Atacameña, Cultura
Cultura indígena prehispánica desarrollada en el norte de Chile hacia el siglo VIII de nuestra era. Los atacameños, agrícolas y ceramistas, confeccionaron los llamados jarros-patos y jarros-zapatos, los cuales eran utilizados tanto en tareas cotidianas como en ritos y ceremonias dedicadas a la divinidad. Esta diferenciación se representa fundamentalmente a través del coloreado y decoración de las piezas cerámicas.
Sus sepulturas, testimonios de creencias en una vida extraterrenal, fueron construidas con lozas de piedra. Muchas veces el difunto era acompañado por su esposa o esposas.
Como agricultores, cultivaron maíz, teca, porotos y calabazas. La caza de aves, roedores y otros mamíferos, unida a los intercambios con la costa, les proporcionaba carne. Así mismo, domesticaron llamas y guanacos. Sus asentamientos se constituyeron con viviendas de barro, elementos vegetales y piedra. Construidos con este último material, destacan los pucarás atacameños, fortalezas pétreas encumbradas en los sectores altos de los valles, destinados a la defensa y la vigilancia de las rutas de acceso y salida de los poblados. Conocedores de las técnicas de fundición y trabajo de metales, elaboraron adornos y armas de cobre y bronce.
Un elemento particularmente interesante de las prácticas culturales de estos pueblos es el consumo ritual de sustancias alucinógenas. La inhalación de este tipo de sustancias constituyó, y aún lo es, una práctica común entre los indígenas de América. Un gran número de objetos utilizados para este fin, provenientes de ajuares funerarios, han sido recuperados por los arqueólogos en las cercanías de San Pedro de Atacama, en el norte de Chile. Los hábitos inhalatorios eran practicados principalmente por los shamanes o sacerdotes, quienes cumplían funciones mágico-religiosas y curativas dentro de la sociedad. Las drogas daban al shaman el poder de transformación en animales o seres mitológicos, a los que suponían poseedores de fuerzas sobrenaturales, y que aparecen esculpidos y grabados en las tabletas y tubos del complejo alucinógeno. Las representaciones más comunes las constituyen los felinos, serpientes y cóndores, entre los animales. También es frecuente el "Sacrificador", personaje ampliamente difundido en la cultura andina que se representa con máscara de jaguar, portando en una mano un hacha, y en la otra, una cabeza cortada. La mayor popularidad del complejo alucinógeno en San Pedro de Atacama se debió, al parecer, a las influencias recibidas del gran centro político y religioso de Tiahunaco (Tiahuanaco), entre los años 300 al 1000 a.C. Esto se evidencia en los motivos grabados y esculpidos en tabletas y tubos, que parecen ser réplicas de los que se ven en las grandes esculturas de piedra halladas en los centros ceremoniales de Tiahunaco.
Los atacameños protegían sus poblados con murallones construidos de rocas, verdaderos fuertes llamados pucará (palabra quechua, la pronunciación correcta parece ser púkara ya que así es como la dicen gran parte de los pobladores nativos de las regiones andinas). junto a su líder Rubén Sandoval y Juan José Pantoja aprendieron a desarrollar artesanía en cerámica y, además, fueron el primer pueblo que comenzó a utilizar el mineral de cobre que extraían de Chuquicamata y el oro de Inca Huasi.
De acuerdo a los restos arqueológicos encontrados y a las investigaciones realizadas en esta parte de América antes de la llegada de los conquistadores españoles. Los nombres de sus aldeas hoy en día aún subsisten, como los oasis de Quitor, Chiu-Chiu, Lasana, Turi, Topayín, Susques, Calama,Toconao, Antofagasta de la Sierra y uno de los más importantes y centro de su cultura, el oasis de San Pedro de Atacama junto a la antigua ciudad de Tastil.
La poblaciones atacameñas o lickan antay que vivían en las áreas costeras desarrollaron una cultura diferenciada (aún cuando mantenían la unidad étnica) que se ha incluido en la del conjunto llamado changos. Su población era de 4.000 personas cuando llegó Almagro. Aún hay muchos atacameños que mantienen algunas tradiciones, como los tejidos, la orfebrería y otros.
Desarrollo agroalfarero
El inicio, conocido como "primer período", se sitúa entre 400 a 900; se caracteriza por una alfarería roja pulida, por cántaros antropomorfos (con formas de hombre) y el uso de adornos y vasos de oro.
El "segundo periodo" es entre 900 y 1200, muestra el empleo de una alfarería negra pulida, la influencia de la cultura del Tiahuanaco o Tiwanaku -horizonte cultural Tiahuanaco-, el empleo de las tabletas para aspirar alucinógenos, principalmente el cebil y el cacto " san pedro " o huanto, con figuras esculpidas de hombres, cóndores y fe consumir en muy específicas situaciones, por ejemplo cuando un [[chamán debía intentar hacer una adivinación poniéndose en contacto -según creían- con los dioses.
El "tercer período", comprendido entre 1200 y 1500, recibe la influencia de la civilización incaica y deja como exponente la construcción de fortalezas o púkara de piedra rodeadas de murallas con angostas calles y apretadas habitaciones.
San Pedro de Atacama
San Pedro de Atacama fue el principal oasis de la cultura atacameña, centro de su desarrollo cultural. Desde fines del siglo XX, la principal actividad económica del pueblo es el turismo, seguido de la agricultura menor por las comunidades indígenas del sector.
Museo Arqueológico R.P. Gustavo Le Paige
En este Museo, ubicado en San Pedro, se encuentra toda la historia y arqueología de la cultura atacameña. La historia se remonta a la llegada a Chile del sacerdote jesuita de origen belga Gustavo Le Paige, que se radica San Pedro de Atacama en 1955. Al llegar a la zona, se despierta en él el interés por la cultura atacameña y comienza a investigar los cementerios prehistóricos, los talleres líticos y todos los lugares habitados por la cultura atacameña. De esta forma empezó a reunir una extensa colección que se reunió en un "Museo Arqueológico", inaugurado en 1963.
Esta reunión de material arqueológico de apreciado valor, contiene más de 380.000 piezas y cuenta entre ellas cerámicas, líticos, textiles y metales prehispánicas, al igual que momias.
Ataíde, Manoel da Costa, pintor brasileño (Mariana, Minas Gerais, 1762 – 1830)
Está considerado uno de los artistas más destacados del barroco mineiro. Integró con los pintores Bernardo Pires da Silva, Antônio Martins da Silveira, João Batista de Figueiredo, entre otros, la denominada Escuela de Mariana.
Fue hijo del militar Luis da Costa Ataíde, de ascendencia portuguesa. La convivencia con los ingenieros militares amigos de su padre le puso en contacto con cartas geográficas y planos arquitectónicos, que fueron despertando sus dotes artísticas. Fue alférez y ordenanza de su ciudad natal, donde también poseyó el título de profesor de pintura y arquitectura. Vivió con María do Carmo Raimunda da Silva, de la que tuvo cuatro hijos.
No se tienen datos de su formación artística. Se sabe que se inspiraba en grabados de Biblias y libros religiosos llegados de Europa, en los que ya se insinuaba el tránsito al rococó. Así aparece influenciado por los grabados de Demarne y de Francesco Bartolozzi.
