,5 cm., alrededor de 1624, Nagel Auktionen, Stuttgart. Mucius Scevola ante Porsenna o Aquiles preparándose para vengar la muerte de Patroclo, en ocasiones también conocido como La muerte de Urías en la batalla, óleo sobre lienzo, 204 x 287 cm., 1624, Galería de Pinturas de los Maestros Clásicos, Cassel. Hombre con una flauta en sus manos, dibujo, atribuido a Dirck van Baburen, 23,3 x 20,1 cm., Galería Uffizi, Florencia. El entierro, óleo sobre lienzo, 220 x 149 cm., Museos Reales de Bellas Artes de Bélgica, Bruselas. Retrato de un cantante, Museo de Bellas Artes de Nantes. Soldados jugando al trictrac, 101 x 124 cm., Museo Spaans Gouvernement, Maastricht. Una ofrenda a la diosa romana Ceres, óleo sobre lienzo, atribuido a Dirck van Baburen y Baltasar van der Ast, 137 x 197 cm., entre 1621 y 1623, Galaría Christie's, Nueva York. Un filósofo, óleo sobre lienzo, atribuido a Dirk van Baburen, 127 x 95,5 cm., Museo de Bellas Artes de Rouen. Viejo escribiendo taller de Dirck van Baburen, óleo sobre lienzo, 83,8 x 67 cm., alrededor de 1622/1623, Galería Sotheby's, Nueva York.

Baby-face

Los Baby faces (cara de niño) son uno de los elementos característicos del arte olmeca. Son pequeñas esculturas de cerámica, generalmente de 25 a 35 cm, brillantes, de color blanco o con engobe de color crema, con cara de niño y la cabeza grande, deforme, con una forma denominada peripoidal por su parecido (lejano) con una pera. También tienen los ojos almendrados, muy estrechos, las extremidades cortas y gruesas, y todas son diferentes. Los personajes están desnudos y recuerdan a bebés sentados o gateando.

Una conocida escultura olmeca llamada Señor de Las Limas ha sido erróneamente llamada baby face, aunque se trata de un hombre sentado con un niño jaguar en los brazos. Una creencia dice que los Baby faces son niños nacidos de la unión de una mujer con un jaguar.

El baby-face, o “cara de niño”, es la segunda imagen básica del arte olmeca. Igual de antiguo que el zoomorfo reptil; el baby-face, desde el punto de vista del escultor, es más difícil de lograr porque la tradición requiere que lo hagamos de un modelo vivo, pues estos individuos son sagrados en nuestra religión y es importante captar realísticamente todas sus peculiaridades congénitas: grandes cabezas, ojos almendrados, mandíbulas, largo torso y extremidades cortas y gruesas. Aunque todos se parezcan entre sí, muestran sutiles diferencias físicas. De tamaño portátil, tallamos sus rostros en forma de máscaras, además de individuos de pie o sentados de cuerpo entero. Los que están de pie generalmente sólo portan taparrabos y se caracterizan, además de por sus facciones únicas, por su forma de tener las rodillas parcialmente flexionadas. Los sentados se hallan, por lo común, ricamente ataviados con sus vestimentas rituales. Como monumentos, los baby-face se tallan en forma de cabezas colosales e individuos sentados ritualmente ataviados.

Baby faces se han encontrado en sitios olmecas de un amplio territorio, desde el centro de México hasta el sudeste de Veracruz.

Baca-Flor Falcón, Carlos, pintor peruano (Islay, Arequipa, 1867 – París, 1941).

Pasó su infancia en Chile, donde hizo en sus primeros estudios. En Chile falleció su padre. Ingresó a la Academia de Bellas Artes de Santiago (1882)

Ganó el Premio “Roma”, que no aceptó por no nacionalizarse chileno. Al saber de esto el presidente Andrés A. Cáceres el gobierno peruano acordó darle una beca para que estudie en Europa.

        Llegó a Lima en 1887 donde permaneció dos años. El 6 de febrero de 1890 partió a Europa, nunca más regresó al Perú.

        En París perfecciona su pintura, conoce a otros pintores notables. Recibió el encargo de J. P. Morgan, el magnate norteamericano para pintar su retrato. Este trabajo lo hace conocido como el “pintor de los millonarios”.

        En París ganó el Primer Premio en el Salón Anual de Artistas Franceses en 1907.

        Falleció en Neuilly-sur-Seine el 20 de febrero de 1941. Su obras fueron compradas por el gobierno peruano y sirvieron para formar el Museo de Arte de Lima. La escuela superior de arte de Arequipa lleva su nombre. (Juan José Pacheco Ibarra)

Baccarat

        La Société Baccarat es una empresa que elabora artículos de cristal de gran calidad. Está localizada en Baccarat, Francia. En el Museo Baccarat en la Place des États-Unis en París se muestran algunos de sus diseños históricos y más finos. La compañía es reconocida actualmente como una de las más importantes en la industria del diseño en cristal por su calidad y textura.

