De Aachen a Aalto

Aachen o Achen, Hans von, pintor alemán (Colonia, 1552 – Praga, 1615)

Se formó en contacto con la cultura figurativa del manierismo italiano tardío. Desde su infancia mostró un gran talento por la pintura. Trabajó como aprendiz para Jerrigh, pintor flamenco que tenía su estudio en Colonia. Llegó a ser un notable retratista, pintando además temas religiosos y mitológicos, algunos de los cuales presentan escenas descaradamente eróticas. Algunas de sus obras pueden verse en el Kunsthistorisches Museum de Viena.

Hacia 1574 visitó Venecia y Roma quedando profundamente impresionado por los trabajos de Tintoretto. A su vuelta, introdujo el manierismo en Alemania. En 1592 le nombraron pintor de cámara del emperador Rodolfo II.

Obras suyas son: “Retrato de la poetisa Madonna Laura”, “Retrato de Madonna Venusta”, “Venus y Adonis”, “Yan el sabio”, “El baño de Betsabé”, “El triunfo de la Justicia”, (1598), “Júpiter y Calixto” (obra quemada por los nazis en Dresde en 1944 por su marcado erotismo; existe una copia en Berlín) y “El juicio de Paris”.

El arte de Hans von Aachen se caracteriza por incluir figuras de gran elegancia y estilización. En general su estilo expresa un manierismo sofisticado y desenvuelto, un rasgo común en las cortes septentrionales de la Europa de ese entonces. La calidad y dominio técnico de Hans von Aachen se hacen patentes en sus desnudos, los cuales están dotados de un grácil erotismo. Un ejemplo de ello es el famoso cuadro El triunfo de la Verdad (1598). La obra de Hans von Aachen tuvo una gran influencia en la historia del arte europeo, en especial a través de sus célebres grabados.

Otra de las pinturas más valoradas de Hans von Aachen es San Jorge matando al dragón. La disposición de las figuras, en esta obra, entraña algunas observaciones de gran interés. San Jorge perfora con su lanza las fauces de la bestia. El níveo corcel del caballero, por su particular colocación, parecería un puente entre la animalidad del engendro y la civilidad del paladín. De tal suerte que, acaso el verdadero combate no se encuentre en la confrontación de los opuestos, sino en el rigor vivencial- cabalgata esforzada- de quien existe rectamente. Pero además, San Jorge utiliza su arma de una curiosa manera. Más que repeler a su enemigo pareciera dispuesto a dar un salto prodigioso, un desplazamiento radical hacia lo desconocido. Recordemos que el manierismo se perfiló como un reactivo estético ante los cánones del Renacimiento. Quizás Hans von Aachen plasmó, sin darse cuenta, ese mismo anhelo de transformación global, sed de paradigmas nuevos y realidades por explorar. Mención aparte amerita la equívoca figura de la princesa de Silene en el cuadro de Hans von Aachen. Ya sea por la perspectiva de la obra, o por curioso simbolismo, la pequeña figura se exhibe inasible y lejana, alzando los brazos al cielo, cual si festejara un secreto ritual en donde la mecánica de lo real- la violencia arrebatadora del existir- por ella- presencia de silencios- cobrara vida y sentido, como siempre

Aagaard Andersen, Gunnar, arquitecto, pintor y diseñador danés (Ordrup, 1919 – Munkerup, 1982)

Profesor de la Academia de las Artes danesa. Gunnar Aagaard Andersen era hijo del óptico Theodor Oscar Andersen y de Inger Cecilie Spöhr. Fue educado en la Escuela de Diseño Danés Kunsthåndværkerskolen en el periodo 1936-39, posteriormente fue alumno de grabado de Emil Johanson-Thor en la Real Academia de Arte de Estocolmo en 1939 y alumno de la escuela gráfica en la Academia de Arte de Copenhague 1940-46, siendo alumno de los profesores Aksel Jørgensen y Gunnar Biilmann Petersen. Därefter bodde han i Paris 1946-51 och blev 1948 medlem i den danska konstnärsgruppen Linien II . Luego vivió en París desde 1946 hasta 1951 y en 1948 se convirtió en un miembro del grupo de artista danés Linien II.