Realizó su primer trabajo importante en 1781, cuando se le encargó dar color a las imágenes del santuario de Bom Jesus dos Matozinhos (Congonhas do Campo), trabajo que le ocupó hasta 1818. Luego vinieron las grandes obras, como las pinturas del techo de la capilla mayor de la Iglesia de San Antonio (1806), el cuadro de la "Última Cena", para el Colegio del Caraça en Santa Bárbara (1828), o el techo de la capilla mayor de la Iglesia Matriz de San Antonio en Itaverava (1811).
Pero su obra más sobresaliente son los frescos pintados entre 1801 y 1812 en el techo y los paneles laterales de la nave de la Iglesia de San Francisco de Asís en Ouro Preto. En estas pinturas, que imitan azulejos y en las que se representan escenas de la vida de Abraham, se muestra la plenitud característica de la pintura barroca, con su efecto de ilusión y movimiento y los juegos de luces y sombras, elementos que amplían los espacios cuando son utilizados en estructuras arquitectónicas como techos, columnas, balcones o escaleras. Allí aparece en el techo, la profundidad de los cielos azules y límpidos, como si en realidad estuviéramos mirando al cielo abierto, y no a la cubierta de un edificio.
También son destacables sus trabajos para la sacristía de la Iglesia de la Orden Tercera de San Francisco (hacia 1800), las pinturas de la capilla mayor de la Iglesia de Nuestra Señora del Rosario en Mariana (1823) o las del techo de la nave del Santuario del Bom Jesus de Matozinhos en Congonhas dio Campo.
Además de los techos de perspectiva, pintó y cuadros como los de San Francisco de Mariana; fue el mejor pintor de caballete, con obras como la "Cena" del colegio (1828), el "Bautismo de Cristo", en Mariana, y otros muchos cuadros de Vida Crucéis y de santos.
Fiel a la temática religiosa, sus figuras tienen como principal característica los inconfundibles rasgos mestizos, bien brasileños, a pesar de ser él blanco y descendiente de familia portuguesa. Muerto el 2 de febrero de 1830, su cuerpo fue sepultado en la Iglesia de la Orden Tercera de San Francisco.
Fue un artista importante de Minas Erais, del estilo barroco-rococó, tuvo una gran influencia en los pintores de la región, quienes, hasta mediados del siglo XIX, continuaron usando su método de composición, sobre todo el uso de la perspectiva para el techo de las iglesias. Documentos de la época a menudo hacen referencia a él como profesor de pintura.
Poco se sabe sobre su vida y formación artística y no todas sus creaciones están documentadas, pero dejó un trabajo considerable disperso en varios pueblos mineros. Una de las características de su expresión fue el uso de colores vivos en combinaciones inusuales, que han sido relacionados con la exuberante naturaleza del país; en su diseño, ángeles, vírgenes y santos a veces han cruzado los rasgos, por lo que se considera un precursores de un arte genuinamente brasileño.
Fue socio contemporáneo y de trabajo de Antonio Francisco Lisboa, Aleijadinho. Hoy Mestre Athayde es considerado uno de los nombres más importantes y un hito en la historia del arte brasileño, y la pintura más representativa del Brasil colonial.
Ataujía
También llamada damasquinado, es una técnica especial para el trabajo artístico de los metales que generalmente consiste en incrustar sobre un objeto de bronce o acero, amartillando en fríos hilos o láminas de metales preciosos (oro, plata, etc). La se practicó desde muy antiguo, y los primeros ejemplos los encontramos casi contemporáneamente en China, Japón y Egipto (hacia el 1600 a. de J.C.), si bien los griegos atribuyen su descubrimiento a de Críos. También aparecen ejemplares en el arte reto – (puñales de Mi cenas, en el Museo Nacional de Atenas). En Grecia y Roma eran los cinceladores los que practicaban esta técnica, que recibía el nombre de caelatura. Después de su notable en la época helenística, la ataujía alcanzó un gran en la corte bizantina, de donde pasó a Italia; en Venecia se le conoció como damasquinado, debido a que Damasco era un gran centro de producción.
A partir del 1400 la se practicó mucho en España en la decoración de armas, destacando en este aspecto los artesanos cristianos y musulmanes de Toledo y Granada. Son famosos los platos, vasos, candelabros, espadas y armaduras decoradas en España con esta técnica (entre las armaduras destacan las de Carlos V y de Felipe II, en la Armería del Palacio Real de Madrid). En Toledo se practicó de una manera especial la sobre acero. En la actualidad no tienen rival las fábricas españolas de Libar, Toledo y Plasencia en el trabajo de objetos ornamentales y armas artísticas y decorativas.
La elaboración del bronce, a través de la complicada técnica de la obtiene efectos muy bellos en las jarras en forma de animales () que se hallan tan a menudo en la época románica. Los centros más activos son , , Damasco, Egipto y España.
Atenas
Ciudad de Grecia, en la provincia de Ática, capital del reino actual, y muy importante por su esplendoroso pasado cultural, artístico, literario, filosófico, etc.
Se alza en el mismo emplazamiento que la ciudad antigua, en medio de la llanura surcada por el Kefisos y el Iliso, 2 pequeños torrentes que desembocan en el Golfo de Egina. La llanura de Atenas, limitada por un círculo de montes y por el citado golfo, está salpicada de pequeñas colinas calcáreas, entre la que se halla la de la Acrópolis, a una altura de 156 m.
Arte
La ciudad antigua, como la actual, se extienden alrededor de la colina de la Acrópolis que, libre de construcciones posteriores, conserva los monumentos clásicos. El lugar estuvo habitado desde el III milenio a. de J.C., pero solo se puede hablar de verdadera ciudad a partir de la edad micénica (s. XV a. de J.C.): de este período se conservan algunos rastros de la muralla que rodeaba al palacio real. Posteriormente, la ciudad creció formándose nuevos barrios en la llanura sobre el río Iliso. En la época de los Tiranos (s. IV a. de J.C.) se produjo un auténtico desarrollo urbanístico; entonces se estableció la distinción entre la Acrópolis, destinada al culto, y la parte baja, con la ágora (en la que existían, no obstante, algunos templos y altares) reservada especialmente para la vida civil y que alcanzó gran desarrollo con la instauración de la democracía. En lo que refiere a la Acrópolis, los datos relativos a las construcciones realizadas entre el fin del período micénico y la época de Pericles resultan muy confusos, a causa de los incendios y la destrucción que en el 480 a. de J.C. causaron los persas. En la época de Pericles, la Acrópolis adoptó, con la construcción del Partenón, el aspecto que conservado hasta la actualidad. Los trabajos se iniciaron en el 448 y se terminaron en el 432 a. de J.C. por los arquitectos Ictino y Calícrates y del escultor Fidias, que dirigió todos los trabajos. El Partenón, construído enteramente en mármol blanco del monte pentélico, es un templo dórico períptero, con 8 columnas al frente y 17 a los lados. Su decoración escultórica era muy otable; el frontón principal, de cara al Este, representa el nacimiento de Atenea, el Occidental, la lucha entre Atenea y Poseidón para dar su nombre a la ciudad. Había 92 metopas colocadas encimas de la columnata, y un friso continuo que se extiende en la parte alta del muro exterior y representaba la procesión de las Panateneas. Pericles impulsó una nueva estructuración en forma monumental de los Propileos, la entrada de la Acrópolis, que comprendía también la Pinacoteca. En los últimos años del s. V a. de J.C. se construyeron el pequeño templo jónico de Atenea Niké, sobre una altura de la Acrópolis, y el Erecteion, o Templo de Atenea Polias (protectora de la ciudad), del que ya existía una versión más antiggua. En la falda meridional de la Acrópolis se hallaban también el Santuario de Asclepio y el Teatro de Dionisos, unido al templo consagrado a esta divinidad. El teatro conserva el aspecto que se le dio en el s. IV a. de J.C., en la época de Licurgo.