        En 1764 el rey Luis XV de Francia concedió al cardenal Louis-Joseph de Laval-Montmorency (1761-1802) permiso para fundar un taller de vidrio en el pueblo de Baccarat, en la provincia de Lorena, al este de Francia. Los primeros productos consistieron principalmente en vidrios para ventanas, espejos y copas, hasta 1816, cuando el primer horno para cristal fue instalado. En esta época, la compañía empleaba a más de tres mil personas.

        Baccarat recibió su primer encargo real en 1823. Este evento fue el primero de una larga lista de encargos para la realeza y jefes de estado de todo el mundo. En 1855, Baccarat recibió su primera medalla de oro en la Exposición Universal de París

        Hacia 1860, la compañía comenzó a firmar sus productos con una marca registrada. La marca estaba grabada en la base del artículo. En el periodo comprendido entre 1846 y 1849 Baccarat marcó algunos de sus artículos de cristal más finos con la letra B y el año en que la pieza fue creada. Un pisapapeles fechado en 1853 fue encontrado bajo la piedra fundacional de una iglesia de Baccarat dañada por una bomba en la Segunda Guerra Mundial.

        La producción de cristal se expandió en este periodo, y la compañía consiguió reputación mundial por su cristalería de gran calidad, candelabros y frascos de perfume, entre otros.

        La era Imperial terminó en 1867, con la derrota de Napoleón III, esto implicó que tendencias externas a Francia comenzaron a tener fuerte influencia en los trabajos de Baccarat, particularmente aquellas procedentes de Japón. En este periodo se nota un fuerte crecimiento de la empresa en el continente asiático.

        Durante este periodo, una de las áreas de mayor producción para la empresa eran los frascos de perfume, y en 1907 la producción era de unos cuatro mil frascos diarios.

        En 1936, la compañía comenzó a grabar sus trabajos con ácido y con la técnica del granallado.

        Baccarat fundó una subsidiaria en Estados Unidos en 1948. Y para el año 2007 existían tiendas de la compañía en una decena de ciudades estadounidenses.

        En el año 1964 el Museo Louvre realizó una retrospectiva de los trabajos de la firma, para celebrar el aniversario 200 del inicio de los trabajos en cristal.

        De 1966 a 1996 el escultor Robert Rigot fue consejero artístico de la empresa.

        En 1993 Baccarat comenzó a diseñar joyería y en 1997 la compañía expandió sus operaciones hacia la industria del perfume.

Bacchi, Cesare, pintor italiano (1881-1971)

Fue un pintor realista que trabajó sobre diversos temas pero que se caracterizó por sus retratos y sus sutiles desnudos.

Bacciarelli, Marcelino, pintor italiano (Roma, 1731 – Varsovia, 1818)

Estudió en Roma con Marco Benefial. En 1750 fue llamado a Dresde, Sajonia, donde fue contratado por el Elector de Sajonia y rey de Polonia, Federico Augusto; tras la muerte de éste, marchó a Viena y luego a Varsovia. Allí conoció y trabajó junto al pintor italiano en Dresde, Viena y Varsovia, Bernardo Bellotto. Durante los primeros años de Bacciarelli en Varsovia, el joven Alexander Kucharsky comenzó a formarse como pintor en su taller. Otro alumno destacado de Bacciarelli fue Kazimierz Wojniakowski. Dirigió la nueva institución de la Academia de Artes de Varsovia. Pintó un conjunto de reyes polacos, desde Boleslao I el Bravo en adelante. El retrato de Estanislao II (Stanisław August Poniatowski) fue grabado por A. de Marcenay de Ghuy, Küstner y A. Fogg. Bacciarelli pintó escenas de la Historia de Polonia. Se encuentra enterrado en la catedral de San Juan de Varsovia, ciudad en la que falleció.

Una serie de pinturas suyas se realizaron para el rey Estanislao II y se encuentran en el Castillo Real en Varsovia. Entre ellas se encuentran: Fuerza, Razón, Fe y Justicia, en la Vieja Cámara de Audiencias. El florecimiento de las artes, las ciencias, la agricultura y el comercio en el techo de la Vieja Cámara de Audiencias. Rebeca y Eliacer en el Dormitorio del Rey. Ester y Asuero en el Dormitorio del Rey.