Aagaard Andersen trabajó con una amplia variedad de técnicas y medios de la expresión pictórica, entre otros la escenografía y el diseño de papel pintado, alfombras y textiles entre otros para Unika Væv en Copenhague, 1953-65. Han var professor på¨Kunstakademiet 1972-82. Fue profesor de la Academia de Arte de 1972 a 1982.

La silla Polyetherstolen diseñada en colaboración a partir de 1964, suscitó la creación de un canon cultural de Dinamarca (Kulturkanonen) para las artes de diseño y decoración.

Se casó con la escultora Grete Tatjana Borgbjerg.

Obras suyas son: Interferenser - interferencias-, Fredericia Escultura de cobre y relieves de mármol, 1982-83, Sala de conciertos de Odense . 

Aagaard Andersen fue un artista prolífico y está representado en varios museos en y fuera de Dinamarca.

Aalto, Aino, arquitecta y diseñadora finlandesa (1894 -1949)

Fue una de las primeras arquitectas finlandesas de principios del S XX. Compañera de trabajo y esposa de Alvar Aalto, trabajaron juntos en su juventud y juntos diseñaron sus obras más emblemáticas: La Villa Mairea (hoy elevada a ser casi un monumento nacional finlandés y paradigma del encuentro entre lo vernáculo y la modernidad), el Pabellón finlandés en la Exposición Universal de Nueva York del año 39, el sanatorio antituberculoso de Paimio o la Biblioteca Viipuri. Sin embargo, muy pocos saben de la importancia de Aino dentro del equipo, así como de otras arquitectas pioneras de esos años que coincidieron con la vanguardia artística europea. Aino, como tantas otras mujeres de su época, prefirió resguardarse en la sombra, puesto que no necesitaba reconocimiento ni galardones, dejando brillar a su compañero, no habiendo sido reconocida en su justa dimensión, hasta la aparición de esta monografía.

Para definir a Aino en dos palabras podríamos decir que era una bella y gran mujer sin restar ninguno de los sentidos que estas palabras poseen. De belleza interior y exterior, Alvar la llamaba siempre “pequeña”, aunque inevitablemente resultaba ser siempre grande. Y Sigfreid Gideon, un conocidísimo crítico de arquitectura llegó a decir que era “plácida como los lagos y las selvas finlandesas aunque de la manera que saben generalmente sólo hacerlo las mujeres nórdicas...” 

Falleció en 1949 con cincuenta y cinco años. Muchos conocen al que fue su marido y compañero, Alvar Aalto. Pero muy pocos saben de la trayectoria de esta mujer tranquila, amante del diseño de objetos y de muebles, de la arquitectura, del arte vanguardista y de la educación montessoriana, casi siempre –por propia voluntad- a la sombra de “la luz del norte”. Así llamaron a su esposo, por incorporar la luz del Mediterráneo (a donde viajaron juntos) en sus diseños. S. Giedeon, historiador y amigo de la pareja dijo de Aino que era “plácida como los lagos y las selvas finlandesas de las que procedía; y también activa, aunque de la manera que sólo las nórdicas sabían serlo...”

Alvar y Aino trabajaron y se enamoraron y vivieron juntos y juntos diseñaron. ¡Qué difícil hacer todo eso juntos y seguir juntos! ¡Qué difícil compaginar estudios, trabajos, niños y viajes! Pero ella era tranquila, y a la manera de las mujeres de su época, permaneció detrás, no quiso significarse mucho y aún así los expertos reconocen sus diseños y su buen hacer arquitectónico en la primera época altiana.

La Villa Mairea, una de las obras más conocidas de la pareja, además de ser un proyecto emblemático de la modernidad, donde se combina el vernaculismo y la tradición -a través de las formas orgánicas y de los materiales – con la esencia más pura del funcionalismo de vanguardia, es compleja en sí misma. Pareciera que está orquestada por varias manos. Y así es, porque además de ellos, también participaron muy activamente el matrimonio Gullischen propietarios de la casa. Complejidad, superposición de distintas ideas en distintos lugares, composición por partes dando un bellísimo resultado repleto de matices, todo ello resulta obvio al pasearse por las distintas estancias de La Villa Mairea.