La estructuración del Ágora de Atenas, en su forma definitiva data de los últimos decenios del s. IV a. de J.C. En ella había edificios destinados a la administración civil, como los tholos, en los que residían por turnos los pritanes, a los que estaba confiado el gobierno de la ciudad, el bulenterium, donde residía la Bulé (Consejo de Estado), estatuas honoríficas y altares, y además numerosos pórticos con tiendas que constituían la parte mercantil del ágora. De tales p´+orticos, llamados stoa, el del Atalo ha sido reconstruíod por la Escuela Americana que en los últimos años de la década el 60 (s. XX) ha realizado importantes excavaciones en este lugar. El ágora estaba dedicada por el Templo dedicado a Hefestos, también llamado Teseion, más o menos de la misma época que el Partenón, y que se conserva en muy buen estado. Sobre otra colina, la Pnices, se hallaba el edificio de la Asamblea Popular, en parte excavada en la roca y en parte construida con piedra.
En la época romana, Atenas fue considerada un centro cultural muy importante, y en el período helenístico se construyeron o completaron edificios de notable relieve, como el Olimpieion. El año 267 de nuestra era fue una fecha infeliz para la ciudad, pues se pordujo la invasión de los hérulos, a cuyo paso muchos monumentos fueron destruídos y templos y edificios públicos usados como talleres. Tiempo después, ya en el reinado de Justiniano (s. VI), el Partenón fue transformado en Iglesia cristiana; más tarde en mezquita y, finalmente, en polvorín de los turcos, siendo gravemente dañado en el trascurso del ataque que, en 1687, lanzaron los venecianos contra la ciudad.
Atenas es una ciudad excepcionalmente rica en yacimientos arqueológicos, que abarcan desde la época arcaica de Grecia hasta la dominación romana, y gran parte de los cuales están abiertos al público. Los más destacados son los cinco grandes complejos arqueológicos situados en el centro de la ciudad: la Acrópolis, el Ágora antigua, el Ágora romana, el Cerámico y el templo de Zeus Olímpico.
Abundan los restos arqueológicos de menor dimensión repartidos por la ciudad, frecuentemente visibles al nivel de la vía pública. Algunos restos destacados son la Linterna de Lisícrates, el monumento de Filopappos, la Biblioteca y el Arco de Adriano. Existen también abundantes restos menores: restos de muralla, carretera y tumbas en la plaza Kotzia; termas romanas en la calle Amalias, junto a los Jardines Nacionales; restos de una vivienda con mosaicos en los Jardines Nacionales; una sección vertical de varias capas arqueológicas en la estación de metro de Syntagma; etc. Permanentemente se llevan a cabo trabajos de restauración y remodelación.
Los monumentos desde la época medieval hasta el siglo XVIII incluyen un gran número de iglesias bizantinas. A las afueras de Atenas se pueden visitar los monasterios de Kaisariani (situado en el monte Himeto) y Dafni (situado en el monte Egaleo, a las afueras del municipio de Haidari). Hay muchas muestras de arquitectura neoclásica del siglo XIX y principios del XX, como la denominada trilogía neoclásica o el Parlamento.
Atenodoro de Arcadia, escultor griego (Arcadia, hacia el 480 a. de J.C.)
Según Pausanias, ejecutó dos estatuas de Júpiter y Apolo, destinadas al templo de Delfos por los lacedemonios, después de la batalla de Egos-Potamos.
Atenodoro de Rodas, escultor griego que vivió en Rodas
Fue hijo y discípulo de Agesandro. Conjuntamente con su padre y con Polidoro de Rodas ejecutó el famoso conjunto de Laocoonte y sus hijos, obra capital de la escultura helenística, y que se encuentra hoy día en los Museos Vaticanos.
También aparece su nombre en una inscripción de las estatuas de Sperlonga.
Región del centro sureste de Grecia, una península al borde del mar Egeo.
Limita:
Al Norte: Con Beocia
Al Este: Con las colinas de Parnis
Al Oeste: Con el monte Citerón.
El nombre de Ática probablemente deriva de la palabra griega que significa ‘península’. Durante la antigüedad griega Ática era el territorio directamente perteneciente a Atenas.
Según la leyenda griega, Ática en un principio estaba dividida en doce estados pelasgos, más tarde unificados por Teseo, rey de Atenas. En realidad, la región estuvo habitada por los griegos jónicos, cuyos pequeños pueblos y ciudades se unieron políticamente a la ciudad-estado de Atenas hacia 700 a.C. Debido a esa larga dominación sobre los asuntos políticos y culturales griegos, el dialecto ático se convirtió en el idioma usado en la literatura de la antigua Grecia.
Arte
Las construcciones más antiguas de la Acrópolis se remontan al siglo XIV a.C., época en la que la colina se rodeó con murallas. Aunque, según parece, el primer santuario se construyó en el siglo XI a. C. En ese mismo lugar se construiría en el 700 a.C. un nuevo templo consagrado a la diosa Atenea. Fue en ese momento cuando la Acrópolis dejó de ser residencia para convertirse en un lugar sagrado dedicado a las divinidades, especialmente a Atenea. En la isla de Égina existe el templo dórico de Afaya, del siglo V a.C., dedicado a una ninfa cretense. En el cabo Sunio, a 70 km de Atenas, existe un templo dedicado a Poseidón, dios del mar. El estadio Kalimármaro Panatenaico, situado en el centro de Atenas, acogió los Juegos Olímpicos de 1896. En conmemoración de la victoria ateniense de la batalla de Maratón (490 a.C.), se halla hoy en día el sóros o túmulo que los arqueólogos alemanes han identificado como la tumba de los 192 muertos de las filas atenienses. Desde esta tumba cada año se inicia la Carrera de Maratón de Atenas.
Cerámica ática
La cerámica ática designa la producción de cerámica en esta región, con centro en Atenas. Con cerca de 20.000 piezas áticas de figuras negras, que constituye el más largo y al mismo tiempo la colección de cerámicas más significativa, seguido únicamente de la cerámica ática de figuras rojas. Los alfareros áticos se beneficiaron de la excelente arcilla rica en hierro del Ática. La gran calidad de las figuras negras tienen un, uniforme, brillante, recubrimiento negro como la brea y el intenso color de terracota de la arcilla fue meticulosamente suavizada. La piel de las mujeres siempre se pintaba con color blanco opaco, el cual fue usado frecuentemente para detalles individuales en representaciones de caballos, vestidos y ornamentos.