Baccio da Montelupo, escultor y arquitecto italiano (Montelupo florentino, 1469 – 1533)

Nacido Bartolomeo di Giovanni d'Astore dei Sinibaldi, fue un escultor italiano del renacimiento. Fue padre de otro gran escultor, Raffaello da Montelupo. Tanto el padre como el hijo fueron biografiados por Vasari en su famoso libro Le vite de' più eccellenti pittori, scultori e architettori (Las vidas de los más excelentes pintores, escultores y arquitectos).

Nació en el seno de una modesta familia de Montelupo Fiorentino. A los dieciocho años se trasladó a Florencia, donde se dedicó al estudio de la escultura, asistiendo a la scuola de Bertoldo di Giovanni, fundada en los jardines de Lorenzo de Médici, y que era frecuentada por otros jóvenes escultores, como Miguel Ángel, Giovanni Francesco Rustici y Jacopo Sansovino.

Recibió su primer encargo importante de los frailes de la Basílica de San Domenico de Bolonia: un «Compianto» (escena de la Lamentación de Cristo muerto), consistente en una serie de estatuas de terracota (c. 1495). Después volvió a Florencia, donde hizo varios crucifijos de madera: en la Basílica de San Lorenzo y en San Marco, ambas en Florencia, la Abadía de las SS. Flora y Lucilla, en las cercanías de Arezzo, en la iglesia de San Martín, en la localidad de Lastra a Signa, cerca de Florencia.

En Bolonia hizo doce bustos de los Apóstoles en terracota (hoy día en la Catedral de Ferrara).

En 1506 le fueron encargadas varias estatuas para la Abadía benedictina de San Godenzo, de las cuales sólo ha sobrevivido la de San Sebastián.

  El momento culminante de su carrera llegó tras el concurso convocado en 1514 por el gremio de comerciantes de la seda de Florencia, para una estatua de bronce destinada a ocupar uno de los nichos libres de la fachada de Orsanmichele. Vasari comentó:

Se dice que cuando había hecho la figura en arcilla, todos los que vieron los detalles de la armadura y las figuras que la adornaban quedaron maravillados de su belleza. Quienes vieron como la fundió comentaron que Baccio había hecho esta operación con mucha maestría. Todo el trabajo que invirtió le dio fama, no sólo bueno, sino de excelente en su oficio, y hoy más que nunca esta figura se considera una obra muy bella.

Este bronce de Baccio, que representa a San Juan Evangelista está colocado en el exterior de Orsanmichele, junto a las obras de los maestros italianos del s. precedente: Donatello, Lorenzo Ghiberti y Nanni di Banco.

En 1515 hizo un edículo de mármol rodeando un fresco de la Virgen en la iglesia de Sant'Agostino en Colle di Val d'Elsa. Hacia el final de la década, trabajó principalmente en el área de Lucca, haciendo una Piedad para la iglesia de Segromigno (1518). Después hizo monumentos funerarios, incluyendo la tumba del obispo Silvestro Gigli (San Michele al Foro, con su hijo Raffaello da Montelupo; Monumento di San Silao (ahora en el Museo di Villa Guinigi, Lucca) y el Monumento a Giano Grillo (Santa María dei Servi, Bolonia).

Bachelier, Anne, pintora francesa (Louvigné du Désert, 1949 – )

Es una pintora de estilo figurativo, imaginativo, metafísico. Sus creaciones, de muy rico color, están llenas de fantasías y de sentimientos. Las imágenes producidas por Bachelier tienen potencia, alta calidad, y la capacidad de transportar a universos paralelos.

En un mundo donde los cubos de la violencia se cristalizan como espadas lanzadas a velocidad luz, los cuarzos azucarados de la sensibilidad onírica son factibles desde el corazón de un artista. El mundo es duro, una realidad asfixiante, pero siempre hay quien hace posible la belleza y sus múltiples trascendencias.

Estudió el oficio de artista en l`Ecole des Beaux Arts, La Seyne-Sur-Mer. Luego aprendió en un taller de grabado (Valencia, 1974-1975). Su trayectoria expositora es enorme, ha expuesto en numerosas exposiciones internacionales en las que sus pinturas han sido definidas como el arte de la encantadora Scheherazade.

Bachelier es una tejedora de sueños, un hacedora de universos, sólo posibles en la masa esférica de la mente. Es una artista que plasma lo racional con lo sublime, el poema cromático con la técnica del perfeccionismo técnico, pura simbiosis entre las inteligencias plásticas que conforman el hacer humano. 