El Pabellón de Finlandia en la Feria Mundial de París (1937), la Biblioteca de Viipuri (1928-34), El Sanatorio Antitubeculoso de Paimio (1929) son sus trabajos más significativos realizados juntos. Sin contar con la compañía Artek (Arte+Técnica) que produce y vende muebles hasta la fecha y fue su trampolín de lanzamiento a nivel internacional...

La desaparición de Aino marca un punto de inflexión en la vida personal y profesional de Alvar Aalto. Según Tafuri: “Desde 1945 fue ajeno a toda demanda programática y sólo intentara desarrollar un lenguaje ya formado claramente a finales de los años treinta.”

Aalto, Hugo Alvar Henrick, arquitecto, escultor y pintor finlandés (Kourtane, 1898-1974)

Ha proyectado varios edificios, establecimientos comerciales y residencias particulares en Finlandia, Estados Unidos y Alemania (Fábrica Sunila, en Kotka, el Sanatorio de Paimio, la Biblioteca de Vijpuri, la Maisón Carré, en las afueras de París, y algunas casas en el Barrio de la Interbau, en Berlín). A él se deben también algunos planos urbanísticos en Suecia y Finlandia.

Profesor del Instituto Tecnológico de Boston, diseñó para este centro la residencia estudiantil.

Su estilo se caracteriza por el predominio de grandes superficies onduladas o planas, y por el uso de la madera que en el mueble llega al virtuosismo.

Los problemas encaminados a valorizar al máximo los materiales, al ambiente natural y al carácter íntimo de la vida humana fueron afrontados por este arquitecto.

Fue autor, en su país, de varias obras arquitectónicas. En algunas de ellas, erigidas antes de la Segunda Guerra Mundial, utilizó mucho la madera (materia prima en su país) y cuidó esmeradamente de los detalles, tanto en la iluminación como en el aislamiento acústico.

Durante el período de la Guerra Soviético-finesa, hizo propaganda de su país es los Estados Unidos, mientras realizaba algunas construcciones en los dormitorios de la Baker House y daba clases en el Instituto Tecnológico de Massachusetts. Posteriormente regresó a Finlandia, donde realizó el Centro Comunitario de Saynatsälo, la Casa de Cultura de Helsinki y otras construcciones en la época de la Post-Guerra.

Estudió arquitectura en la escuela politécnica de Helsinki. Después de graduarse en 1921 realizó un dilatado viaje de estudios por Europa. En 1923 abrió su propio despacho de arquitectura en una ciudad pequeña, el cual trasladó en 2 ocasiones, la segunda a Helsinki. En 1925 contrajo matrimonio con Aino Marsio, quien fue su colaboradora. En 1928 fue nombrado miembro del Congreso Internacional de Arquitectura Moderna. Más adelante se trasladó a los Estados Unidos, donde fue profesor de arquitectura en el prestigioso Instituto Tecnológico de Massachusetts, el MIT por sus siglas en inglés, en Boston.

Las obras de Aalto se integran con armonía en el paisaje, formando con éste un conjunto arquitectónico. La madera y el ladrillo fueron sus materiales preferidos. Seguidor convencido del funcionalismo y de la arquitectura orgánica, fue uno de los primeros y más influyentes arquitectos del movimiento moderno escandinavo. A lo largo de su carrera, Aalto diseñó 200 proyectos, de los que se realizaron la mitad. Además de arquitecto, Aalto fue también diseñador y creó los muebles para la mayoría de sus edificios. En 1935 fue, junto con su esposa, co-fundador de la empresa de muebles Artek. Allí diseñó la primera silla apoyada en una estructura de madera autoportante, que fue patentada. Una de sus piezas clásicas es el jarrón Aalto, también llamado Savoy.