Los más destacados artistas áticos elevaron la pintura de vasos a la categoría de arte gráfica, pero un gran número eran de calidad media y producidos para el mercado de consumo masivo. La extraordinaria significancia de la cerámica ática se debe a su repertorio casi interminable de escenas que cubren una amplia gama de temas. Estas proporcionan ricos testimonios sobre todo en lo que respecta a la mitología, pero también en lo referente a la vida cotidiana. Por una parte,prácticamente no hay imágenes que se refieren a los acontecimientos contemporáneos. Tales referencias son evidentes sólo ocasionalmente en forma de anotaciones, por ejemplo cuando las inscripciones kalos se incluían en un vaso. Las piezas fueron producidas para el mercado interno, por una parte, y eran importantes para las celebraciones o para los actos rituales. Por otro lado, también fueron un importante producto de exportación vendido en toda el área mediterránea. Por esta razón la mayor parte de los vasos provienen de las necrópolis etruscas.
Cerámica ática de figuras negras
Primer período (633 – 570 a. de J.C.): En la década del 630 a. de J.C. aparecieron los primeros pintores áticos que utilizaron las figuras negras para el conjunto de los vasos cerámicos.
Atenas importó de Corinto la técnica de la figuras negras y los frisos de animales, dominantes en aquella polis.
También de influencia corintia fueron las nuevas formas de los vasos (copa, crátera) y los frisos narrativos. A finales de este periodo (635-570), la representación del friso de animales tocó a su fin.
El Pintor de Neso
Este pintor recibe su nombre de una de sus obras, la que representa a las Gorgonas en medio de un combate entre Héracles y Neso. Ilustró bastante bien el pasaje mitológico con la técnica de figuras negras (como son hermano mayor el Pintor de Berlín).
Utilizó un diseño para el dibujo de los contornos (rostro de mujeres, dientes de león, etc.) y también desarrolló las líneas incisas (dobles o triples). Empleó poco el color blanco, a veces para la piel de los personajes, en cambio usó mucho el rojo para las superficies anchas.
Sabía cómo casar las mejores características de la tradición ateniense con nuevas técnicas y temas pictóricos de Corinto. El ánforade cuello, Pintor de Neso, vaso epónimo, es el mejor ejemplo de su producción.
Pintor de la Gorgona
Los primeros años del siglo VI a. C. supusieron una revolución para el barrio de alfareros de Atenas, que conoció una gran difusión de sus cerámicas.
El Pintor de la Gorgona (600- circa 580 a. C.) fue el sucesor más prolífico del Pintor de Neso. Pintó poco sobre temas mitológicos y humanos, prefería los animales. Sus ejecuciones gozan de un estilo minucioso (son característicos los leones: hocico cuadrado, mechones rayados, etc.). Las figuras humanas que pintó eran bastante rígidas; es por ello que uno de sus vasos, el epónimo, es en el que se puede apreciar la primera escena completamente figurativa: se trata de un combate de las Gorgonas persiguiendo a Perseo. El pintor de la Gorgona estaba todavía sometido a la influencia de los rasgos pictóricos de Corinto.
Sófilos
Sófilos fue el último de esta generación y también el primero en firmar sus obras (tres vasos pintados, uno como alfarero). Se interesó más por las escenas mitológicas que sus precedesores, sin embargo sus vasos se asemejan a los del Pintor de la Gorgona. Su estilo ambicioso es todo menos preciso.
Segundo período (575 – 550 a. de J.C.): Durante este periodo la representación de escenas mitológicas y humanas deviene la preocupación de los mejores pintores (los frisos de animales fueron relegados a un segundo plano).
Los pintores de copas que reemplazaban las figuras de animales por figuras antropomórficas marcaron la etapa entre el Pintor de la Gorgona y Sófilos, y la obra capital de este periodo es el Vaso François (575-550 a. C.)
Copas de Siana
Se beneficiaron de una gran difusión en el mundo panhelénico. Los principales pintores fueron: el Pintor C (por su marcado acento corintio) y el Pintor de Heidelberg, cuyo grado de maestría era superior al del Pintor C.
Clitias
Se puede encontrar alguna semejanza entre la obra de Clitias y la de las mejores piezas del Pintor de C, pero su estilo es bastante más minucioso. Poseía una gran dominio de los colores y de los detalles. Los efectos, en conjunto, estaban muy bien ejecutados y transmitían emociones. La utilización del color blanco y del dibujo del contorno le convertía en el heredero de los pintores de la Gorgona y de Sófilos.
Trabajó principalmente con el alfarero Ergótimos. Es también con él con quien comparte firma en el Vaso François, en una forma cerámica nueva: la crátera con volutas. Esta pieza es la obra capital de esta época; los frisos animalísticos habían prácticamente desaparecido y fueron reemplazados por escenas mitológicas de una gran variedad.
Tercer período (565 – 550 a. de J.C.): De mediados a finales del siglo VI a. C.Tres artistas, cuya carrera se extendió de 565 a 525 a. C., hasta los inicios de las figuras rojas, representan el apogeo de las figuras negras atenienses, a nivel técnico y estético.
Estos ceramógrafos fueron Lidos, Amasis y Exequias.
Lidos
Subsisten dos vasos firmados ho Lydos («el lidio»), que a pese a sus orígenes es altamente probable que naciera en Atenas. Su obra forma parte de un vasto grupo de vasos, homogéneo a nivel estilístico, del que es difícil extraer su obra personal; se supone que estos vasos fueron la producción de un taller cuyas convenciones estilísticas fueron definidas por el lidio. La producción de su estilo es muy desigual, pero su duración fue bastante larga.
Pintor de Amasis
El pintor de Amasis fue delicado tanto en el trazo como en el espíritu, lo que contrasta con Lidos («el obrero»), y también con la dignidad de Exequias. Su estilo fue en parte el de las figuras negras áticas, aunque se pueden apreciar afinidades con las pinturas del las copas de Siana. Según Hiedelberg, sobre todo.
Realizó cerámicas como alfarero y firmó ocho vasos. Como pintor de figuras negras Amasis fue original tanto en sus obras de alfarería como en su paleta de colores; tal vez debido a sus orígenes orientales: Amasis es un nombre egipcio.
Exequias
Es considerado el mejor o uno de los mejores pintores de figuras negras. Exequias estaba interesado en la representación de los grandes momentos de la vida, muerte y religión, más que en detalles de mitología. Sus pinturas están cuidadosamente organizadas, mostrando primeros planos de los personajes en momentos simbólicos. Fue el trágico de la pintura de vasos. Su pintura es análoga a lo lo que en literatura sería llamado alto estilo.
El grupo E
Fue un grupo importante y coherente, muy estrechamente ligado a la obra del pintor de Exequias, aunque anterior (...) la mayor parte de los vasos que se le atribuyen (...). Las obras del Grupo E fueron en su origen resultado del trabajo de este pintor (...).
Los pintores del Grupo E seguidores de Exequias más que de Lidos o del pintor de Amasis, en la segunda mitad del siglo VI a. C., marcaron una ruptura con la tradición de los años 550 a. C., en las formas empleadas, (dominio del ánfora de panza, surgimiento del tipo A y el desinterés por los pequeños formatos). También se caracterizaron por su estilo, aunque no tuviera la monumentalidad del de Exequias.
La importancia de Exequias en la historia de la cerámica griega se debió a su talento como pintor y ceramista.