Cuando ves las obras de Anne Bachelier, la cabeza zigzaguea como uno de esos juguetes antiguos que, tras darles cuerda, no paran de agitarse porque tienen vida propia, una dinámica Big Bang que se expande como un universo infinito de formas estilizadas y ambientaciones de ensueño; son imágenes de pura fantasía, quasars elevados al cubo, con exquisita maestría de pincel y croma hasta llegar a un perfeccionismo sin límites. Se trata de verdaderas obras de arte, de enciclopedias iconográficas comparables a los más grandes maestros del trazo, como Goya, Moreau, Magritte, por citar algunos. La magia que brota de su pincel gesta una plástica intocada por el tiempo que recuerda a las porcelanas humanas de Limoges con cierto flou veneciano.

Los seres de Bachelier se forman en base a una sutil arquitectura morfológica de extrema delgadez, con largas extremidades en punta y dermis blanquecina, cabelleras rojizas que ondulan sobre rostros encerados, desdibujados, enmascarados, de apariencia frágil y rompible; son imágenes en cuyo seno sobrevuelan pajarracos que picotean de un lugar a otro, depositando semillas que renacen en el interior de las cabezas como un génesis de ideas que fluyen en el devenir de los tiempos y se transforman en etéreas crisálidas; son retenciones alejadas del mundo real en cuyos espacios gravitan esferas, óvalos en suspenso, parejos a pequeños receptáculos donde se encierran sentimientos prohibidos. 

En las pinturas de Bachelier, abundan los elementos deformes, transformables, que parecen desvanecerse en las nieblas de la tierra oscura; sus bellas damas, que seducen con su tierna y fría palidez y sus ropajes ingrávidos, acompañan los cortejos hacia destinos inalcanzables. Todo parece quieto, pero todo se mueve lentamente como una nube de polvo en la cabeza. Es una evolución in crescendo, un macro cuento de refinada sensibilidad y pose que narra las distintas historias de un cosmos imaginario, de absoluta delicadeza onírica, un mundo enmascarado como un gigantesco carnaval que nunca termina y en cuya metamorfosis se desnuda en cuerpo y alma. Son escenas etéreas, pasajes provenientes de lugares extraños, que llegan hasta nosotros como poemas entelados por la dinámica de los vientos y las tormentas.

Bachelier, Jean-Jacques, pintor francés (1724 – 1805)

Fundó en 1763 una escuela gratuita de dibujo para los trabajadores, en la que empleó 60.000 francos, y fue director de la fábrica de Sèvres. Se le debe el descubrimiento de una especie de encáustico para las estatuas de mármol; existen en el Louvre varios cuadros suyos que representan La caza del oso y La caza del león.

Admitido en el Real academia de pintura y escultura de en 1752, fundó una escuela de arte utilizando sus propios medios en París en 1765 para los artesanos en el histórico autun collège d'(Rue de l'école de médecine), que sobrevivió hasta el s. XIX.

Bacher, Otto Henry, pintor estadounidense (Cleveland, 1856 – Bronxville, NY, 1909).

Fue un artista americano, conocido principalmente por sus grabados e ilustraciones. También pintó óleos en una variedad de géneros.

Nació en una familia de ascendencia alemana. Después de asistir a las escuelas públicas, fue a trabajar como pintor decorativo en mansiones y en barcos. En 1874, pudo comenzar sus estudios formales de arte con De Scott Evans, que se especializó en naturalezas muertas. Poco después, se convirtió en uno de los primeros miembros del "Club de Arte", fundado por Archibald Willard. También pasó un breve período en la Academia de Bellas Artes de Pennsylvania.

A su regreso, conoció a un pintor recién llegado a Ohio desde Massachusetts, Willis Seaver Adams, y se hicieron socios. Cuando Adams ayudó a crear la Academia de Bellas Artes de Cleveland, hizo que Bacher fuera nombrado miembro del consejo de administración. Por esta época, también comenzó a estudiar grabado con Sion Wenban (1848-1897), un artista de Cincinnati.

En 1878, acompañó a Adams a Europa para estudiar en la Academia de Bellas Artes de Munich y, más tarde, con una introducción de Wenban, estudió con el artista nacido en Cincinnati Frank Duveneck, a quien acompañaría a Florencia y Venecia, donde establecieron un estudio. Una vez instalados, llevó su equipo de grabado y se convirtió en el maestro de Duveneck. Produjeron algunos de los primeros ejemplos de monotipos modernos.

Mientras estaba allí, se hizo amigo de James McNeill Whistler y compartieron técnicas de grabado. Continuaron visitándose mutuamente hasta la muerte de Whistler. En 1908 publicó sus memorias, Whistler en Venecia, originalmente una serie en The Century Magazine. Bacher era muy respetado por sus grabados, muchos de ellos representando escenas de sus primeros años en Cleveland. Expuso por toda Europa Occidental y, en 1881, fue elegido miembro de la Real Sociedad de Grabadores-Pintores.