Obras suyas son:

En lo referente a arquitectura:

Sanatorio de Paimio (1929-1933); Biblioteca Vijpuri (1927-1935); Pabellón de Finlandia, Exposición Universal de 1937 (París); Pabellón de Finlandia, Exposición Universal de 1939 (Nueva York); Residencia Universitaria Baker, Instituto de Tecnología de Massachusetts (Boston); Iglesia de Vuoksenniska (Finlandia); Ópera de Essen (Alemania); Auditorio Finlandia (Helsinki); Biblioteca de la abadía de Monte Ángel, Saint Benedict (Oregón); Ayuntamiento de Säynätsalo (Finlandia); Sala de Conciertos (Viena); Casa de la Cultura (Helsinki); Edificio de la ciudad periférica Neue Vahr (Bremen, Alemania); Centro Cultural de Wolfsburg, (Alemania); Universidad Politécnica de Helsinki (Otaniemi, Finlandia); Edificio de oficinas de British Petroleum (Hamburgo); Centro de ciudad de Castrop-Rauxel (Alemania); Edificio de viviendas Schönbühl (Lucerna, Suiza); Casa y estudio de Alvar Aalto en Helsinki (1936-1937, Finlandia); Villa Mairea (1938-1939, Noormarkku, Finlandia; Casa en Muuratsalo (1952-1953, Muuratsalo, Finlandia); Centro Urbano de Seinajoki (Finlandia 1951-1987); Iglesia de las Tres Cruces (1955-1958, Imatra, Finlandia).

En lo referente a objetos y mobiliario:

Muchos de los objetos que diseñó se siguen produciendo en la actualidad, entre ellos el taburete Y-leg Stool, producido por Artek (1946-1947); el taburete Model No. 60 y 69, producido por Artek (1932-1933); la tumbona Model No. 43 y silla Model No. 406, producido por Artek (1936); la Silla "Paimio" o Model No. 41, producido por Artek (1930-1931) y la silla Model No. 31, producido por Artek (1931-1932).

En su honor se concede cada cinco años el Premio Alvar Aalto. Premios de gran prestigio a nivel mundial dentro del mundo de la arquitectura.

La importancia de Aalto para la arquitectura moderna radica en haber sintetizado el funcionalismo con la arquitectura orgánica y las formas regionales, para llegar de esta manera a un muy personal e individual estilo internacional. Como escultor, es el primer artista finlandés que creó obras abstractas.

Tras su formación en el Liceo de Jyväskylä estudió entre 1916 y 1921 en el Departamento de Arquitectura de la Universidad Politécnica de Helsinki con U. Nyström y A. Lindgren. Participó en 1917 en la guerra de independencia de Finlandia, y obtuvo el diploma en arquitectura en 1921. Ese mismo año entró por un breve intervalo de tiempo en la oficina de planificación de la Feria de Göteborg, para realizar posteriormente viajes de formación profesional con becarios finlandeses por varios países escandinavos y bálticos. Entre 1923 y 1927 tuvo su propia oficina en Jyväskylä, y se casó en 1924 con la arquitecta Aino Marsio (1894-1949), con la que emprendió ese mismo año un viaje por el norte de Italia. Con ella colaboró y firmó todos sus proyectos. En 1925 nació su hija Johanna, y en 1927 abrió su oficina en Turku, que mantuvo hasta 1933. De esta época data también la colaboración con E. Bryggman y Huttunen. En 1928 nació su hijo Hamilkar, y ese mismo año fundó con otros arquitectos el Congreso Internacional de Arquitectura Moderna (CIAM), al que perteneció hasta 1966.

En 1933 se trasladó a Helsinki y abrió de nuevo una oficina propia. En 1935 fundó, junto con Mairea Gullichsen, la empresa de muebles "Artek", de la que fue director hasta 1942. En los años treinta realizó también varios viajes al oeste y al sur de Europa; de esta época data su amistad con Léger, Calder, Arp y Brançussi. En 1937 fue nombrado miembro corresponsal del RIBA de Inglaterra y en 1939 Caballero de la Legión de Honor de Francia. A partir de 1938 realizó varios viajes a Estados Unidos, y ese mismo año inauguró la exposición ambulante de su obra, e impartió lecciones en la Universidad de Yale (EEUU). Con motivo de la exposición mundial, viajó en 1939 a Nueva York para construir el pabellón finlandés, y empleó el año siguiente para hacer un viaje por los Estados Unidos. Todavía en 1940 recibió un contrato de investigación en torno a los problemas de reedificación (el proyecto de ciudad modelo "American Town") del Colegio de Arquitectos del Instituto de Tecnología de Cambridge/Massachusetts. Entre 1946 y 1948 volvió a Cambridge como profesor invitado.