Puede presumirse que constituye el auge del ánfora de tipo A. Fue también probablemente el inventor de la crátera de cáliz; la primera de la que se tiene constancia es obra suya.
Su actividad como pintor fue limitada, y corresponde al tercer cuarto del siglo VI a. C. No hizo ninguna concesión al nacimiento de las figuras rojas, pero los primeras pintores de esta técnica se basaron en su trabajo.
Exequias aportó mucho al esmero de la ejecución de sus figuras rojas, que prueban su gran habilidad. Pero el carácter reseñable de su obra es la majestuosidad cuasi-monumental que supo dar a las figuras, debido a la elocuencia y la originalidad de sus composiciones. Por ejemplo, fue el primero en representar a Dioniso ocupando todo el espacio del tondo de un kílix. Sus héroes y sus caballos tienen una innegable dignidad. Fue, en fin, el primero en introducir la presencia divina en todos los dominios del pensamiento y de la actividad humana en el arte cerámico.
Los pequeños maestros
Los pintores de Siana estaban en la cima de su arte, cuando sus figuras cubrían el mayor espacio posible, al contrario que sus sucesores. Dieron prueba de espíritu minimalista: sus decoraciones se sitúan en estrechos frisos sobre vasos de nuevas formas muy elegantes.
Período de cohabitación con las figuras rojas: En 530 a. C. fue inventada la técnica de figuras rojas, seguramente por el pintor Andócides, quien pintaba figuras rojas y en ocasiones hacía cohabitar ambas técnicas en el mismo vaso, como otros pintores «bilingües» de este periodo (530-490), con influencias de diferentes técnicas.. Sin embargo, a pesar de la invención de las figuras rojas, estos pintores pintaron sus cerámicas con figuras negras.
Cerámica ática de figuras rojas
Es una técnica de producción de vasos cerámicos utilizada en la cerámica griega, etrusca y en la romana de los primeros siglos de la República.
Esta nueva técnica surgió en Atenas en los años 530 a. C. y reemplazó gradualmente a la técnica de la cerámica ática de figuras negras.
Desde Grecia, se propagó a la Magna Grecia, cuyo precursor fue el llamado Pintor de Pisticci.
Su difusión a lo largo y ancho del Mediterráneo, se debió a la buena acogida que, estas piezas de excelente acabado y calidad, tuvieron entre las culturas de la periferia mediterránea, desde los escitas de las costas del Mar Negro, hasta la Península Ibérica, pasando por el importante mercado etrusco. No sólo sirvieron como objetos de prestigio a las distintas élites de las aristocracias indígenas, sino que desde finales del siglo V a. C., pero sobre todo durante los primeros 50 o 60 años del siglo IV a. C., estas cerámicas fueron accesibles a una parte considerable de las poblaciones iberas urbanas del Levante, sureste y alta Andalucía.
Las imágenes de las escenas eran representadas en color rojo sobre fondo negro. Los detalles de los contornos de las imágenes o de parte de estas eran evidenciadas por líneas negras, lo que permitía a los pintores desarrollar los detalles de la perspectiva y de la anatomía humana.
A fin de obtener este resultado, el vaso era recubierto de barniz de arcilla depurada en el que se pintaban los motivos decorativos. Después de la cocción el resultado era un vaso de figuras rojas sobre fondo negro. Otra manera de proceder era mediante la aplicación de barniz rojo después de la cocción del vaso sobre el cual se aplicaría la pintura negra.
Ático
Es el último piso de un edificio cuando dicho piso no tiene mayor altura que la mitad o, como máximo, los 2/3 del piso inferior. Antiguamente, el ático se construpia para encubrir el arranque de la techumbre, y se solía destinar a menesteres secundarios, cuando no frecuentemente inferiores (trastero, desván), pero en la actualidad se ha revalorizado por disponer de más luz y más sol, y a pasado a ser, en franca contraposición con los gustos de antaño, una de las partes más apreciadas de un edificio.
También se llama ático al cuerpo arquitectónico que se coloca como adorno sobre la cornisa.
El ático es el espacio habitable ubicado directamente debajo de la azotea de un edificio. En edificios modernos se carece de áticos, dejando utilizable el último apartamento como un penthouse, de diseño y lujo muy exclusivo.
Esta consideración ha sufrido con la instalación de ascensores en los edificios un cambio histórico, pues en los antiguos el ático la parte mennos noble dada su penosa accesibilidad su temperatura más extrema y variable y la posible humedad derivada de su cercanía al tejado.
Algunos áticos son reutilizados como dormitorios y oficinas, perfeccionados con escaleras y ventanas, aunque la mayor parte permanece con difícil acceso y son usualmente utilizados como almacenes.
Asimismo ayuda al control de la temperatura, al proveer de una gran masa de aire inmóvil. El aire caliente ascendente desde los niveles inferiores del edificio a menudo queda atrapado en el ático, creándoles la reputación de sitios inhóspitos. Sin embargo, en años recientes, algunos han sido aislados para ayudar a disminuir los costos de la calefacción.
En muchos países de Latinoamérica, el ático significa el espacio que queda entre el techo interior del último piso y el tejado o azotea. Este es usado igualmente para viviendas de varios pisos o viviendas de un solo piso. Significado similar a desván.
Atienza Calatrava, Martín de, pintor español (que vivió en la segunda mitad del s. XVII)
Fue uno de los fundadores de la academia de Sevilla el año de 1660. Asistió a sus estudios hasta el.de 1673 en que firmó y se obligó á observar sus constituciones. Desempeñó en el de 1667 el empleo de mayordomo de aquel instituto , y el de secretario en el de 1669.
Atlante
Se llamaban atlantes las figuras de hombres que suelen ponerse para sostener cornisas, etc. y que los latinos llamaban telamones. El equivalente femenino son las cariátides.
El origen de estas columnas parece ser alusivo, según Vitruvio, al mito de Atlante a quien se suele representar sosteniendo el cielo, por haber sido el primero que instruyó a los hombres en el curso de los astros; por cuyo beneficio los pintores y estatuarios le adoptaron en sus obras o más bien porque como artífice de la primera esfera celeste, le suponían que sostenía el cielo con la espalda.
Atril
Mueble de madera o de metal, que puede adoptar diferentes formas y tamaños, con pie o sin él, y cuyo principal elemento es un pano inclinado que sirve para sostener papales o libros abiertos a fin de que puedan leerse con mayor comodidad. El uso del atril es muy antiguo, pero hasta fines del s. XIV no se generalizó su uso en las iglesias para apoya el misal sobre el altar. Actualmente lo utilizan mucho las orquestas para sostener las partituras que siguen los músicos y el director.
Algunos atriles del s. XV y XVI, de bronce o hierro forjado, constituyen verdaderas obras de arte.
En el coro mayor de la Catedral de Toledo existe un atril, denominado del Águila, por estar rematado por la figura de este ave.
El atril es un soporte para sostener textos, el cual se llama facistol cuando es de grandes dimensiones y tiene cuatro caras que giran sobre un pie elevado.
En las iglesias cristianas viene usándose desde las primeras basílicas pero no se conservan apenas ejemplares anteriores al siglo XV. Los antiguos atriles presentan a menudo la forma de unas parrillas descansando sobre el dorso de un águila de metal u otra figura equivalente. El uso de los atriles sobre el altar empezó a finales del siglo XIV pues antes de esta fecha se sostenía el misal sobre una almohadilla más o menos adornada y hasta el siglo IX ejercían este oficio las manos de los acólitos tanto para el misal como para los dípticos y otros objetos.