Regresó a casa en 1883 y abrió un estudio. Poco después, se unió a Joseph DeCamp para dar una clase de verano de dibujo en Richfield, Ohio. También comenzó a pintar más óleos, pero no tuvo éxito en la venta de ellos u otros artículos de su período anterior. Como resultado, una vez más se fue a Europa, esta vez a París, donde tomó algunas clases en la Académie Julian. Estuvo allí por poco tiempo antes de continuar a Venecia, donde compartió apartamento y estudio con Robert Frederick Blum y Charles Ulrich.

En 1888, Bacher estaba de vuelta en los Estados Unidos y se había establecido en la ciudad de Nueva York después de casarse con una ex-estudiante de arte de Cleveland, Mary Holland. Tuvieron cuatro hijos.

Era un ilustrador muy solicitado, tanto para libros y revistas, como para Scribner y McClure. En 1901, se convirtió en uno de los miembros fundadores de la Sociedad de Ilustradores. Ganó una medalla de plata por sus grabados en la Exposición de St. Louis de 1904 y fue elegido asociado de la Academia Nacional de Diseño en 1906.

Pasó los últimos años de su vida en Bronxville y murió allí en 1909, de una enfermedad no revelada.

Baciccia o Baciccio (Giovanni Battista Gaulli, llamado il), pintor italiano (Génova 1639 – Roma 1709)

Gaulli nació en Génova, donde sus padres murieron durante la plaga de 1657. Inicialmente fue aprendiz con Luciano Borzoni. A mediados del siglo XVII, la Génova de Gaulli era un centro cultural italiano cosmopolita abierto tanto a empresas comerciales como artísticas de los países del Norte de Europa, incluyendo países con poblaciones no católicas tales como Inglaterra o las provincias holandesas. Pintores como Pedro Pablo Rubens y Anton van Dyck permanecieron en Génova durante algunos años. Las primeras influencias de Gaulli habrían venido de una mezcla ecléctica de estos pintores extranjeros y otros artistas locales incluyendo a Valerio Castello, Giovanni Benedetto Castiglione, y Bernardo Strozzi, cuya cálida paleta adoptó Gaulli. En los años sesenta del siglo XVII, experimentó con una paleta más fría y lineal, en la línea del clasicismo boloñés.

Pronto, sin embargo, se trasladó a Roma. En 1662, fue aceptado en la academia de pintores de San Lucas, donde más tarde desempeñaría varios cargos. Al año siguiente, recibió su primer encargo público para un retablo, en la iglesia de San Rocco, Roma. Recibió muchos encargos privados para obras mitológicas y religiosas.

Desde 1669, sin embargo, después de una visita a Parma, donde pudo ver el fresco de Correggio para la catedral de Parma, la pintura de Gaulli adquirió un aspecto más pictórico, menos lineal, y la composición, organizada di sotto in su («desde abajo mirando hacia arriba»), influiría su posterior obra maestra. En el momento álgido de su carrera, Gaulli fue uno de los retratistas más estimados de Roma. No se le conoce bien por otros medios distintos de la pintura, pero han sobrevivido muchos dibujos suyos en diferentes medios. Todos son estudios de pinturas.

Gaulli murió en Roma, poco después del 26 de marzo de 1709, probablemente el 2 de abril.

En la primera mitad del siglo XVII, se había ejecutado la extensa decoración interior de dos de las iglesias «madre» (San Andrés della Valle y la Chiesa Nuova), de dos principales órdenes de la contrarreforma, los Teatinos y los Oratonianos. No había ocurrido lo mismo con las dos grandes iglesias jesuitas en Roma, que, aun siendo ricas en mármol y piedra, permanecían artísticamente vírgenes a mediados del siglo XVII. Este vacío habría resultado particularmente evidente en la iglesia del Gesù por el techo de escayola de la nave. Los fondos y la inercia paralizaron su decoración.

En 1661, la elección de un nuevo general de la orden jesuita, Gian Paolo Oliva, hizo que avanzase la decoración. Un recién admitido en la orden, el francés Jacques Courtois (escrito también como Giacomo Borgognone) se había convertido en un pintor respetado y fue el candidato principal a la decoración. Oliva y el líder de la principal familia mecenas, el duque de Parma, Ranuccio II Farnesio cuyo tío Alejandro Farnesio había dotado la construcción de la nueva iglesia, comenzó a negociar si Borgognone debía decorar o no la cúpula. Oliva quería que el encargo fuera a parar a su compañero jesuita, pero se sugirieron otros nombres prominentes, como Maratta, Ferri, y Giacinto Brandi. Al final, gracias al persuasivo apoyo de Bernini y muy posiblemente su fuerte guía después, Oliva obtuvo el prestigioso encargo para un Gaulli de sólo 22 años. Esta elección podría haber sido hasta cierto punto controvertida, puesto que las figuras desnudas de Gaulli que recientemente había pintado al fresco en las pechinas de Sant'Agnese in Agone habían ofendido a algunos, y, como había ocurrido con los frescos del altar de la Capilla Sixtina, obra de Miguel Ángel, habían requerido que se pintara encima para ponerles ropa.1​