En el transcurso de la Segunda Guerra Mundial estuvo ocupado principalmente en proyectos y viajes que giraban en torno a los problemas de la reedificación. Dio conferencias en Zurich (1941) y Amsterdam (1945), y realizó un viaje con varios arquitectos finlandeses a Alemania en 1943.

En 1942 inició la fundación del Instituto Finlandés para la Estandarización de la Arquitectura, y entre 1943 y 1958 asumió la presidencia de la Asociación de Arquitectos Finlandeses, para la que realizó, sobre todo a partir de 1951, numerosos y frecuentes viajes a Suiza, Italia, Francia, Alemania y Estados Unidos. En 1951 viajó también a España y Marruecos, entre 1954 y 1955 a Bagdad, en 1962 a Rusia y en 1963 a México.

En 1952 se casó con la arquitecta Elissa Mäkiniemi, con la que colaboró hasta su muerte, y 2 años más tarde inició la fundación del Museo Finlandés de Arquitectura Moderna. A partir de 1955 fue miembro de la Academia Finlandesa, de la que fue presidente entre 1963 a 1968, y después de esa fecha miembro honorario. Recibió numerosas distinciones internacionales tras la Guerra Mundial, entre ellas la de doctor honoris causa de la Universidad de Princeton en 1947, de la Universidad Politécnica de Helsinki en 1949, de la Universidad Politécnica de Trondheim en 1960, de la Universidad Politécnica de Viena en 1965 y de la Universidad de Jyväskylä en 1969. En 1958 fue nombrado miembro de la Academia de las Artes de Berlín, en 1963 miembro de la World Society of Arts and Sciences de Israel y en 1975 miembro honorario de la Academia de Bellas Artes de Venecia, del Colegio de Arquitectos de Perú y de la Real Academia de Escocia. Otras distinciones que recibiera fueron la Medalla del Príncipe Eugen de Suecia, la Cruz del Comandante de Dannebrogen de Dinamarca, la Medalla de Oro del RIBA de Inglaterra (1957), la Medalla de Oro de la SAFA de Italia (1958), la Medalla de Oro del American Institute of Architects (1958), la Placa de la Freie Akademie der Künste de Hamburgo, la Medalla de Oro de la ciudad de Florencia (1965), el Gran Comandante de la Condecoración Italiana Al Mérito, el Diploma de Palma de Oro del Mérito de Luxemburgo (1966), la Condecoración para los Méritos en Ciencias y Artes de Alemania (1969), la Gran Medalla de la Academia de Arquitectos de Francia, la Gran Cruz de Faucon de Islandia y la Medalla de Tapiola de Finlandia (1972).

Aunque como arquitecto Aalto no pertenezca a los primeros precursores de la arquitectura moderna, si hay que contarle entre los pioneros de la siguiente generación, que han contribuido de forma decisiva en el desarrollo del funcionalismo racional hacia la arquitectura orgánica. En su primera etapa, hasta 1927, Aalto se encuentra fuertemente influido por la guerra de la independencia finlandesa, lo que hace que su arquitectura se caracterice por los generales rasgos neoclásicos de índole nacional. Pero ya en las obras de su maestro A. Lindgren y también en sus propios edificios, como la Sala de Exposiciones de Tampere de 1922 y la Casa de los Trabajadores de Jyväskylá de entre 1923 y1925, estos rasgos están impregnados de tendencias prefuncionalistas en el sentido de la simplificación y la acentuación de las formas.