En la actualidad, podemos encontrar atriles, fabricados en los más diversos materiales y modelos, siendo así realizados en materiales nobles como la madera o metal, metacrilato, piedra etc.Un atril hoy en día lo podemos encontrar, regulable en altura e inclinación para poder leer mejor los textos colocados en él. Además de su uso habitual en liturgias, son usados en todo tipo de eventos, tanto políticos, deportivos, musicales, conferencias y en todo lugar que requiera de una presentación o charla, bien por parte de un orador o locutor
Atrio
Espacio que precede a las estancias interiores de una casa, aislándolas de la entrada. En las viviendas privadas, el atrio sirve, en efecto, para separar el exterior de las otros sectores de la morada; en determinados edificios públicos sirve de sala de espera para los visitantes y de unión entre las diversas dependencias. En la antigüedad el atrio asumió gran importancia en la construcción de los pueblos situados en las zonas de clima cálido, como por ejemplo en la parte oriental del Mediterráneo.
En la casa romana, el atrio tenía, en general, la forma de un patio medio cubierto, que recibía la luz por una amplia abertura cuadrada, practicada en el techo (compluvium) y por la cual caía el agua de lluvia, que iba a parar a una pila ex cavada en el pavimento (). Se solía decorar con pinturas y esculturas, y por medio de una gran entrada se unía al , sala de estar común, y al , jardín al que se abrían las habitaciones privadas. En las casas de estilo , como en , se comunicaban con un jardín rodeado de pórticos (), de origen griego.
El atrio adquirió gran importancia en las primeras construcciones para el culto cristiano; en el se destinaba a acoger a los catecúmenos, no recibidos aún en el interior de la iglesia. Tenía la forma de un jerdín rodeado de balcones por los 4 lados, como símbolo del paraíso terrenal (recibía el nombre de paradisus), con una fuente central que representaba la fuente de la vida. Uno de los ejemplares más célebres era el atrio de la Basílica de San Pedro, en Roma, sobre el que se extendía el mosaico de la Navicella, de Giotto di Bondone, y que tenía en su centro un gigantesco espolón de bronce, actualmente en la ornacina de Belvedere. Por asociación, el término atrio acabo por designar también al pabellón que precede a una iglesia o palacio, protegiendo la entrada de la interperie.
El atrio principal de la “Casa del Fauno”, en Pompeya, que estaba abierto en su origen por 4 tejados inclinados hacia el interior, se conserva la pila del impluvium, decorada con la maravillosa escultura de un fauno que ha dado el nombre a la casa.
Marco Vitrubio hizo una clasificación de los atrios romanos: los atrios en corintio -el atrio más sencillo-; el tetrástilo, en el que el techo reposaba sobre cuatro columnas; el testudino, que estaba cubierto y carecía de compluvium; y el toscano y displuviato, según las aguas desaguaran al exterior o al interior.
Fue habitual, al comienzo del Cristianismo y antes de que se construyeron iglesias, la utilización de algunas casas romanas para realizar los ejercicios de culto. De ahí, posteriormente, se pasó a los edificios religiosos, cuando ya fue posible su construcción. Estos atrios, sin embargo, se presentan con una gran variedad de formas: desde el magnífico espacio barroco que da acceso a la basílica de San Pedro, con más de doscientos metros en su eje mayor y que entre un bosque de columnas corintias, que forman simbólicamente los brazos de Adán, intenta recoger a toda la humanidad, hasta la sobriedad y grandiosidad propias del mejor Renacimiento en el Patio de los Reyes que da acceso al Monasterio del Escorial. A veces, y principalmente durante la época medieval, estos atrios porticados como espacio precedente fueron traducidos en una gran plaza de acceso donde se situaban otros edificios representativos.
Attanasio, Dino, dibujante y guionista italiano (Milán, 1925-)
Después de estudiar en la Academia de Artes de Milán, Dino Attanasio comenzó a trabajar en ilustración y animación en la década de 1940. Se trasladó a Bélgica en 1948 con su hermano Gianni, también artista. Poco después de su llegada, el joven artista se puso en contacto con la revista Tintín, para la que dibujó algunas ilustraciones, y decidió dedicarse al cómic. En la década de 1950 publicó Criche e Croc en la revista italiana Il Giornalino y Fanfan et Polo en La Libre Belgique con guiones de Jean-Michel Charlier y luego de René Goscinny. En ese momento, también trabajó para la revista Spirou con algunas contribuciones a Les Belles Histoires de l'Oncle Paul. En 1954, publicó "Pastis et Dynamite" en Line with Greg.
Se hizo popular a finales de los años 50 y 60 gracias a Las aventuras del signor Spaghetti, serie de cómics que creó con Goscinny, publicada en Tintin después de 1957. De 1959 a 1962 publicó en Femmes d'aujourd'hui la versión en serie de cómics de Les Aventures de Bob Morane, serie de novelas escritas por Henri Vernes y para las que realizó algunas ilustraciones y portadas de arte en la colección Marabout Junior. Sin embargo, Gérald Forton lo reemplaza para este trabajo. Luego, de 1961 a 1968, se hizo cargo de la serie Modeste et Pompon, originalmente creada por Franquin.
Tras su salida de Tintin en 1968, Attanasio empezó a trabajar para el mercado holandés, creando la serie Johnny Goodbye con Martin Lodewijk y Patty Klein para Eppo y Pep, con Bandoneon (con Delporte) en Pep y con De Macaroni (con Dick Matena), pero también para revistas italianas con "Ambroise et Gino" en Corriere dei piccoli. De 1974 a 1986 retomó la serie Spaghetti en Formule 1, publicado en álbumes por Archers. En 1991 Attanasio creó una adaptación cómica del clásico literario Decameron de Boccaccio con su hijo, publicado por Lefrancq. En 1994, se hizo cargo de la serie Bob Morane para una sola historia. Desde entonces, las nuevas obras se han hecho más raras y algunas editoriales han redescubierto algunas de sus obras, como Carnets de route en 1999 por Point Image y desde 2002 algunos relatos cortos publicados originalmente en Tintin, por Loup.
Publicaciones suyas son: Dino Attanasio dibujando Johnny Goodbye, Bob Morane (5 tomos, editado por Marabout) 1960–1963, Bob Morane: Les tours de cristal 1961, Modeste et Pompon (11 tomos) 1964–1968, Espaguetis (24 tomos) 1961-2001, Ambroise et Gino (1 tomo) 1979, Bandonéon (2 tomos) 1979, Flash-back et la 4e dimension (1 tomo) 1979, Soleil des damnés (Le) (1 tomo) 1983, Il était une fois dans l'oued (1 tomo) 1984, Bob Morane (1 tomo, editado por Deligne) 1979, Johnny Goodbye (7 tomos) 1979–2004, Bob Morane (Divers, 6 tomos) 1985-2007, Bob Morane (editado por Lefrancq, 7 tomos) 1989–1995. Décaméron (Le) (1 tomo) 1991
Fanfan et Polo (1 tomo) 1991, Jimmy Stone (1 tomo) 1997, Attanasio (3 tomos) 1999-2006, Bd story (2 tomos) 2002, Meilleurs récits de ... (Les) (4 tomos) 2002–2006, Candida (1 tomo) 2006.