Gaulli decoró toda la cúpula, incluyendo la linterna y las pechinas, la bóveda central, las ventanas y los techos del transepto. El contrato original estipuló que la cúpula se hiciera en dos años, y el resto al cabo de diez años. Si lograba la aprobación, le pagarían 14 000 scudi más los gastos. El fresco de la bóveda principal de Gaulli fue desvelado en la Nochebuena de 1679. Después de esto, siguió pintando al fresco las bóvedas de la tribuna y otras zonas de la iglesia hasta 1685.2​

El programa de Gaulli para la nave se cree que estuvo muy supervisado por Oliva y Bernini; aunque no está claro cuánto contribuyeron ellos tres y si todos compartían la misma filosofía. Durante esta época, Bernini supuestamente propugnó algunas enseñanzas quietistas del sacerdote español Miguel de Molinos, quien más tarde fue condenado como hereje y en no pequeña medida gracias a los esfuerzos jesuitas. Molinos proponía que Dios era accesible internamente a través de la experiencia individual, mientras que los jesuitas veían a la iglesia y el clero como un intermediario esencial para acceder a la salvación de Cristo. Por tanto Oliva habría pedido a Gaulli probablemente que conmemorara a los jesuitas frecuentemente martirizados como la fuerza de choque en sociedades heréticas y paganas, llevando el encargo de la Contrarreforma papal. Al final, justo al tiempo que Bernini aprobó la mezcla de fresco y yeso en esta nueva concepción plástica, Gaulli mezcla estas ideas de una manera que al final eran aceptables para su patrón.

La obra maestra de la nave de Gaulli, la Veneración del Sagrado nombre de Jesús (también conocida como Veneración, Adoración, o Triunfo del Santo Nombre de Jesús), es una alegoría de la obra de los jesuitas que envuelve a los devotos (o a los espectadores) que están abajo en un remolino de devoción. Figuras que se arremolinan en el oscuro borde (de la entrada) distal de la base del marco de la composición el cielo abierto, siempre ascendiendo hacia una visión celestial de infinita profundidad.3​ La luz del nombre de Jesús - IHS - y el símbolo de la orden jesuita es recogida por patronos y santos sobre las nubes; mientras que en la oscuridad inferior, el brillo dispersa a los herejes, como golpeados por la onda expansiva del Juicio Final.4​ El gran efecto teatral aquí inspirado y desarrollado bajo su mentor, suscitó críticas que etiquetaron a Gaulli como un «Bernini de la pintura» o un «portavoz de las ideas de Bernini».

Los frescos de Gaulli eran una hazaña de la pintura ilusionista, representando el techo de la iglesia abierto sobre el espectador (y el panorama es visto con verdadera perspectiva di sotto in su, similar a la Asunción de la Virgen de Correggio en el techo de la catedral de Parma o a la gran alegoría que pintó Cortona en el palacio Barberini. El techo de Gaulli es una obra maestra de la quadratura (ilusionismo arquitectónico) que combina figuras y arquitectura en estuco con otras pintadas. El alumno de Bernini, Antonio Raggi proporcionó las figuras de estuco, y desde el suelo de la nave, es difícil distinguir los ángeles pintados de los realizados con estuco. La composición de figuras desbordan los bordes del marco lo que sólo aumenta la ilusión de los fieles alzándose milagrosamente hacia la luz que queda por encima.

Una serie de techos semejantes fueron pintados en las naves de iglesias romanas durante las últimas tres décadas del siglo XVII, incluyendo la colosal alegoría de Andrea Pozzo en la otra iglesia jesuita de roma, San Ignacio, así como la obra de Domenico Maria Canuti y Enrico Haffner Apoteosis en Santissimi Domenico e Sisto. En el siglo XVIII, Tiepolo y otros continuaron la quadratura en el estilo rococó. Pero conforme el movimiento del alto barroco evolucionó hacia el más juguetón rococó, la popularidad de este estilo disminuyó. en sus últimas obras, Gaulli también tomó esa dirección. Así, en contraste con la grandeza de su composición en Il Gesù, vemos a Gaulli adoptando gradualmente colores menos intensos, y composiciones más delicadas después de 1685 —todas con el sello distintivo del Rococó—.