El edificio de la Cooperativa Agraria de Turku, concebido entre 1927 y 1928 como cubo clásico en el que se integra el espacio simple y blanco del "Teatro Finlandés", es un clímax en la obra de Aalto y, al mismo tiempo, un punto de inflexión hacia el funcionalismo propagado por Le Corbusier y Gropius. El edificio para el periódico Turun Sanomat de Turku, el Sanatorio de Tuberculosis de Paimio y la Biblioteca Parroquial de Vijpuri, ideados entre 1927 y 1929, son obras maestras de la arquitectura funcionalista, en las que destacan los estereométricos cuerpos arquitectónicos, las fachadas lisas y blancas, los techos planos y la acentuación de las ventanas. Con estos edificios premiados Aalto, inició su llamado "primer período blanco", que durará más o menos hasta el comienzo de la Segunda Guerra Mundial. Consiguió ser el arquitecto finlandés más importante y relacionar la arquitectura de su país con las tendencias arquitectónicas de Europa. Los edificios de esta época se caracterizan por un espíritu y medidas humanas, y una variable disposición del espacio y de la iluminación, empleando distintos niveles, techos ondulados y luz variada, elementos que se acompañan con la madera por ser el tradicional material constructivo de Finlandia. La especial sensibilidad de Aalto para el empleo de la madera junto a su permanente búsqueda de integración de ésta de la manera más harmoniosa posible en sus edificios muestra el afán del arquitecto por crear una nueva y estrecha relación entre arquitectura y naturaleza.

Los grandes proyectos para espacios industriales y urbanos en Sunila y Kauttua (1935-37; el hecho de construir en Kauttua las casas con terrazas en las pendientes significa una radicalidad hasta el momento desconocida en esta época) son ejemplos destacados de una planificación orgánica, en la que se integran la arquitectura funcionalista y la naturaleza.

Está síntesis de naturaleza y funcionalismo se manifiesta de forma cada vez más fuerte a lo largo de los años treinta, acompañada de una articulación más rica de los elementos constructivos y una estructuración más variada de la fachada. Los materiales que se emplean son el hormigón, el encofrado de madera, la piedra natural y el ladrillo sin revoque. Obras características de esta época son la casa del mismo Aalto en Helsinki-Munkkiemi (1934-36), el pabellón finlandés para la Exposición Mundial de París (1935-37) y la Villa Mairea en Noormarkku (1937-39). Con el pabellón finlandés (1937-39) para la Exposición Mundial de Nueva York (1939), Aalto abandona la composición cubista, para llegar a una nueva transición del exterior al interior, a través de una realización dinámica e irregular de los cuerpos arquitectónicos y de los espacios interiores. Ya no busca la estabilidad, el efecto homogéneo y la composición uniforme del estilo moderno, sino una arquitectura orgánica y flexible, capaz de participar (según sus propias palabras) con toda su fuerza en la lucha vital del hombre. Consigue, de esta manera, una diversificación de los ortogonales sistemas estructurales, vigentes hasta este momento sobre todo en la arquitectura industrial, para alcanzar una realización libre de planos, cuerpos, espacios y fachadas.

Estas nuevas fórmulas preparan ya en 1940 el camino hacia un subjetivismo en la arquitectura funcionalista, el cual será propagado por Aalto de manera más intensa después del final de la Guerra Mundial. Sus obras posteriores a ésta (muestras de una arquitectura orgánica) están impregnadas de un método de planificación que resulta ser un acto creativo dirigido por el instinto, al que están sometidos de manera sorprendente y casi irracional los factores materiales y funcionales de la construcción. Esto va acompañado por un sentido muy refinado para las medidas y las proporciones. No es casualidad que Aalto se acercase en este momento a la pintura y a la escultura, desarrollando un método de trabajo en el que el primer boceto espontáneo es el punto de partida para el proyecto arquitectónico.

El empleo masivo del ladrillo sin revoque en los edificios de la primera década de la posguerra, en la que Aalto se dedica especialmente a la reedificación y la planificación urbanista y regional (por ejemplo: Plano de la ciudad Rovaniemi de 1944/45, junto con Y. Lindegren, B. Saarnio y otros; Säynätsalo, 1942-46; Imatra, 1947-53; Centro de Helsinki, 1948), ha hecho que esta época creativa suya sea denominada el "período rojo".

Otros rasgos característicos de esta etapa son una estructura compacta, movida y escultórica de los cuerpos arquitectónicos y la más libre integración en un terreno montuoso (por ejemplo: M.T.I. Residencia Estudiantil en Cambridge/Massachusetts, 1947/48; Ayuntamiento de Säynätsalo, 1949-52), el empleo de facetas de luz, la formación espacial de manera ondulada, rupturas verticales y una diversificación estructurada y colorista de la fachada (por ejemplo: Casa de Verano de Aalto en Muuratsalio, 1953, con placas de ladrillos y cerámica).