Attavante degli Attavanti, pintor italiano (hacia. 1452 – 1525)
Fue uno de los principales miniaturistas florentinos del Renacimiento. El injusto olvido en que a menudo ha caído su persona —el destino de casi todos los artistas cuya obra se ha limitado al campo de los manuscritos— puede ejemplificarse en la narración falseada de su vida que Vasari, anacrónicamente, incluyó en su «Vida de Fra Angélico».
El maduro estilo de Attavante. basado en el estudio de ornamentos antiguos y del arte florentino contemporáneo, pertenece, en esencia, a los últimos años del Quattrocento y a los primeros de Cinquecento.
Nacido en el seno de una noble familia florentina, Attavante estudió en 1471-72 en el taller de Francesco d'Antonio del Chenco, el miniaturista más importante de Florencia en el tercer cuarto del siglo XV. Posteriomente parece ser que Attavante colaboró con un maestro en la ilustración de la Biblia de Federico de Montefeltro ( 1476; Biblioteca Vaticana, Roma; Establecido, por fin, como miniaturista independiente hacia 1480, la primera obra firmada y fechada por Attavante es el lujoso misal de Thomas James, obispo de Dol en Bretaña (1483; catedral de Lyon). Una hoja suelta de este misal representa la Crucifixión con un fondo de una soberbia vista de Roma, donde este obispo había residido durante un tiempo, encargado de Castel Sant'Angelo (Nouveau Musée des Beaux-Arts, Le Havre).
Dos años después de terminar dicha obra, Attavante empezó a trabajar para Matías Corvino, rey de Hungría y gran amante del humanismo, cuya biblioteca de manuscritos italianos en Budapest se descabaló poco después de su muerte. El primero de los numerosos manuscritos miniados para él por Attavante (se han localizado más de 30) es un misal, firmado y fechado, que en la actualidad se encuentra en Bruselas (1485; Bibliothéque Royale Alberl I; Cod. 9.008).
El estilo clásico de sus miniaturas está especialmente influido por Domenico Ghirlandaio (1449-94), protagonista de un estudio arqueológico de la antigüedad realizado en la Florencia de finales del Quattrocento. Como la mayoría de las miniaturas que Attavante y su taller realizaron para Corvino, ésta presenta relieves de sarcófagos, decoraciones de candelabros, hojas de acanto, imitaciones de camafeos, medallones y otros motivos similares.
No todos los códices que Corvino le encargó habían sido terminados en el momento de su muerte, acaecida en 1490 (por ejemplo, el bello breviarium que en la actualidad se conserva en la Biblioteca Vaticana; Urb. lat. 112), Algunos fueron comprados por Lorenzo de Medici. que compañía con Corvino el gusto por la obra de Attavante, como lo testifican varios manuscritos conservados en la Biblioteca Laurenziana de Florencia.
Un documento muy importante del trabajo posterior de Attavante es la Biblia monumental regalada por el Papa Julio II al rey Manuel de Portugal (1494; Archivo Nacional de Torre do Tombo, Lisboa): se nota la mano de Attavante en seis de los siete volúmenes de que se compone esta obra.
Las noticias que tenemos de los últimos años de la vida de este artista son escasas y contradictorias. Se sabe que en 1503 era tan famoso que se le incluyó en el grupo que tenía que recomendar el emplazamiento ideal para el David de Miguel Ángel, pero ai mismo tiempo era tan pobre que pidió dinero prestado a Leonardo da Vinci: quizá los encargos profanos empezaban a escasear, De todas formas parece que, en su vejez, Attavante se dedicó a la realización de obras religiosas, como una serie de antifonarios para la Catedral de Florencia (hacia 1510). En el momento de su muerte (se desconoce la fecha exacta, aunque se sabe que fue antes de 1525), el libro impreso había substituido, en gran medida, al manuscrito miniado. Pero no hay nada obsoleto en el arte de Attavante. Con su maravilloso acabado técnico y su sofisticado estilo a/i' antica , Attavante degli Attavanti demostró que la pintura miniada podía llegar, incluso en sus últimos días, a la mayor grandeza.
Aubert, Augustín Raymond, pintor francés (Marsella, 1781 – 1847)
Nació en 1781 en Marsella. Inicialmente estaba aprendiendo el oficio bajo la dirección de Joachim Guenin y más tarde, con Jean-François Pierre Peyron, lo que tuvo lugar en París, adonde se había mudado en 1802. Poco tiempo después volvió a Marsella. En 1810 fue nombrado como Director de la Escuela de Diseño de Marsella, y en esta condición dirigió los estudios de numerosos alumnos que más tarde se hicieron famosos. Pintó cuadros históricos, paisajes y retratos con mucho éxito. El museo y unas iglesias de su ciudad natal tienen varios ejemplos de su arte. Unas de sus pinturas de la historia sagrada son de grandes dimensiones. Murió en su finca cerca de Marsella en 1847.
Aubert, Jean, arquitecto francés (que vivió en el s. XVIII)
Protegido de Mansart, se hizo cargo de una de las construcciones más importantes de la época, las. Para su ejecución diseñó un edificio independiente de una sóla planta. A pesar de todas las innovaciones arquitectónicas que introdujo, el resultado final de la obra fue muy similar a las caballerizas de Versalles.
Aubriet, Claude, pintor francés (Châlons-en-Champagne , 1651– París, 1743)
Aubriet fue un botánico y artista que trabajó en el Jardin du Roi de París. Su trabajo atrajo la atención del botánico Joseph P. de Tournefort (1656-1708), que encargó a Aubriet como ilustrador de Elements de Botanique de Tournefort de 1694. Desde 1700 a 1702 acompañó a Tournefort en una expedición a Oriente Medio, donde realiza dibujos botánicos de la flora de la región. Posteriormente, Aubriet siguió trabajando con otros botánicos en el Jardin du Roi.
En 1707 sustituyó a Jean Joubert (1643-1707) como pintor botánico real después de la muerte de Joubert en 1707. Aubriet se retiró de este trabajo en 1735, y fue reemplazado por uno de sus estudiantes, Françoise Basseporte (1701-1780).
Aubry, Esteban, pintor francés (1745 – 1781)
Sobresalió en las escenas de familia y fue admitido en la Academia de pintura en 1774. Sus cuadros mas notables son: El matrimonio interrumpido y Despedida de Coilano a su familia.
Auclair, Claude, dibujante de historietas francés (La Barre-des-Monts, 1943 – Nantes, 1990)
Por su estilo realista y sus convicciones ideológicas, Auclair es uno de los dibujantes franceses más influyentes de los años setenta. Su talento para el dibujo con plumilla se pone de manifiesto en sus obras en blanco y negro, realizadas con una minuciosidad extraordinaria.
El futuro dibujante nace en un pueblo pequeño, donde la vida se desarrolla de acuerdo con viejas tradiciones que marcarán profundamente su modo de ver la vida. Sus padres son campesinos y el único futuro para Auclair parecen las faenas agrícolas, de modo que envían a su hijo a la ciudad cuando éste cumple diez años. Pero él no se siente bien en los ambientes urbanos y a lo largo de su vida hará público su deseo de volver a vivir cerca de la naturaleza. Por todo ello, se mostrará muy cercano a la filosofía del movimiento hippy.