Gaulli acumuló un gran número de alumnos. Es descrito como «de rápido encolerizarse; pero también rápidamente se recobraba, cuando la razón quedaba satisfecha... generoso, de mente liberal y caritativo, especialmente con los pobres».

Backer, Adriaen, pintor holandés (Amsterdan hacia 1635-1684)

Fue un pintor barroco francés especializado en retratos. Sobrino y quizá discípulo de Jacob Adriaensz. Backer (1608-1651), consta un viaje a Italia donde se le documenta en 1666. Un año más tarde se encontraba de regreso en Ámsterdam, donde contrajo matrimonio con Elsje Colyn el 27 de agosto de 1669, cuando dijo tener 33 años. En 1675 recibió como discípulo al pintor polaco Christoffel Lubieniecki (1659-1729). Fue enterrado el 23 de mayo de 1684 en su ciudad natal.

Pintor de retratos y de retratos de grupo al gusto holandés (Regentes del hospicio de Ámsterdam, Berlín, Gemäldegalerie; Retrato de grupo de los inspectores del Collegium Medicum en Ámsterdam, Ámsterdam, Rijksmuseum;​ Lección de anatomía del profesor Frederik Ruysch, Amsterdam Museum3), cultivó también el retrato alegórico y la pintura religiosa, destacando en este género el Juicio Final pintado para la sala del consejo del Ayuntamiento de Ámsterdam (actualmente Palacio Real) o la Erección de la Cruz del Museo Amstelkring.

Backer, Harriet, pintora noruega (Holmestrand, 1845 - Oslo, 1932)

Es una pintora impresionista, caracterizada por sus pinturas de interiores y por los paisajes en los que emplea colores claros y animados. Ha sido integrante del Grupo Lysaker, que se propone practicar un arte de carácter nacional.

Alcalzó renombre por sus pinturas de interiores y paisajes de colores vivos y animada claridad. Es una de las pintoras más reconocidas de Noruega y fue una de las mujeres pioneras en el arte en toda Europa.

Nació en la localidad de Holmestrand, pero a los 12 años se mudó con su familia a Cristianía (hoy Oslo). Ahí, ingresó a la Escuela de Pintura Johan Fredrik Eckersberg, donde estudiaría con Knud Bergslien como maestro.

Salió de Noruega para estudiar en Múnich; ahí cultivó una amistad con su compatriota Eilif Peterssen, quien le realizó un retrato. Realizó varios viajes por Europa en compañía de su hermana la pianista Agathe Backer-Grøndahl. Vivió en París durante 10 años junto a su amiga Kitty Kielland; en esa ciudad recibió la influencia del impresionismo, si bien su obra ha sido catalogada generalmente como realista. En la capital francesa tuvo como maestros a destacados artistas, como Léon Bonnat y Jean-Léon Gérôme. De regreso a Noruega se integró al Círculo de Lysaker, un grupo artístico-político de corte nacionalista que fomentaba la cultura tradicional y la independencia de Noruega.

Ganó una medalla de plata en la Exposición Universal de 1889, en 1908 recibió la Medalla al Mérito del Rey.

Algunas de sus pinturas más reconocidas son Soledad (1878-1880), Interior azul (1883), A la luz de la lámpara (1890) y Bautismo en la iglesia de Tanum (1892). Sus obras se hallan en varios de los museos noruegos más importantes, como la Nasjonalgalleriet de Oslo y el Museo de Arte de Bergen. Otras más son propiedad del municipio de Bærum.

Backer, Henk, dibujante de comics holandés (Rotterdam, 1898 – Eemnes, 1976)

Hendrik Herman “Henk” Baker recibe su formación artística en la Academie voor Beelbende Kunsten (ABK), cuya sede se encuentra en Rotterdam. Empieza a trabajar como ilustrador en 1922, a sueldo del diario Rotterdamsch Nieuwsblad. Por estas fechas elabora una historia ilustrada que titula Nieuwe Oosterche Sprookjes y que los especialistas consideran el primer cómic holandés. Backer ha de competir duramente con las historietas procedentes de Estados Unidos e Inglaterra para imponer un tipo de tebeo autóctono.

Hacia 1922, Voorwaarts, el periódico oficial del Partido Social-Demócrata, le encarga la serie Hansje Teddybeer en Mimi Poezekat, cuyo guión lo escribe Jet Van Strien. Tebeos como Adolphus (1930) irán consolidando su estilo narrativo, lleno de ingenuidad y encanto. Pionero del cómic en Holanda, Backer es casi desconocido fuera de las fronteras de este país, a pesar de su importancia en el desarrollo de la historieta europea.