En las edificaciones del llamado "segundo período blanco" de Aalto a partir de 1953, en las que el blanco cobra de nuevo protagonismo, se refuerzan todas las tendencias ya existentes. Cuerpos arquitectónicos de forma ortogonal y orgánica crean complejos muy ricos, tensos y variados. El espacio vitalizado por formas plásticas crece de manera irracional en todas las direcciones. Un buen ejemplo es la iglesia de Vuoksenniska (1956-59), con tres espacios integrales en el interior. El exterior de los edificios recibe un efecto intensificado en la composición de las superficies, en la articulación de los contornos y la estructuración constructiva a través del empleo combinado de materiales de distintos colores, como son el hormigón, el ladrillo, la madera, la cerámica, la porcelana, el mármol, la piedra natural, el cobre y la pizarra.

Los años cincuenta son la cumbre del reconocimiento internacional; Aalto recibió encargos muy importantes de muchos países, y se hizo cargo de ellos con un pequeño equipo. Aunque su obra tardía no está exenta de esteticismos, no se le puede reprochar arbitrariedad, nimiedad o manierismo, a pesar de que en el subjetivismo llevado hasta los extremos y en la absoluta falta de convencionalismos se hallan también las contradicciones y limitaciones de su obra.

La influencia que tuvo Aalto en la evolución internacional de la arquitectura fue sobre todo importante durante su vida. El hecho de ser un individualista solamente sujeto a su propio estilo es la razón por la que Aalto no haya creado escuela o un séquito de seguidores.

Su obra de escultor, diseñador y pintor, a pesar de ser menos llamativa, está en un principio muy influida por la arquitectura; en la medida en que se fue independizando de ella consiguió cambiar los esquemas y desarrollar fórmulas para la arquitectura.

En su primera etapa de creador de formas, de 1927 hasta la Segunda Guerra Mundial, Aalto se limita a trabajos en madera. Motivado por encargos para amueblar y decorar sus edificios (por vez primera en Paimio) creó, en torno a 1930, muebles hechos de distintas capas de madera deformada por calentamiento. Especialmente las sillas (por ejemplo: Silla Aalto) tendrían una gran difusión en todo el mundo, particularmente después de la fundación de la empresa "Artek" en el año 1935. Posteriormente, realizó también esbozos para objetos de uso cotidiano, como jarrones, lámparas, joyas, etc., empleando también el cristal, la tela e incluso el oro.

Influido teóricamente por el pensador finlandés Yrjö Rin, que propagaba la idea de la creación artística sin fin práctico, y formalmente inspirado por Léger, Calder y Arp, creó a partir de los comienzos de los años treinta relieves y esculturas de carácter abstracto-constructivista, que documentan la lógica interna del material madera. En 1946 dedicó estas llamadas "esculturas de laboratorio", que son las primeras muestras de una escultura abstracta en Finlandia, en Zurich a Henry van de Velde, considerado el gran pionero de la arquitectura y (según las propias palabras de Aalto) el primero que soñó con fundir madera. Las esculturas de metal y mármol datan sobre todo de los años sesenta y se subordinan a los relieves arquitectónicos.

Sus pinturas de pequeño formato en óleo y acuarela, realizadas a partir de 1945, recuerdan estructuras de paisaje. Son testimonios muy personales de su creatividad original, que en comparación con sus esculturas sólo pueden ser vinculadas de manera indirecta con la arquitectura. Esculturas, pinturas, esbozos y estudios de Aalto se hallan por ejemplo en el Museo para la Arquitectura Finlandesa y en el Banco Nórdico (relieve con representación estilizada de la costa meridional de Finlandia, mármol blanco y oscuro, 1962-64) y en el Auditorio Máximo de la Universidad Politécnica (relieve de madera y metal, 1966) de Helsinki. Otras muestras se encuentran en el Museo Alvar Aalto de Jyväskylä, el Banco Popular Nórdico de Lathi (relieve de madera, 1968), el Instituto de Educación Internacional de Nueva York (relieve de madera, 1963/64) y en Suomussalmi (monumento a la guerra, 1960).