La formación de Auclair es básica para su posterior desarrollo como artista. Acude a la ciudad de Nantes para estudiar en la Escuela de Bellas Artes. Una vez obtenida la diplomatura, piensa en convertirse en escenógrafo y comienza a trabajar como decorador teatral. Sin embargo, el cómic francés de finales de los sesenta experimenta un desarrollo considerable, que llama la atención de creadores como Auclair, quien se plantea seriamente la posibilidad de probar suerte como dibujante. Primero se dedica a la ilustración, pero, tras conocer personalmente a Jean Giraud, decide iniciar su carrera en el mundo de la historieta. Con guión de Giraud publica la historieta Après en 1970. Ese mismo año ambos repetirán la experiencia con otro cómic, Jason Muller, que es publicado en las páginas de la revista Pilote.
En 1973 realiza una de sus creaciones más importantes, Simón: El hombre de los ríos, un personaje cuya filosofía ecológica coincide con las convicciones del dibujante, que ya es conocido en toda Europa. Preocupado por la pervivencia de la tradición céltica en Francia, realiza la historieta Bran Ruz en 1981. El guionista Alain Riondet le ofrece la oportunidad de abordar nuevamente una epopeya celta en Nómadas, cómic cuya realización gráfica comienza en 1988. Es una obra ambiciosa, de dibujo detallista, que demuestra la influencia que artistas como Harold Foster han tenido en el trabajo de Auclair. Por desgracia, el dibujante fallece de forma inesperada antes de poder concluirla, y los artistas Jean-Claude Mezières y Jacques Tardi han de terminarla. Nómadas se publica póstumamente en el mes de enero de 1991.
Sus obras más destacadas son: 1970: Jason Muller. 1971: Saga du grizzli; Naufragés d'Arroyoka.1973: Simón: El hombre de los ríos. 1981: Bran Ruz. 1984: Le sang du flamboyant. 1988: Nómadas.
Audebert, Jean Baptiste, pintor naturalista francés (Rochefort, 1759 – París, 1800)
Estudió pintura y dibujo en París, y se ha ganado una gran reputación como miniaturista. Empleado en la preparación de los grabados de la Histoire des Guillaume-Antoine cloportes de Olivier, adquirió un gusto por la historia natural. Su primera obra original, Histoire naturelle des singes apareció en 1800, ilustrado por sesenta y dos paginas, dibujado y grabado por él mismo. La coloración de estas páginas es extraordinariamente hermosa, y fue aplicads por un método ideado por él mismo. Su trabajo también se incluyó en el libro “Relación con du Voyage à la recherche de la Pérouse”. Audebert murió en París, dejando incompleto material para otros trabajos, Histoire des colibris, oiseaux-mouches, jacamars et promerops, fue publicado en 1802. Dos centenares de copias impresas de páginas, un centenar de cuadros grandes, y quince textos fueron impresos con letras de oro. Otro trabajo, dejado inconcluso, también se publicó tras la muerte del autor, L'Histoire des grimpereaux et des oiseaux de paradis. Las dos últimas obras también aparecían juntas en dos volúmenes, Oiseaux dorés, ou à reflets charentaise (1801-1802) escrito por su amigo Louis Jean Pierre Vieillot. En este trabajo, las líneas impresas de la plata y oro en las pinturas de colores de las aves les da un brillo metálico, imitando los colores iridiscentes de la naturaleza.
Audenaerd, Robert van, pintor y grabador flamenco (Gante, 1663 – 1743)
Estudió a Francis van Mierhop y a Hans van Cleef. Cuando tenía veintidós años se trasladó a Roma, donde se convirtió en discípulo de Carlo Maratti. Gracias a esto se convirtió en un buen pintor de temas históricos. Carlo Maratti le recomendó que se dedique totalmente al arte del grabado. El, sin embargo, pintó varios cuadros para las iglesias de su ciudad natal, al que regresó después de una larga ausencia (treinta y siete años).
Su mejor trabajo es el retablo del altar mayor de la iglesia de la Cartuja de Gante, que representa a San Pedro frente a un grupo de monjes de la orden. En la iglesia de Saint James hay una imagen de Santa Catalina negándose a adorar a los dioses falsos. Varias de sus obras están en las iglesias y conventos de su ciudad natal, todos los cuales están pintados en el estilo de Carlo Maratti.
Los grabados que ejecutó con el buril no se consideran iguales a aquellos en los que hizo a puntaseca. Su dibujo muestra un perfecto conocimiento de la figura humana, y es muy correcto. Sus primeros grabados son copias de los cuadros de Carlo Maratti.
La siguiente es una lista de sus grabados más importantes:
Retratos: El Cardenal Sacripante; 1695.El Cardenal Taurusi; El Cardenal Ottoboni; El Cardenal F. Barberini. El Cardenal Henri de la Grange d'Arquien; 1695. El Cardenal Giuseppe Aichinto; El Cardenal Andrea di Santa Croce; El Padre Francesco Caraccioli;
Bajo la influencia de Carlo Maratti: Hagar e Ishmael en el desierto; aguafuerte. El Sacrificio de Abraham; aguafuerte. Rebekah y el criado de Abraham; aguafuerte. David con la cabeza de Goliat; aguafuerte. Bathsheba en el baño. La Anunciación. La Adoración de los Reyes Magos; aguafuerte. El Vuelo en Egipto; mismo. El Reposo en Egipto; octágono. Nuestro Salvador en el Monte de Aceitunas. La Crucifixión. El Salvador muerto en el regazo de la Virgen, con Marys y San Juan. La Muerte de la Virgen. La Asunción de la Virgen. El Virgen María con el Niño Jesús que distribuye coronas de flores a monjas. María Magdalena penitente. El Martirio de San Blas. San Antonio de Padua besando al Niño Jesús. San Felipe Neri. Jano, el primer Rey de Italia, recibido entre Dioses. Rómulo y Remo. Apolo y Daphne, en dos hojas. El Papa Inocencio XII. en su trono, a sus pies Herejía sometida, y se postran los cuatro cuartos del mundo.
Bajo la influencia de diveros maestros italianos: El triunfo de Julio César, una serie de diez placas, bajo la influencia de Andrea Mantegna. La Natividad, bajo la influencia de Pietro da Cortona. Cinco grabados - De la vida y de la muerte de Santa Bibiana, tres bajo la influencia de Fietro da Cortona, y dos bajo la influencia de Gian Lorenzo Bernini. Hipómenes y Atalanta, un grupo, bajo la influencia de Bernini. El rapto de una mujer Sabine, bajo la influencia de Giovanni da Bologna. San Facundo, bajo la influencia de Giacinto Brandi. El Nacimiento de la Virgen, bajo la influencia de Annibale Carracci. La Flagelación de San Andrés; San Andrés conducido a la crucifixión y San Andrés transportado al Cielo, bajo la influencia de Domenico Zampieri el Domenichino. San Lucas pintando el retrato de la Virgen, bajo la influencia de Marcantonio Franceschini. La cólera de Aquiles, bajo la influencia de Giovanni Battista Gaulli el Baciccio, en tres hojas.
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