Obras suyas son: 1922: Nieuwe Oosterche Sproojkes; Hansje Teddybeer en Mimi Poezekat. 1923: Tripje en Liezebertha. 1930: Adolphus.

Backer, Jacob Adriaensz, pintor holandés (Harlingen 1608 - Amsterdam, 1651)

Discípulo de Lambert Jacobsz en Leeuwarden, en 1633 se trasladó a Ámsterdam, donde entró en el taller de Rembrandt.1​ Realizó cuadros de tema histórico y escenas de caza, aunque fue más conocido por sus retratos, entre los que destaca Joven de gris (1634, Mauritshuis, La Haya).2​ Su estilo era bantante parecido al de Rembrandt, hecho que en ocasiones ha originado problemas de atribución en algunas obras.3​

En sus cuadros religiosos y mitológicos mostró un estilo más original, en el que se denota la influencia de Rubens y la escuela de Utrecht. Realizó dibujos de desnudos, que anuncian la obra de François Boucher. Backer influyó en la obra de varios artistas, como Jacob van Loo y Abraham van den Tempel.1​

Su sobrino Adriaen Backer fue también pintor. No debe confundirse con Jacob de Backer, pintor flamenco del siglo xvi.

Backer, Santiago, o "Santiago de Palermo". Pintor holandés (1630-1660)

Se le llamaba Santiago de Palermo, porque pasó su breve vida pintando para un mercader de Palermo, que explotó su talento y aceleró su muerte por el exceso de trabajo.

Bacle, César Hipólito, litógrafo y naturalista francés (Ginebra 1797– Buenos Aires, 1838)

En su juventud adquirió conocimientos de dibujo, topografía, cartografía y ciencias naturales. Realizó viajes por el interior de África en 1817 y 1818. Probablemente llegó al Río de la Plata hacia el 1828, fecha en que anunció por los periódicos la iniciación de su establecimiento litográfico.Salieron de sus prensas la Vista de la ciudad de Salta dibujada por José Arenales y los retratos de Belgrano y de Dorrego. Editó los cuadernos de los Principios del Dibujo, primeros materiales didácticos conocidos en Argentina. Preparó el Proyecto de los Fastos de la República Argentina, iconografía sobre personalidades ilustres. En el orden docente abrió con su esposa en 1831, el Colegio de Señoritas que antes dirigió Madame Curel, bajo el nombre de Ateneo Argentino al que concurrieron las hijas de las mejores familias de Buenos Aires. En 1832 se radicó por un año en la isla de Santa Catalina por problemas políticos con Rosas. Regresó en Buenos Aires en 1833, retomó la dirección de la Litografía del Estado, y comenzó nuevamente la publicación de la colección de Trajes y Costumbres, en 1833, cuya última entrega salió en 1835. Bacle editó el Diario de Anuncios y publicaciones oficiales de Buenos Aires, con varias litografías, primer periódico ilustrado en la Argentina. El fracaso material de sus trabajos lo decidió a alejarse de Argentina y ofreció sus servicios a los gobiernos de Bolivia y Chile. Situación que molestó mucho a Rosas, y se agregó a la denuncia que se hizo de su vinculación política con Rivadavia, por lo que el 4 de marzo de 1837 fue detenido y llevado al Cuartel del Retiro.    Intervino el cónsul de Francia en su defensa, pero Rosas, con particular encono mantuvo preso a Bacle por seis meses, y su salud precaria empeoró día a día. A fin de 1837, después de repetidas instancias, y cuando el preso casi había perdido la razón se lo dejó en libertad sin explicación alguna. Con la salud destrozada, falleció a los pocos días. Su esposa e hijos, en la miseria, se embarcaron para Europa el 2 de marzo de ese año. Su prisión y muerte fueron una de las causas aducidas para justificar la intervención francesa. 

        El mayor de sus dos hijos, Etienne Auguste Isaac Charles Bacle, nacido en Ginebra el 21 de febrero de 1817, murió el 16 de diciembre de 1873 en Constantinopla donde se desempeñaba como asesor del Sultán.

Bacler de Alba, Luis Alberto, pintor e ingeniero geógrafo francés (1762 – 1824)

Agregado al Estado Mayor de Napoleón, hizo la primera campaña de Italia, y continuó siempre al lado de Napoleón, que le nombró director de su gabinete topográfico, y le adelantó en su carrera, hasta hacerle general. En 1815 se retiró a Sèvres, y pasó el resto de su vida entre el lápiz y los pinceles. Sus obras más notables son: Carta militar de Italia; Batalla de Arcole; Batalla de Austerlitz.